antonio fuentes leon

PRENSA LOCAL

2011-05-15T02:45:00.000-07:00

En febrero de 1984 apareció el primer número. Conocido popularmente como "El botafumeiro" es fácil deducir el motivo del apodo. Solo recordar al alcalde de la época.

Primer Día

2011-03-20T09:40:00.000-07:00

Primer Día de Emisión

2011-02-26T01:17:00.001-08:00

Sobres Primer Día de Emisión - Ceuta

2011-02-04T03:33:00.000-08:00

Canciones de nuestras vidas (XXVII)

2010-12-13T02:13:00.000-08:00

Quince años tiene mi amor – Dúo Dinámico
Es difícil que en este país alguien no haya bailado o escuchado algunas de las canciones del Dúo Dinámico. Son pocas las casas en las que, de los padres o hermanos mayores, sus discos no hayan estado presentes como algo cotidiano. Ramón Arcusa y Manuel de la Calva son el dúo musical más importante de la historia de España. Imposible escribir o narrar algo de los últimos cincuenta años de nuestras vidas sin que sus canciones acompañen los acontecimientos.
Desde su creación, últimos años cincuenta, el dúo fue un fenómeno de masas. Precursores de los primeros movimientos masivos de fans, sus canciones se convirtieron en todo un acontecimiento social. Programas de radio, películas y actuaciones convirtieron a sus protagonistas en un revulsivo estimulante para una juventud deseosa de salir de la oscuridad de aquel país.
Botón de ancla es una película de 1960, año en que ingresé en el INEM de Ceuta para comenzar el bachillerato. Un film típico de la época que veíamos con la inocencia propia de los pocos años. La banda sonora de aquella película lanzó a la fama una canción del Dúo Dinámico que ha resistido el paso del tiempo y se ha convertido en algo familiar para varias generaciones:
Quince años tiene mi amor. Es un tema que no entra en discusiones de bueno o malo; es una canción que evoca toda una época al escucharla. Amores, amigos, familia, lugares, etc.
La importancia de las canciones del Dúo Dinámico y su significado en la vida cotidiana de este país es reconocida constantemente. Serie histórica como Verano Azul, película importante de nuestro cine como ¡Átame! , el musical Quisiera ser, con 24 grandes éxitos del dúo así lo confirman. No creo equivocarme si digo que el Dúo Dinámico no es sólo canciones. Sus temas son momentos de nuestras vidas.

American Pie – Don McLean
No es la típica canción del verano pero para un grupo de amigos y para mí si lo es pues es el tema que nos acompañó aquellos días del último estío entero pasado en Ceuta.
En España se puso a la venta la versión corta y ligeramente censurada por el franquismo que consideró algunas palabras fuera de tono. Nadie sabía el motivo puesto que la canción habla de la historia del rock; desde la muerte de varios artistas – Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper- en un trágico accidente aéreo en 1959 hasta 1970. Más tarde se publicó otra versión más completa y larga para disfrute de los aficionados.
Es una canción de estilo folk con un gran atractivo por sus constantes subidas y bajadas de tono y su pegadizo estribillo con la inconfundible voz de Don McLean. Un tema que nos acompañó aquel inolvidable verano del que conservo una foto del grupo en la playa.
De aquellos amigos algunos ya no están, el imparable paso del tiempo se los llevó: Bolorino, Ramirez, Rabah. Con otros, Frugui, Sarria, Amadeo, Méndez, Hassan, sigo compartiendo pequeños pero buenos momentos durante mis visitas a la ciudad. American Pie es la canción de aquel último verano que me recuerda a aquellos amigos. Tristeza y alegría se mezclan al evocar aquellos días que el tiempo no ha borrado.
American Pie está de permanente actualidad por las constantes versiones y utilización en películas y parodias. Madonna realizo una triste y desangelada versión para la película The Next Best Thing. Tori Amos, Garth Brooks, Hernando Zuñiga y el humorista Yankovic son otros de los muchos artistas que se han atrevido con esta canción declarada patrimonio musical de EE.UU.

Best of Bill Wyman's Rythm Kings (2009)- Bill Wyman
En una entrevista decía Bob Dylan: The Rolling Stones deben seguir en activo pero volviendo a contar en sus filas con Bill Wyman. Es el músico que le daba al grupo su verdadero sonido y no como ahora que es una banda de funk.
El que fue durante más de treinta años bajista del grupo británico dejó la banda en 1993 para crear su propio grupo y tocar la música que le apetece. El próximo día 3 viene a Barcelona y es el momento para verlo en directo. Con músicos de reconocido prestigio como Terry Taylor y el fenomenal George Fame, Bill formó la banda Rythm Kings en 1996. Una formación ideal para ver y disfrutar en espacios pequeños; locales con humos y bebidas, lejos de las prohibiciones. Locales para dar rienda suelta a los sentimientos que la música sea capaz de transmitirte.
Best of Bill Wyman's Rythm Kings es un recopilatorio de lo mejor de la banda publicado en 2009. Su música suena a los primitivos Rolling, a blues, soul y jazz. Rodeado de magníficos músicos sin otras pretensiones que disfrutar de lo que hacen, alejados de los circuitos comerciales y sin preocupaciones de entrar en listas ni nada parecido, Bill Wyman nos ofrece una oportunidad única de volver a escuchar música sin aditivos, directa.
Puede que Dylan tenga algo de razón. El potente bajo de Bill daba otra dimensión a los Stones pero, él prefirió tomar otros derroteros y ofrecernos lo que de verdad le gusta: su música. Aquella que nos recuerda a los primeros Stones, Animals y otras bandas inglesas que siguen vivas en nuestras memorias.
The Sun Ain´t Gonna Shine (Anymore) - The Walker Brothers
El rock-pop barroco por excelencia. Este trío norteamericano que triunfó desde Londres, abrió una nueva vía a las posibilidades de la música popular. Su dramatismo interpretativo y la enorme capacidad vocal de su cantante Scott Walker fueron las bazas del grupo para su lanzamiento. Los tremendos acompañamientos musicales que envolvían sus canciones y la novedad de ver el rock desde el romanticismo ayudaron a que Walker Brothers triunfaran.
The Sun Ain´t Gonna Shine (Anymore) es un tema de 1966 y supuso su reconocimiento mundial. Es una canción ideal para el verano – eso es lo que a mí me recuerda- su letra, la interpretación y el furor sexual causado a los adolescentes de la época lo confirman. Para mí, que sigo escuchándolos, alguna que otra vez, la sensación que me transmiten es de tranquilidad; su música y la tremenda voz de su cantante principal me ayudan a serenarme y a pasar de todo por unos momentos. No es su mejor canción pero si la más conocida y versionada, aunque nadie haya sido capaz de igualarla. Es difícil superar su interpretación. Los registros vocales de Scott Walker no están al alcance de muchos.
The Sun Ain´t Gonna Shine (Anymore) es una canción que muchos habrán escuchado sin saber quién o quienes la cantan. Para disfrutarla en todo su esplendor hay que hacerlo escuchando a The Walker Brothers.

Cheap Thrills – Janis Joplin
Rebelde, abierta a todo tipo de experiencias, símbolo de la contracultura de aquella época y dotada de una extraordinaria voz y capacidad interpretativa, Janis Joplin es el rock- blues en su mejor vertiente. Forma parte de las tres “J” históricas de la música popular desaparecidas en parecidas circunstancias: Jimi Hendrix, Jim Morrison y ella.
Su carrera artística fue corta pero de gran intensidad, como su vida. Su poderío vocal, su repertorio y el magnifico acompañamiento de las distintas bandas con las que tocó – Big Brother and Holding Company, Kozmic Blues Band, Full Tilt Boggie Band- fueron los ingredientes básicos de su triunfo.
Cheap Thrills es su mejor disco y da una idea muy cercana de su capacidad y valía. Janis Joplin es una artista para escuchar en determinados momentos por lo especial de su música. Su lado salvaje es idóneo para subir estados de ánimo algo decaídos.
En 1979 se estrenó una película llamada La Rosa. Interpretada por una estupenda Bette Midler, es un documento que se acerca bastante a su azarosa vida. Existencia que acabó de forma trágica a causa de una sobredosis. Fiel hasta el final de sus días a su visión de la vida, dejó en testamento 10.000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Murió con apenas 27 años.

2010-11-11T23:06:00.000-08:00

Bienvenidos – Miguel Ríos
Tras cinco décadas de música, más de quinientas canciones grabadas y cientos de conciertos a sus espaldas, Miguel Ríos, pionero del rock and roll español, dice adiós a los escenarios con varios conciertos enmarcados en la "mini-gira" "Bye Bye Ríos Rock hasta el final". Con este anuncio por palabras, se despide Miguel Ríos de los escenarios.
Imposible conocer y comprender el rock en España sin el de Granada. Desde los primeros años sesenta, con el nombre de Mike Ríos, el rock español encontró en él a un rockero convencido e identificado con una causa: el rock. Su trayectoria musical es pública como sus grandes éxitos pero su contribución a la expansión y conocimiento del género es aún mayor. Miguel Ríos significa: rock.
Lo he visto muchas veces en directo; la primera fue en Ceuta y lo recuerdo muy bien por los acontecimientos ajenos a su música. Corrieron fuertes rumores de su detención momentánea por la policía por supuesta tenencia de estupefacientes. Nunca supe ni me preocupe si era cierto o no pero la noticia sonó con fuerza. En aquellos años Miguel era un icono de rebeldía y poco nos importaba si era cierto o no. Sólo queríamos escucharlo e identificarnos con él.
En su larga carrera tiene grandes canciones recordadas por todos: sus versiones de clásicos de la historia del rock, sus dos primeros éxitos El río y Vuelvo a Granada; su internacional Himno a la alegría, Santa Lucia, etc. Fue pionero a la hora de montar conciertos con buenas infraestructuras como Conciertos de rock y amor, La Noche Roja, El rock de una noche de verano. He elegido Bienvenidos que fue su carta de presentación en los conciertos y grabación en directo de su Rock and Ríos. Un disco histórico por lo que significo y que yo recuerdo con la satisfacción de haberlo podido disfrutar en vivo. Miguel Ríos se marcha pero siempre quedará su música. Espero poder asistir a su concierto en Barcelona para decirle adiós.

My Gilr Sloopy - The Yardbirds
Durante unas vacaciones en Ceuta compré varios discos a precios irrisorios; en una pequeña sección de libros y discos de una gran superficie; había CD´s de grandes intérpretes y no dude en comprar algunos: Roy Orbinson, Ray Charles, The Hollies, etc. Entre aquellos discos adquirí un doble CD del grupo ingles The Yardbirds titulado For Your Love. Toda una joya discográfica por el excelente contenido para conocer a una banda histórica.
El peso de esta banda inglesa de blues rock en la música popular es importante. Por el grupo pasaron y en él se formaron, tres de los mejores guitarristas de la historia del rock: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Tres músicos que después de su aprendizaje en Yardbirds desarrollaron todo su potencial sonoro en otras bandas de éxito.
My Gilr Sloopy es un tema escrito por Farrel y Russell y grabada por La McCoys en 1965. Con un pegadizo y repetitivo estribillo, la canción se convirtió en un éxito mundial y hoy día se hacen versiones constantemente. Es el clásico tema que todo el mundo ha escuchado aunque no sepa situarlo ni en el tiempo ni con nadie. En el recopilatorio de The Yardbirds viene la versión que hicieron de My Gilr Sloopy y es algo contagioso; la magnifica interpretación de la banda inglesa te envuelve en una atmósfera que recuerda sus mejores momentos. Es un grupo con una historia intensa al que hay que escuchar detenidamente para entender el posterior desarrollo del blues rock hecho en Gran Bretaña.
Para los amantes o simples aficionados de este tipo de música es recomendable la extraordinaria versión realizada por Bruce Springsteen y la E Street Band.

My Way – Frank Sinatra
El último año de la EGB de mi hija Paula, la profesora de ingles pidió a los alumnos que para soltarse con el idioma escuchasen música de determinados intérpretes. La lista era muy corta, apenas tres. Su argumento era que la pronunciación de aquellos artistas era muy buena y ayudaba a una mejor comprensión. En aquella terna se hallaba en primer lugar Frank Sinatra; la magnifica dicción del americano es ideal para el aprendizaje del idioma. Cada viernes durante, todo un trimestre estuve poniéndole a la Voz y ayudándole y aprendiendo con ella a través de Frank Sinatra.
My Way es un tema universal y es la canción que identifica al americano. Con el titulo original de Comme d´habitude fue escrita por Claude François y Jacques Revaux. Paul Anka la adaptó al inglés respetando sólo la melodía y cambiándole totalmente la letra. Debe de ser uno de los temas con más versiones. Se han realizado en la mayoría de idiomas y en géneros muy distintos; desde las clásicas baladas hasta versiones en heayy metal, pasando por el punk y la versión reggae realizada por Andrés Calamaro. Artistas tan diferentes como Nina Simone, Charles Aznavour, Sid Vicious, Pearl Jam, Robbie Willians, Rafhael, Nina Hagen, Los Panchos y una lista larguísima se han atrevido con ella con diferentes resultados. Desde la impresionante de Sid Vicious hasta la desastrosa de Julio Iglesias, para todos los gustos.
Dos cosas aprendí con las audiciones de la interpretación de My Way por Frank Sinatra: la suya es la mejor de todas y que la profesora de mi hija llevaba toda la razón, la dicción de Frank Sinatra es perfecta.

American Woman – The Guess Who
Este tema del grupo canadiense era un fijo en todas las sesiones del cine Terramar Cinema de Hadú. Una canción potente con un estribillo pegadizo que hacia las delicias de los aficionados y te hacia sentir bien antes de iniciarse la película.
En los años sesenta, el rock internacional y sus ramificaciones –pop y beat- era cosa de estadounidenses y británicos en la mayoría de los casos. Algunos grupos y solistas rompieron este dominio con gran éxito. Una de aquellas excepciones fue el grupo canadiense The Guess Who. La música de esta banda triunfó en el mundo y abrió una brecha en la invasión británica y estadounidense; sus canciones, con fuerte predominio de guitarras, se hicieron muy populares: No sugar tonight, These Eyes, Shakin´All Over y la antiamericana American Woman dieron un sonido propio a la banda.
La música que se escuchaba en aquel entrañable cine de Hadú estaba grabada en casete. Era siempre la misma. Los asiduos conocíamos las canciones de memoria y volver a escuchar algún tema de aquella particular banda sonora es recordar muy buenos momentos y a entrañables amigos. Es el poder de la música. Te traslada en el tiempo y te ayuda a recordar tu vida. American Woman forma parte de la vida de algunos de nosotros; el inolvidable tema de The Guess Who es junto con Mis manos en tu cintura de Adamo la música del Terramar Cinema.

Let Me Love, Let Me Live – Aphrodite ´s Child
Los primeros días de mayo se ha celebrado en Barcelona una de las ferias del disco para coleccionistas (hay varias). Una de las cosas que sorprende a los asistentes es la gran demanda de vinilos de los años sesenta y setenta. Demanda que últimamente se ha visto incrementada por la iniciativa de muchos artistas que han decidido publicar sus trabajos en vinilos y de las propias compañías discográficas que ante la fuerte demanda de aficionados han decidido hacer lo mismo, publicar el trabajo de determinados artistas en diferentes soportes.
Somos muchos los que creemos que la tecnología no ha logrado superar el viejo sonido de los discos; sólo hay que poner la misma música publicada en un CD y escucharla en un disco; la diferencia es brutal. Un ejemplo de lo que digo es el “asesinato musical” hecho con la publicación remasterizada de la obra de Beatles. Al grupo de Liverpool hay que escucharlo como era, con todos sus defectos sonoros, lo otro es falso. Otro ejemplo sonoro es el MP3. Este formato audio digital es muy útil (tengo dos) pero no para escuchar música. Sirve para acompañar en determinados momentos y hacerte pasar esos momentos de manera más amena pero nunca para escuchar música. No reproducen muchos sonidos ni logran una escucha óptima.
No soy un retro de las viejas tecnologías sólo espero que alguien me demuestre como superar el sonido logrado por los vinilos. La comodidad de las nuevas tecnologías es un gran logro pero, para escuchar y disfrutar de la música, prefiero mi PLATO.
Acudí a la feria con un solo objetivo: ver la subasta. Un deseo difícil de cumplir ante lo que allí hay y como todos y como siempre, acabé sucumbiendo. Compré entre otros vinilos una recopilación del grupo griego Aphrodite ´s Child en la que venía el tema Let Me Love, Let Me Live. Tuvieron mucho éxito hasta que las distintas y fuertes personalidades de dos de sus componentes chocaron. Demis Rusos y Vangelis iniciaron sendas carreras personales y exitosas quedando para la historia de la música sus canciones, entre ellas la estupenda balada Let Me Love, Let Me Live. Un tema delicioso para bailar.

2010-09-30T23:23:00.000-07:00

Ya no hay locos en España – Paco Ibáñez
El pasado día 20 de abril asistí a una importante cita política en la Universidad de Barcelona: un acto homenaje a Garzón. No voy a tratar aquí lo que pienso de los acontecimientos relacionados con el juez puesto que no es el sitio adecuado pero, evidentemente el hecho de acudir a este acto ya demuestra mi posición.
Con el lema El olvido es un insulto a la conciencia y a la dignidad humana, el Paraninfo de la Universidad acogió el homenaje que contó con distintos oradores que mostraron su apoyo al juez y a la independencia judicial. El acto se cerró con las actuaciones de Marina Rosell, Quico Pi de la Serra y Paco Ibáñez.
Ya no hay locos en España, el poema de León Felipe fue interpretado por Paco Ibáñez ante el silencio de los reunidos. Este poema en forma de canción, fue grabado en 1990 junto a otros de García Lorca, Quevedo y Espronceda. La interpretación de Paco Ibáñez, cargada de emotividad y demostrando que sigue igual de comprometido que siempre, lleno de emoción al auditorio.

CUANDO SE PIERDE EL JUCIO,
YO PREGUNTO CUANDO SE PIERDE ¿CUANDO?
SI NO ES AHORA QUE UNA VIDA
VALE MENOS QUE EL ORIN DE LOS PERROS.

La lectura de parte del poema de León Felipe es muy adecuada y cada persona es muy libre de hacer la interpretación que crea más conveniente pero, creo que no deja lugar a dudas.

Je t´aime… moi non plus - Jean Birkin
El problema más delicado al que nos enfrentamos los coleccionistas es a quien dejar nuestras joyas. Años y dinero invertidos en coleccionar y disfrutar de aquellas “cosas” a las cuales consideramos parte muy importante de nuestras vidas para preguntarte ¿y después qué?
Algunos, entre ellos yo, tenemos muy claro el destino final de nuestras joyas pero para otras personas es un verdadero problema por falta de prevención. Es normal acudir a mercadillos y encontrarte con muchos objetos, especialmente libros y discos, firmados por la misma persona. Es fácil adivinar las causas: el coleccionista ha muerto y sus familiares hartos de sus “manías” deseosos de deshacerse de todo no dudan en malvenderlos. Una pareja de amigos, Anabel y José se han separado y decidieron repartirse sus cosas. Una extraordinaria colección de discos no entró en el reparto pues ninguno quiso llevársela y acabó en mí poder. 100 discos de música clásica los deposité en una biblioteca de mi barrio, creo que allí los harán servir adecuadamente y otros tantos han pasado a mi colección. Son LP´s, singles y EP´s. La mayoría son muy buenos y hay verdaderas joyas: Beatles, Rolling, Doors, Creedence, Moustaki, T. Rex, Brian Auger y otros grandes de la historia de la música. Entre ellos apareció uno que en su época causó furor; en España fue un bombazo debido a la entupida censura de aquellos años. Es el Je t´aime… moi non plus de Jane Birkin y Serge Gainsbourg de 1969. Una canción provocadora y sensual en la que los gemidos y suspiros de la pareja haciendo el amor convirtió al tema en un éxito mundial.
En España Je t´aime… moi non plus es una canción que hubiese sido un éxito de todas las maneras pero gracias a los censores de régimen se convirtió en un icono. Para mí ha sido un regalo recibir el disco aunque haya sido como consecuencia de la separación de una pareja de amigos.

Dancing in the Street - The Pepper Pots
No son famosos ni conocidos a nivel estatal a pesar de tener tres estupendos discos en el mercado; el descubrimiento de éste grupo catalán ha sido un grata sorpresa. Tenía noticias de su existencia pero no había tenido oportunidad de verlos en directo hasta el pasado fin de semana que pude hacerlo. Verlos en plena actuación es todo un espectáculo sonoro y visual.
The Pepper Pots es un grupo compuesto por una potente sección de viento, batería, órgano, tres maravillosas vocalistas y un repertorio basado en un homenaje a las girl groups: The Ronettes, Martha and the Vandellas, The Supremes y otras voces femeninas que hicieron historia. La actuación del grupo te hace retroceder mucho tiempo y deleitarte con su revival sonoro y sus magnificas aportaciones propias. Todo el espectáculo está pensado para rendir tributo a aquellas canciones y a sus intérpretes. Las interpretaciones, los bailes y el sonido recrean aquellos momentos en los cuales los temas elegidos causaban furor en todo el mundo.
Dancing in the Street es un tema histórico grabado por muchos y grandes intérpretes. En la memoria de los aficionados quedó la versión de David Bowie y Mic Jagger con un video que dio mucho que hablar por una supuesta relación sexual entre ambos. La canción es de 1964 y la popularizaron Martha and the Vandellas. El tema llama a bailar en la calle y forma parte importante del legado musical de la Motown.
La versión que realizan los chicos y chicas de The Pepper Pots en directo es potente e incitadora al baile; imposible quedarse quieto ante la energía que transmite el grupo. Una gran satisfacción el haber tenido la oportunidad de verlos en directo y pasar una magnifica velada.
¡Cuántos famosos desearían transmitir las mismas sensaciones que The Pepper Pots!

A Whiter Shade Of Pale - Procol Harum
Esta maravillosa canción, nombrada como el mejor sencillo del pop británico de 1952-1977 es un claro ejemplo de lo que un estupendo tema puede hacer, eclipsar totalmente a sus creadores. Muchos conocen la canción pero pocos al grupo que la hizo popular: Procol Harum.
A Whiter Shade Of Pale ha resistido el paso de los años por su extraordinaria calidad y por las numerosas versiones que se realizan y actualizan cada año. Son muchos los artistas que la han cantado con diferente éxito pero ninguna ha superado a la original; el maravilloso órgano de Mattew Fisher y la voz de Gary Broker son insuperables.
Desde su publicación allá por 1967, A Whiter Shade Of Pale se convirtió en un icono de las relaciones chico-chica y en una de las canciones de amor más famosas de todos los tiempos. El tema está basado en un poema de Keith Reid con arreglos basados en la música clásica y el jazz.
Fue el mayor éxito de la banda y la fama de la canción acabó por tapar otras virtudes de Procol Harem. Editaron varios discos con buenas canciones pero la losa de A Whiter Shade Of Pale fue demasiado pesada de superar.
Imposible imaginar una discoteca o un guateque de la época sin esta canción. En España, Los Pop Tops realizaron una buena versión en los sesenta. Para mí la mejor lograda por su originalidad es la realizada por Annie Lennox.

Mrs. Robinson – Simon and Garfunkel
El Graduado, protagonizada por Dustin Hoffman y Anne Bancroft fue un éxito mundial. La canción Mrs. Robinson se hizo muy popular gracias a la película y significó el segundo gran hit del dúo después de The Sounds of Silence.
El dúo de folk rock formado por Paul Simon y Art Garfunkel fue una fuente constante de buenas canciones. La capacidad creativa de ambos dio un resultado extraordinario. Su carrera está llena de grandes temas que han quedado para la historia. Fue el dúo más importante de las décadas de los 60 -70.
Recordar sus éxitos sería muy largo pero es imprescindible hacerlo con: The Sounds of Silence, utilizada en varias películas. La canción de origen peruano El cóndor pasa a la que ellos pusieron letra. La tatareada y popularísima Cecilia. Bridge Over Troubled Water, un tema que desde su publicación se convirtió en una de las canciones más importante e influyente de aquellos años y Mrs. Robinson, utilizada como banda sonora en otras películas como Forrest Gump.
La relación amorosa entre un chico joven y una mujer mayor que él, casada, tema central de la película y que tantos comentarios suscitó en su momento, está fijada en nuestras memorias a través de esta extraordinaria canción.

Canciones de nuestras vidas (XIV)

2010-09-19T02:00:00.000-07:00

La chica de ayer – Nacha Pop
Desde la muerte de Antonio Vega se han sucedido los homenajes a su persona. Conciertos, artículos y declaraciones de amigos y conocidos elogiándolo como persona y como músico. Esta forma de subir a los altares es muy típica de España. Sólo he leído un estupendo artículo, firmado por Diego Manrique, que no caía en estos tópicos. Antonio Vega fue un buen músico y compositor pero no un genio; basta con escuchar su obra en solitario – editada con motivo de su triste muerte – para apreciar que en cada disco hay dos o tres buenas canciones, las demás son de relleno urgente para poder editar el correspondiente disco. De sus canciones queda para la historia un icono de la movida, La chica de ayer. El tema apareció en el primer álbum de Nacha Pop en 1980. Considerada por algunos como la mejor canción pop española de todos los tiempos, yo no lo creo, se convirtió en un himno representativo de aquella época. Lo que empezó como un movimiento contracultural –Movida- acabó absorbido por la industria comercial que devoró a muchos de aquellos artistas. Para mí la movida empezó a morir el día que Tierno Galván dijo aquello de: rockeros, el que no esté colocado, que se coloque… y al loro!, es decir, cuando el poder se acercó al movimiento e intentó apropiárselo.
La chica de ayer es una de las canciones más representativa de aquel movimiento y de uno de los grupos que ha quedado en la historia de la música española. Su autor, Antonio Vega, un buen compositor marcado por sus circunstancias personales que nos dejó un puñado de buenas canciones. Como otras tantas veces, el lado más oscuro y triste de la muerte son los intentos de algunos por hacer negocios a costa del muerto. El dinero no se para ante nada.

Move – Jess & James
Tema estrella en todas las discotecas al final de la década de los sesenta. Dos hermanos de origen belga-portugués, Tony y Waldo Lam formaron este dúo con el acompañamiento musical de J. J. Band. Con una música arrebatadora, mezclaron pop, soul y psicodelia, lograron varios éxitos con temas pegadizos entre los que sobresalió el recordado Move.
La canción, con un tremendo ritmo machacón, es de aquellas que te invita a salir y bailar sin más. Es muy sencilla pero con un gran poder de atracción lo que la convirtió en una especie de himno discotequero; es un tema que la mayoría de grupos de la época que luchaban por abrirse camino incorporaron a su repertorio. Su interpretación era una invitación segura a participar de la fiesta y lograr caldear el ambiente.
Cuando los ecos de sus canciones se apagaron, los dos hermanos recibieron una llamada del líder de Los Canarios, Teddy Bautista, para unirse al grupo. Tony y Waldo estuvieron con la banda un cierto tiempo hasta que se marcharon a Holanda. Allí formaron un nuevo grupo, Sail – Joia. Con una música distinta a la de Jess & James, los dos hermanos nunca volvieron a tener un éxito como Move. Un tema que triunfó y nos hizo pasar momentos muy buenos.
En una edición reciente de un CD recopilatorio de canciones discotequeras de varias décadas aparece Move como la mejor de 1968. El hecho de volver a escucharla hace que uno vuelva a tener ganas de bailar.

Sufre mamón – Hombres G
Desde que nacieron, mi hija Paula y mi hijo Alejandro crecieron siempre con música en casa. Paula no se podía dormir si apagábamos la música, protestaba y había que volver a ponerla para que se durmiese; Gloria, el clásico de Van Morrison en la versión de The Doors es la primera canción que escuché tatarear a Alejandro. Por estas poderosas razones, cuando fueron creciendo, respeté sus gustos y les fui comprando su música y aparecieron Hombres G.
Paula estaba en la EGB, cuando el grupo se apoderó de las adolescentes del país. A mí me tocó comprar, escuchar, aprender y cantar sus canciones con ella. Sufre mamón fue el tema estrella de aquel aprendizaje. Compré casi todos sus discos, mi hija los conserva y de tanto en tanto los pone. Aquel grupo forma parte de su vida y de la mía pues representa un acercamiento entre ambos a través de la música.
Siempre he creído que una de las formas de conocer a los hijos y a sus amigos es acercarte y saber de sus gustos musicales. Nunca he sido partidario de criticar con vehemencia sus preferencias musicales por muy distintas que sean de los mías. Ellos me han enseñado algo muy importante: que pueden enseñarte mucho. La música es un vehículo que utilicé para estar, conocer y aprender con ellos. Sufre mamón representa una etapa de mi vida en la que no elegía yo la música. Era la música elegida por mi hija la que me enseñaba que para aprender siempre hay tiempo y que los gustos musicales son ilimitados.

Love Minus Zero/No Limit - Bob Dylan
Cualquiera que haya visitado capitales europeas habrá podido observar que Barcelona es una de las que cuenta con más artistas callejeros. El metro, Las Ramblas, Plaza de Catalunya, puerto y otros lugares conocidos y turísticos de la ciudad condal acogen a: cantantes, grupos de música de todo tipo, mimos, payasos, equilibristas, futbolistas, etc. Artistas callejeros en busca de fortuna o sólo unas monedas para subsistir. A veces encuentra uno a alguien que te llama la atención por alguna causa y eso es lo que me sucedió hace bastante tiempo y aún perdura.
En el paseo situado detrás del Palau del Mar, sede del Museo de Historia de Catalunya y que da al puerto, se suelen situar varios artistas callejeros; hace bastante tiempo me llamó la atención un chico con su guitarra y armónica. Es el mejor imitador de Bob Dylan que he escuchado jamás. Todo su repertorio es de Dylan e interpretado como en sus inicios, sin acompañamiento eléctrico. Siempre que paseo por allí me paro, lo escucho y a veces hablamos de su vida y del significado, importancia e influencias en nuestras vidas de Dylan.
Love Minus Zero/No Limit es un tema que apareció en el álbum Bringing It All Back Home) en 1965. En 1978, Dylan lo grabó en directo en Japón en un doble disco Bob Dylan At Budokan con nuevos arreglos que le dieron otro aire. A este artista callejero se lo escuché interpretar como a Dylan en sus inicios y fue algo fantástico. Pocos músicos callejeros he visto con tanta capacidad para conectar con la gente. Él sólo, con su guitarra y su armónica, es capaz de hacer que a su alrededor se concentren muchos paseantes y disfruten de versiones muy buenas de las canciones de Dylan; entre ellas la extraordinaria Love Minus Zero/No Limit.

Street Life – Roxy Music
Una característica del cine social británico es la utilización como banda sonora de canciones de la época en que se desarrollan las películas. Es normal escuchar a los grandes artistas de los sesenta, setenta y ochenta en las películas situadas en esas décadas. Creo que esta utilización hace más real aquello que los directores quieren contar; hace que los espectadores se sientan más identificados con lo que ven.
Soy un gran aficionado a este tipo de cine y procuro ver todo lo nuevo que se proyecta. Días pasados acudí al estreno de Cinco minutos de gloria, una película de Oliver Hirschbiegel con guión de Guy Hibbert. El histórico conflicto en Irlanda del Norte y el intento posterior de reconciliación entre verdugo y victima es el eje central de la película. En una de sus escenas, situada en una discoteca del pueblo donde se desarrolla la trama, suena una música inconfundible. En pleno apogeo del Glam rock, Roxy Music era un grupo importante y sonaba en todas partes.
Street Life es un tema de la segunda etapa del grupo. Después de la marcha de Brian Eno, uno de sus fundadores, Roxy Music quedó bajo el liderazgo del otro fundador, Bryan Ferry. El sonido del grupo se volvió más comercial y perdió parte de la experimentación de sus primeros años. Los gustos de Bryan Ferry se impusieron y las baladas y las canciones bailables empezaron a proliferar en sus discos. Street Life es un tema que recuerda aquella época y que gracias a una buena película he vuelto a escuchar.

Canciones de nuestras vidas (XXIII)

2010-07-15T00:43:00.000-07:00

Hilo de seda - Los Pekenikes
Mariano Martínez, fundador del grupo ceutí Bemol Group, me regaló un doble CD donde están recogidas sus canciones. Temas propios y versiones de canciones de artistas admirados por él. En un CD hay una canción de Los Pekenikes y al escucharla me acordé de mi primer disco del grupo madrileño. Compré el disco en Comercial Africana y junto a varios amigos fuimos a escucharlo a casa de Amadeo, su padre tenía un tocadiscos muy bueno y nos permitió aquella pequeña reunión musical. Las opiniones después de la escucha fueron muy variadas; un grupo instrumental no era lo más normal y costaba sentirte identificado con su música. Mi insistencia en la calidad de aquellos músicos ganó la batalla –eso creo- y Los Pekenikes pasaron la prueba gracias a Hilo de seda, canción que inició una serie de éxitos que dieron al grupo un estilo propio. Los Pekenikes y Los Relámpagos son los dos grupos instrumentales más importantes de la historia del rock en España.
El grupo se formó en 1960 y después de intentar tener un cantante estable tras el abandono de Juan Pardo decidieron transformarse en una banda instrumental y ¡acertaron! Después de Hilo de seda vinieron otros éxitos inolvidables: Frente a palacio; Lady Pepa, Cerca de las estrellas, Troncos huecos, Arena caliente y otras composiciones que han quedado para la historia como la extraordinaria Los cuatro muleros.
Hilo de seda fue el inicio serio de una relación musical que dura hoy día. La música de Pekenikes es ideal para acompañar de fondo. Muchas veces la poníamos en los guateques para dar tregua a las chicas ante el acoso disimulado de algunos desesperados. La música de Pekenikes solía calmar el ambiente.
Después de muchos años dedicados a sus respectivos trabajos, los miembros se reunieron en 1996 para grabar un CD. Este trabajo contiene 11 temas en la mejor línea instrumental del grupo y además cuenta con una grata sorpresa; hay un tema vocal cantado por el que fue vocalista de Canarios. Teddy Bautista canta un tema de Ray Charles acompañado por Los Pekenikes que emociona.

Madison en la Costa del Sol – The Rocking Boys
Es la primera canción que recuerdo haber bailado en un sitio publico. Uno de los mejores recuerdos que conservo en mi memoria es la Feria de Hadú. Aquella maravillosa Feria que se celebraba en mi barrio y que competía con la oficial de la ciudad, quizá una de las causas principales de su desaparición.
En la explanada entre el cuartel de la Guardia Civil, el campo de fútbol, el Asilo y el mercado o zoco como le decíamos entonces, se celebraba el evento veraniego que movilizaba a todo el barrio. Aunque la feria empezó años antes, su esplendor fue en la década de los cincuenta. Creo que aquellos festejos marcaron un hito en la historia del barrio y en la propia ciudad.
Recuerdo momentos especiales y detalles con nitidez. La Tómbola El Cubo, ubicada en un lateral del cuartel, era todo un símbolo de aquella feria; desde mi casa se escuchaban los anuncios de premios y las llamadas a la participación. El recordado bar California se engalanaba para aquellos inolvidables días con el tío de mi amigo Vivo en la acera haciendo unos extraordinarios pinchitos en su anafe. La emoción y ganas de participar en nuestra feria se apoderaban de todo el barrio.
En el campo de fútbol se celebraban diversas actividades, boxeo, cante flamenco, bailes y cine. En el cespe se instalaba una pantalla y visionábamos películas, especialmente las de Oliver Hardí y Stan Laurel “el gordo y el flaco”. Allí fue donde escuché por primera vez Madison en la Costa del Sol. Una canción sencilla pero que hizo que moviera el cuerpo, fue en 1962, era un crio. El grupo era muy conocido en Ceuta donde actuaba constantemente. Sus canciones, ritmos de la época te enganchaban rápidamente y su Madison en la Costa del Sol es la puerta que me hace recordar una feria que nunca debió desaparecer. A pesar de todas las explicaciones que en su momento se dieron, creo que la competencia con la oficial era muy fuerte y eso la mató.

Rock’n roll – (Tom Stoppard) Alex Rigola
“Hasta los 25 años se es revolucionario; hasta los 50 moderado y hasta el final, conservador”. Este dicho político siempre he pensado que es mentira. El pensamiento político de cada persona puede moderarse o radicalizarse a medida que los años pasan y aprendes de la vida pero si está construido con buenos cimientos, será siempre el mismo con pequeños cambios. Creo que las ideologías las estropeamos en el momento de ponerlas en practica. Creo que el anarquismo tiene mucha razón cuando dice que el poder corrompe.
Rock’n roll es una obra de teatral en la que, utilizando la música como hilo conductor, se repasa el fracaso histórico del comunismo. Dos ciudades, Praga y Cambridge y dos protagonistas, defensores de socialismo proletario, nos llevan por los caminos que van desde La Primavera de Praga hasta 1990. Años en los que desde ciudades distintas y situaciones políticas muy diferentes, los dos protagonistas defienden el mismo ideario. La obra es un ejercicio de amistad por encima de todo. Años de disputas y enfrentamientos para constatar al final el fracaso de sus vidas.
La música es utilizada como elemento subversivo. El rock como otras actividades, estaba prohibido al representar al capitalismo y era considerado un símbolo burgués. Las canciones han sido seleccionadas con muy buen criterio y son representativas de distintos años y acontecimientos. El rock, utilizado como metáfora de la libertad. Es uno de los grandes logros de la música; derribar barreras y unir fronteras.
Sólo creo que falla en una cosa. El autor utiliza el comunismo para hacer ver el fracaso de las grandes ideologías como sistemas políticos y creo que los que fallamos estrepitosamente somos las personas pero, siempre nos queda; el ROCK.

Ciudad podrida - La Banda Trapera del Río
El pasado 8 de abril murió Malcolm Mclaren. Se hizo famoso por ser el impulsor del llamado movimiento punk en su versión más comercial; música, tiendas de complementos y todo un mundo estético que lo hizo millonario. La muerte de Malcolm me ha hecho recordar a un grupo pionero del punk hispano aunque ellos no se consideraron dentro del movimiento: La Banda Trapera del Río.
El grupo nació en 1976 en el barrio de La Satélite de Cornellá de Llobregat (Barcelona). Un barrio obrero que influyó en el estilo de la banda y en sus composiciones. Canciones provocativas con las que llamar la atención sobre asuntos delicados. Más cerca del rock duro que del punk, el grupo adquirió fama con rapidez por su estilo provocador y sus conciertos eran como mítines con música.
Las distintas actitudes de los componentes de la banda ante los problemas sociales influyeron en las relaciones personales y el grupo se separó pronto (1982). Han vuelto a unirse varias veces pero de aquella primera etapa trapera hay una canción que define al grupo: Ciudad podrida. Un tema que forma parte de la historia musical urbana del llamado cinturón barcelonés. Un cinturón industrial machacado por el paro y el urbanismo salvaje que tuvo en la Banda Trapera del Río a su máximo exponente musical.
Cuando escribo estas líneas me llega la noticia de la muerte de Juan Pulido, batería de la banda. Sirva esta mención como un pequeño homenaje a su persona.

La última noche – Miguel Vargas Jiménez “Bambino”
GRIFOTAS. Con este nombre se ha presentado recientemente en Barcelona una nueva asociación para reivindicar el cultivo y consumo del kif o kifi como le llamábamos en Ceuta. En árabe significa bienestar y es muy fácil deducir el por qué.
Grifotas me ha hecho recordar a unos personajes que formaban parte del barrio de Hadú; eran conocidos por todos y jamás causaron problemas, les llamábamos: los grifotas. El legionario, Hamido el fumeta, Ben Barek, el rata y otros más, formaban un grupo que a diario se reunía en la parte trasera del campo de fútbol Alfonso Murube para fumarse sus canutos con toda tranquilidad sin molestar a nadie y cantar sus canciones: El Sultán del Imperio Marroquí, El barco de arroz, una personalísima versión del Emigrante de Juanito Valderrama, etc. Aquellos personajes eran conocidos y con varios de ellos teníamos amistad los chavales del barrio. Ellos en su mundo y nosotros en el nuestro sin interferencias, con total respeto a la forma de ser y vivir de cada uno. Entre ellos había uno apodado “el rata”. Éste personaje era un fanático de Bambino a quién imitaba muy bien. Sólo había que picarlo un poco y animarlo para que se lanzara a cantar algunas de las canciones que Bambino popularizó con su peculiar estilo. La versión del cantaor sevillano La última noche la bordaba. Aquella canción en su voz transmitía sentimientos ocultos por algo sucedido en su vida y dejaba salir alguna que otra lagrima. Grifotas era algo cotidiano en nuestras vidas y formaba parte del entramado social de nuestro barrio. La última noche de Bambino me ha hecho recordar a aquellos grifotas y el rata ha vuelto a mi memoria sin esfuerzo alguno.

Canciones de nuestras vidas (XXII)

2010-06-28T01:28:00.000-07:00

Cadillac Solitario - Loquillo
Un artista no valorado lo suficientemente; para mí es el mejor rocker que ha surgido en España en las tres últimas décadas. Estos días está de gira con el titulo “Gira Treinta Aniversario – Loquillo, Rock and Roll Star – 30 años, 1980-2010”. Una buena oportunidad para vibrar y conocer a un personaje comprometido con su entorno.
En sus treinta años de carrera, Loquillo ha tenido de todo: éxitos, fracasos, incomprensión, ostracismo y un exilio de su tierra por sus posiciones políticas. Tras una imagen que puede llevar a la confusión se esconde un artista muy sensibilizado con la vida. Loquillo no es el típico rocker centrado únicamente en su música, es un artista comprometido a través de ella con la sociedad lo que le ha ocasionado serios problemas.
Rock, poemas musicados, incursiones en el cine y su compromiso político nos muestran a un artista con mayúsculas. De toda su extensa discográfica he elegido Cadillac Solitario. Este tema se ha convertido en todo un clásico del rock español. No hay concierto de Loquillo en el que al cantar este tema el público no vibre y lo haga suyo. Es todo un himno representativo de una época y de una forma de vida.
En la década de los 80 la música de Loquillo supuso una entrada de aire fresco en un momento de desconcierto. La irrupción en el panorama musical español de un verdadero rockero tuvo sus dificultades. Su calidad y la sinceridad de sus propuestas se fueron abriendo camino y para demostrarlo y apreciarlo están estos conciertos de aniversario.

It's Not Inusual - Tom Jones
Con el Tigre de Gales sucede algo muy parecido a lo que pasa en España con Rafhael. Tanto sus partidarios como sus detractores, todos, le reconocen su gran calidad y profesionalidad. Sus más de 50 años de carrera, plagada de éxitos así lo demuestran. Es uno de los grandes crooners de la historia de la música.
It's Not Inusual ¿quién no la ha bailado o tatareado alguna vez? Este estupendo tema forma parte de historias de varias generaciones. Volver a escuchar la canción en la voz poderosa de Tom Jones te transporta a recordados guateques e inolvidables tardes de discoteca. Hoy día sigue siendo un tema estrella en sesiones musicales de radio y un atractivo gancho para ayudar a moverte.
Su inconfundible y potencial voz le hace inconfundible y muy difícil de imitar. Sus canciones más conocidas han sido versionadas por otros pero siempre desde otra opción musical pues imitarlo ha sido dificultoso. En un recopilatorio de Los Bravos hay una estupenda versión de It's Not Inusual. La voz de su cantante Mike Kennedy tiene cierto parecido a la del galés pero el tratamiento dado al tema por el grupo le dio un aire más rockero. Es una de las pocas versiones realizadas que logra cierta originalidad.
Las canciones de Tom Jones han tenido siempre mucha aceptación en el mundo femenino. La propia vida del cantante ha estado llena de rocambolescos amoríos. Sus canciones, forma de interpretar y su atractivo físico lo han convertido en un icono en ciertos ambientes muy dados a líos. Nosotros nos quedamos sólo con su música y su inolvidable It's Not Inusual.

Moliendo café - Hugo Blanco
Una de las “locuras juveniles” relacionada con la música que más recuerdo es la realizada junto a un grupo de amigos del barrio de Hadú. Deseosos de ser o aparentar lo que aún no éramos y después de tomarnos alguna copa de más para darnos valor, tomamos una decisión normal para nosotros (eso creíamos) y nos lanzamos a la aventura.
Decidimos intentar averiguar que conocidos visitaban el conocido cabaret Constantinopla de la Cuesta de Parisiana y para ello nada mejor que entrar. Después de mucho pensar e idear como, se nos ocurrió algo que podía dar resultado pero que a la hora de la verdad demostró nuestras carencias mentales.
Decidimos vestirnos con corbatas para aparentar más edad. Un asunto importante era como resolver el pedir las consumiciones e ideamos un método fácil para nosotros pero imposible de pasar desapercibido. Manolo Crespo cogió de su casa una botella de Güisqui para introducirla en el local y consumirla. Entramos sin problemas ante las miradas incrédulas de todos los que allí estaban. Después de acomodarnos, pedimos dos o tres consumiciones para intentar disimular a la hora de poner la botella encima de la mesa. Los músicos tocaban Moliendo café y la mayoría bailaba sin percatarse de nada, excepto los camareros y la dueña, creo recordar que la conocíamos por “la turca”. Mientras se canturreaba:
Una pena de amor,
una tristeza,
lleva el zambo Manuel
en su amargura,
pasa incansable la noche
moliendo café.
Uno de los camareros nos invitó a pagar y dejar el local. Ante nuestras negativas, amenazó con llamar a la policía (cosa que ya había hecho). Moliendo café seguía sonando pero con más fuerza para acallar nuestras protestas. Con los consejos de uno de los músicos que conocíamos del barrio, decidimos marcharnos pero sin pagar y entonces entró en acción la policía. Eran tres o cuatro y al verlos, mi amigo Crespo me tiró muy fuerte del brazo para llamar mi atención. Uno de los policías era alguien muy cercano a mi novia y yo me dije: ¡tierra trágame! No supe donde meterme y tuvo sus consecuencias. Quedé como un golfo juerguista y demás. Siempre que escucho ésta maravillosa Moliendo café recuerdo aquella locura y aquellos lugares: Parisiana, Constantinopla, la turca, los amigos, Ceuta, pero, me callo a quienes vimos allí.

Summertime Blues – Blue Cheer
Este histórico tema de Eddie Cochran ha sido versionado por grandes del rock como: The Who, Humble Pie, Beach Boys o Marc Bolan pero la realizada por el trío Blue Cheeer es quizá la mejor de la historia. Escuchar Summertime Blues por la banda de San Francisco es sentir nuevas emociones con una vieja canción. Lo que Blue Cheer hizo con el tema fue considerado por algunos críticos como un sacrilegio musical; según ellos, destrozaron la canción con su atrevimiento. El tratamiento dado a Summertime Blues la convirtió en una canción nueva y demostró lo que se puede hacer con imaginación.
Blue Cheer fue un grupo pionero de lo que se conocería como stoner rock y del heavy metal. Desde su nacimiento al final de los 60´s, la banda llamó poderosamente por su sonido potente y por su descaro a la hora de hacer música. Su versión de Summertime Blues los lanzó a la fama. Después hicieron excelentes discos con cambios en la banda pero siempre fieles a su estilo.
En 2007 el grupo grabó What doesn’t Kill you, uno de los mejores discos de heavy metal del año. Una mezcla de fuerza y sonido sicodélico que mantiene viva la leyenda de una extraordinaria banda de rock: Blue Cheer.

Bésame mucho – The Beatles
Recientemente he vuelto a ver La fiesta del chivo del peruano Luis Llosa. Una película de 2006 sobre la dictadura en la Republica Dominicana. La banda sonora está llena de históricas canciones y una de ellas me tSummertime Blues – Blue Cheer
Este histórico tema de Eddie Cochran ha sido versionado por grandes del rock como: The Who, Humble Pie, Beach Boys o Marc Bolan pero la realizada por el trío Blue Cheeer es quizá la mejor de la historia. Escuchar Summertime Blues por la banda de San Francisco es sentir nuevas emociones con una vieja canción. Lo que Blue Cheer hizo con el tema fue considerado por algunos críticos como un sacrilegio musical; según ellos, destrozaron la canción con su atrevimiento. El tratamiento dado a Summertime Blues la convirtió en una canción nueva y demostró lo que se puede hacer con imaginación.
Blue Cheer fue un grupo pionero de lo que se conocería como stoner rock y del heavy metal. Desde su nacimiento al final de los 60´s, la banda llamó poderosamente por su sonido potente y por su descaro a la hora de hacer música. Su versión de Summertime Blues los lanzó a la fama. Después hicieron excelentes discos con cambios en la banda pero siempre fieles a su estilo.
En 2007 el grupo grabó What doesn’t Kill you, uno de los mejores discos de heavy metal del año. Una mezcla de fuerza y sonido sicodélico que mantiene viva la leyenda de una extraordinaria banda de rock: Blue Cheer.
rasladó inmediatamente de época.
Está considerada como la canción en lengua española que más veces ha sido grabada y cantada, es Bésame mucho de la mexicana Consuelo Velásquez. Popularizada mundialmente por Lucho Gatica, en España se convirtió en todo un clásico en la voz susurrante de Sara Montiel. Ha sido utilizada en múltiples películas, obras de teatro y grabada por artistas de todas las nacionalidades y estilos. Hasta The Beatles tienen su original versión.
Allá por los setenta compré en un mercadillo deTarragona dos cintas de casete de Beatles con el titulo “The Beatles Live! at the Star club in Hamburg, Germany; 1962” editadas en Alemanía. Una verdadera joya por su contenido. Con el paso del tiempo y por la demanda, estas grabaciones se han regularizado en otros formatos. Uno de los casetes contiene la versión de Bésame mucho que Beatles solían tocar en sus inicios. La cantaron en las pruebas que hicieron para Decca en 1962 y también para EMI meses más tarde. En el álbum recopilatorio Anthology1 de 1995 hay otra versión del tema.
La primera vez que escuché Bésame mucho por The Beatles resultó algo raro pero cuando lo repetí varias veces comprendí la intención y los deseos del grupo de Liverpool: realizar una versión lejos del dramatismo y convertirla en algo para animar al personal a desinhibirse en aquellos antros musicales en los que tocaban mucho antes de ser THE BEATLES

Canciones de nuestras vidas (XX)

2010-05-28T23:35:00.000-07:00

San Carlos Club - Los Sirex
El sábado 2 de julio de 1966, en el recinto de la Unión África Ceutí del Ángulo se celebró el “Gran Festival de la Escoba” con la participación de la Orquesta Ceutí, el conjunto Los Dingos y la presentación en Ceuta de uno de los grupos más importantes en la historia del rock hispano: Los Sirex. Una actuación, un día y un año que quedaron grabadas en mi memoria por la tremenda decepción al no poder asistir. Muchos años después, en 2005, asistí a su concierto en las Murallas Reales. Entre en estas dos fechas he visto muchas actuaciones del grupo catalán. Desde aquel lejano 1966 y tras mi marcha a Barcelona, he tenido la oportunidad de presenciar sus actuaciones y tomar alguna que otra copa con los músicos.
En la calle Mayor de Gracia de Barcelona estaba el San Carlos Club, un local donde los jóvenes de la época asistían para ver actuar a Los Sirex. El grupo como homenaje a sus fans y al club, adaptó el famoso tema de Chuck Berry “Route 66”y con una letra totalmente nueva, editaron su primer gran éxito San Carlos Club. Un tema que se convirtió en un himno generacional y que hoy día es recordado en todas sus actuaciones.
Los Sirex y Los Mustang eran dos grupos que representaban el lado más dulce del rock. Impecables en sus vestimentas y con sus sincronizados movimientos, Los Sirex estaban alejados de grupos como Salvajes, Cheyennes y otras bandas barcelonesas que optaron por el lado más rebelde. Fueron los teloneros en Barcelona de The Beatles hecho que les dio mucha popularidad. Su particular “Route 66” o San Carlos Club fue su principal carta de presentación a pesar de “La escoba”.

Like a Rolling Stone –Bob Dylan
I'm Not There es una reciente película del director Todd Haynes que narra parte de la vida de Bob Dylan. A través de una serie de historias el autor cuenta varias etapas destacadas de la carrera del genial cantante. No es una gran película ni documental pero si podemos apreciar la importancia de sus canciones y su implicación en determinados movimientos desde la década de los sesenta.
Después de ver el film la primera reflexión que hice fue ver como con los años la mayoría de personas modificamos muchas posiciones. Unas las cambian totalmente por muchos motivos y otras las siguen manteniendo pero desde otra postura distinta. En el caso de Dylan es difícil de digerir su tremendo cambio por lo que significó para varias generaciones. Desde sus inicios fue un cantante dado a los cambios bruscos; ya en los primeros años sesenta sufrió abucheos y boicot por electrificar su música, algo que no gustó nada al sector más purista del folk. Pasados los años sufrió incomprensión por su conversión al catolicismo.
Una personalidad muy acusada, solitaria y ajena a la mayoría de cosas que le rodean han convertido a Dylan en un icono del pasado. Yo me quedo con su tremendo legado musical. Legado que forma parte importante de la historia de la música de los últimos 50 años y para demostrarlo está su impagable Like a Rolling Stone.
Considerada por la mayoría de los críticos como una de las cinco mejores canciones de todos los tiempos, el tema de seis minutos es una patada a la mente como la definió Bruce Springsteen. Like a Rolling Stone es una joya sonora de nuestras vidas que el paso de los años ha convertido en un gran clásico y en una de las canciones más influyentes.

Sweet Home Alabama - Lynyrd Skynyrd
El grupo más emblemático del llamado rock sureño. Una característica de la banda eran sus tres guitarras principales; esta opción dotó a la banda de un sonido espectacular y propio. Sus canciones se convirtieron en himnos a pesar de sus controvertidas letras.
Sweet Home Alabama fue la respuesta que Lynyrd Skynyrd dio a Neil Young por sus temas Southern y Alabama; dos canciones que hablan de la esclavitud y del racismo. El tema del grupo sureño fue su declaración de amor a una tierra que lucho mucho tiempo para evitar cambiar las leyes a favor de la igualdad racial. Lynyrd Skynyrd se convirtió en el grupo abanderado de unos principios caducos pero que una gran mayoría del sur de Estados Unidos no quería cambiar.
La banda sufrió desde sus inicios constantes desgracias. Varios cambios de nombres hasta dar con el definitivo. En 1977, Ronnie Van Zant, el guitarrista, Steve Gaines, su hermana, corista y también guitarra de la banda Cassie Gaines y el manager Dan Kilpatrick murieron en un accidente de aviación. Tras este hecho el grupo se separó hasta su reaparición en 1984. Años más tarde murió el bajista Leon Wilkeson y después de una nueva incorporación el estilo de la banda evolucionó hacia el hard rock.
Sweet Home Alabama se convirtió y hoy día sigue siéndolo, en un himno que representa e identifica a muchos sureños (EE.UU). Existen muchas versiones del tema. Aquí en España, un grupo gallego realizó una estupenda llamada Miño terra galega. Toda una declaración de amor a la morriña.

Los Glosters - Fundador
Muchas canciones han vuelto a la actualidad gracias a la publicidad. Es normal escuchar un tema y que alguien se extrañé cuando le comentas los años que tiene. La música ha sido y es utilizada como gancho por los publicistas para atraer la atención de potenciales compradores. Es un potente reclamo especialmente para los jóvenes.
Una de las mayores y con más éxito de estas campañas de publicidad fue la utilizada por la casa Pedro Domecq en los años 60-70. Se llamaba “Discos Sorpresa”. Consistía en canjear varios precintos del coñac Fundador por discos de artistas de reconocido prestigio. EPs de cantantes como: Miguel Ríos, Alberto Cortez, Nino Bravo, Karina, Módulos, Porrina de Badajoz, Los Mismos, Víctor Manuel, Los Mitos, etc. Una extensa lista de interpretes componían el catalogo de la casa Domecq en aquella inolvidable y exitosa campaña. Entre mis discos aún conservo algunos de aquellos EPs que hicieron que el coñac se vendiera como el agua. Aquella campaña marcó un hito en la historia de la publicidad.
Un grupo de Tarragona llamado Los Glosters formado en 1997 y especializado el la música de los sesenta ha grabado un tema llamado Fundador. La canción es un homenaje a aquel fenómeno publicitario. El proyecto musical de Los Glosters es dar nueva vida a lo mejor del pop de aquella década. Canciones de: Brincos, Huracanes, Los Gritos, Small Faces, Georgie Fame o The Roulettes y otros, recreadas con nuevos sonidos son la base de su estupendo repertorio y como tema estrella su Fundador.

The letter- The Box Tops- Alex Chilton
El paso de los años y los excesos realizados en la juventud son en la mayoría de los casos las causas de las muertes de los grandes músicos de rock. La última victima ha sido Alex Chilton. Uno de los grandes del power-pop y recordado por su primer gran grupo con éxito incluido: The Box Tops y su The letter, un tema pegadizo que consiguió gran popularidad y lanzó a la banda al éxito.
Alex Chilton fue considerado siempre como un músico minoritario e independiente que siempre dejo patente su calidad en grupos como Box Tops y especialmente en Big Star; una banda de power –pop que mezclaba sus potentes guitarras con incursiones psicodélicas. The letter se hizo muy popular por su letra: una carta de la amada a un soldado en Vietnam diciéndole que no puede vivir sin él. El amor tratado con la crudeza de la guerra por medio la convirtió en una especie de himno amoroso. Es un tema que ha tenido muchas versiones en distintas etapas; sin duda alguna, la de Joe Cocker es la más lograda.
Como homenaje a un excelente y pionero músico no está de más volver a escuchar este estupendo tema: The letter.
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Canciones de nuestras vidas (XIX)

2010-05-14T09:31:00.000-07:00

Bus stop – The Hollies
Este maravilloso tema es mi particular homenaje a un gran profesional: Juan de Pablos. Más de cuarenta años difundiendo música a través de la radio. Es una de las personas que más ha hecho por su difusión; su actual programa en Radio 3 Flor de pasión es una escuela de aprendizaje continúo y uno de los de obligada escucha para todos los amantes de la MUSICA. Me consta que Bus stop es una de sus canciones preferidas y no es nada extraño en un especialista. Es una obra maestra de tres minutos; imposible más en tan poco tiempo.
El quinteto de Manchester fue uno de los grupos más exitosos de la invasión musical británica de los sesenta. Sus perfectas armonías vocales hicieron de Hollies una de las bandas mundiales de reconocido prestigio y competencia para las vacas sagradas: Beatles, Rolling, Animals, etc.
Desde sus inicios, The Hollies, influenciados por los norteamericanos Everly Brothers, demostraron su enorme calidad con muy buenas canciones: Just One Look, The Air That I Breathe, Stay, I Needed Someone, y su extraordinaria Bus stop. Un tema corto, apenas tres minutos pero que encierra todo lo que una canción de pop requiere. Graham Nash Y Allan Clarke, los dos cerebros del grupo, consiguieron situarlo entre los grandes de la época. Su compenetración dio los frutos deseados hasta su marcha. Después no fue lo mismo pero para la historia y para el gran Juan de Pablo dejaron: Bus st0op.

It´s A Man´s Man´s Man´s World – James Brown
De un viaje por China, un amigo me trajo una caja con seis CD´s made in Hong Kong con el titulo “THE FAB 60´s”. Un estuche con grabaciones conocidas de famosos solistas y grupos. Lo interesante de las grabaciones es que son piratas, temas grabados en conciertos y con versiones distintas a las originales.
De todas las canciones que contiene el estuche me entusiasmó It´s A Man´s Man´s Man´s World de James Brown; un tema archifamoso pero en una versión que jamás había escuchado. El llamado padrino del Soul realiza una interpretación extraordinaria, nada que ver con la grabada en estudio. Una It´s A Man´s Man´s Man´s World salvaje que nos muestra al verdadero James en todo su apogeo.
El estilo personalísimo de Brown lo convirtió en una fuente donde bebieron la mayoría de artistas del Soul y Funk. Recordado por su tremendo Sex Machine, pieza estrella en cualquier discoteca, lo cierto es que su contribución a la historia de la música es muy amplia y de enorme calidad. Es imposible entender la música negra sin señalar a James Brown como uno de los padres de ella.
Su It´s A Man´s Man´s Man´s World era uno de los temas preferidos de todos para poner en los guateques de la época. Un tema sensacional que te ponía las pilas, en todos los sentidos.

Los Miserables – Pedro Ruy Blas
Están de moda los musicales. A mí es un género que nunca me ha gustado y sigue sin gustarme. Los encuentros muy visuales pero fríos. No sólo hace falta cantar e interpretar bien, además hay que transmitir y casi ninguno lo consigue. Los intérpretes suelen ser en la mayoría de casos, cantantes sin capacidad de hacerte partícipe.
Como en todas las cosas, siempre hay excepciones. De todos los musicales que he visto sólo tengo dos en mi memoria que valieron la pena asistir: Hair, una extraordinaria pieza teatral y musical que si dejó huellas en mí y Los Miserables. La conocida obra de Víctor Hugo convertida en musical de la mano de Ken Caswell y David White e interpretada por Pedro Ruy Blas en el papel de Jean Valjean.
Los Miserables es de aquellas que siempre acabo recordando por diversos motivos. Su calidad me dejó muy satisfecho a pesar de ser un género que no me gusta. La calidad de los actores, el acierto en lo musical y la puesta en escena son extraordinarios. Por algún motivo, Pedro Ruy Blas fue elegido el mejor intérprete en lengua no inglesa. Su capacidad para atraparte y hacer que te sientas involucrado dice mucho del cantante. Personalmente la suelo recomendar a todos aquellos que no han leído la inmortal obra de Víctor Hugo.

Los Managers – Pata Negra
Siempre he negado y sigo haciéndolo, que los hermanos Amador hayan sido los pioneros en mezclar rock y flamenco; la fusión entre los dos géneros musicales fue obra de otro grupo sevillano anterior a ellos: Smash. Al margen de estas consideraciones personales, los hermanos Amador y el gran Kiko Veneno fueron precursores de algo distinto e innovador en la música española.
En una de las últimas ferias de discos de coleccionistas compré un single de Pata Negra con Los Managers de Kiko Veneno en la cara A. Esta compra hizo que recordara a dos grandes pero desconocidas formaciones para la mayoría: Veneno y Pata Negra. Dos grupos que intentaron innovar el panorama español pero que sólo el paso del tiempo ha hecho ver su aportación real.
Hace años, década de los setenta, convencí a un amigo amante del llamado rock andaluz para asistir a un concierto en la Sala Villarroel de Barcelona. El grupo que iba a actuar era minoritario pero con grandes expectativas y con fama de conflictivo e informal: Veneno. Una banda formada por los hermanos Amador y Kiko Veneno. Como era previsible aquello fue un caos absoluto. Sólo tocaron la primera canción; el estado de los músicos era caótico y se tuvo que suspender ante las protestas de los asistentes. Aquel intento de concierto quedó grabado en mi memoria hasta la creación de Pata Negra, el otro gran grupo de los hermanos Amador.
Pata Negra supuso la definitiva entrada en el rock del flamenco. La aportación de esta banda al posterior desarrollo del estilo fue fundamental para otros músicos que más tarde entraron por la puerta abierta por Pata Negra. El tema Los Managers de Kiko Veneno refleja una parte importante del pasado de estos innovadores músicos a lo que sólo el paso de tiempo empieza a ponerlos en el sitio que merecen.

Dream Gerrard – Traffic
Traffic fue el precursor de lo que más tarde se conoció en el mundo del rock como súper grupos. Formaciones creadas por músicos de reconocido prestigio que se unieron con la idea de crear algo nuevo y distinto. La mayoría de las veces estas bandas no duraron mucho tiempo precisamente por las luchas internas entre los propios músicos. El ego y las distintas opciones musicales dieron al traste con la mayoría de estos proyectos. En Traffic se encontraron Steve Winwood y Jim Capaldi, dos experimentados músicos que ya habían saboreado el éxito en anteriores formaciones. El grupo se completó con Chiris Word y Dave Mason.
La discográfica de Traffic no es muy amplia pero de enorme calidad. Desde su debut en 1967, el grupo siempre editó discos con muy buena acogida entre la critica. En 1974 publicaron un LP titulado "When the Eagle Flies". El disco contiene el tema Dream Gerrard de once minutos y que es hipnótico. Es de aquellas canciones que se quedan grabadas para siempre por su poder de atracción. Dream Gerrard es como el Bolero de Ravel pero en rock. Un fondo musical repetitivo durante los once minutos que te atrapa y acaba por apoderarse de uno. En Traffic se pusieron de manifiesto las poderosas razones musicales de un niño prodigio de la música rock: Steve Winwood. Con apenas quince años se convirtió en el líder de una de las grandes bandas inglesas de la época, Spencer Davis Group cantando y tocando la irrepetible Gimme ' Some Lovin. No resulta nada extraño que Traffic desarrollase aquella música llena de matices sonoros y atractivas canciones. La unión de genios da resultados aunque sea por poco tiempo.

Canciones de nuestras vidas (XVIII)

2010-04-30T07:57:00.000-07:00

Oh, Pretty Woman - Los Buenos
En pleno centro de Hadú, en el portón del edificio ubicado entre Calzados Durán y la farmacia, había un puesto de prensa regentado por una señora mayor con la ayuda de un joven. Allí compraba cada semana puntualmente Disco Express. Una revista musical que innovó e influyó en el panorama musical español. Gracias a sus informaciones se editaron aquí muchos discos y se dieron a conocer muchos artistas. En la línea de las británicas New Musical Express y Melody Maker, Disco Expres fue una extraordinaria aportación al rock hispano; por sus páginas pasaron la mayoría de críticos con influencias reconocidas en nuestra historia musical.
En uno de sus primeros números fue donde encontré la primera información de la creación de uno de los mejores grupos españoles de finales de los sesenta: Los Buenos. Una banda que apostó por el blues-rock, algo inusual en suelo hispano y que a mí me sorprendió desde sus inicios. El grupo formado por cinco jóvenes, entre ellos, Julián Granados después de abandonar a The Brisks, grabó estupendos discos con temas que han quedado en el recuerdo de los aficionados.
Su primer single contenía Canción en la cara A y Oh, Pretty Woman en la cara B. Canción es un tema comercial que les fue impuesto para su lanzamiento y que pasó desapercibido. Oh, Pretty Woman, sin ser lo mejor ni más representativo de su estilo musical se convirtió en su primer éxito. A pesar de la coincidencia en el titulo, nada que ver con la canción de Roy Orbison. El tema tuvo bastante éxito y fue una de las canciones estrellas en las discotecas de la época. Para mí tiene el significado de descubrir algo nuevo en aquel panorama musical español.

Para la Libertad – Joan Manuel Serrat
Serrat acaba de publicar nuevo disco Hijo de la luz y de la sombra. Un trabajo dedicado al poeta Miguel Hernández. Se cumplen 100 años del nacimiento de M. Hernández y Serrat le hace su particular homenaje musicando sus poemas. El nuevo disco de Serrat es como él mismo dice:

una prolongación y un complemento del publicado en 1972. Una maravillosa forma de

homenajearle, de acercarnos al poeta y deleitarnos.
Inevitablemente los recuerdos te llevan hasta 1972, año en que publicó su primer disco dedicado al alicantino; en aquel disco inolvidable había una canción titulada Para la Libertad. Un grito del poeta que Serrat convirtió en un himno de libertad.
Hoy día en que las libertades individuales son recortadas por diversas causas: con la excusa terrorista se recortan derechos; por la inmigración más de lo mismo; por la inseguridad ciudadana también y así un largo etcétera., una canción como Para la Libertad es de actualidad. Es como la poesía intemporal de Hernández.
Artistas como Serrat son imprescindibles en nuestra sociedad. Capaces de conmovernos, recordarnos, y acercarnos a uno de los grandes poetas contemporáneos españoles. Algo que una entupida guerra nos privó durante mucho tiempo. Este nuevo disco de Serrat es una nueva oportunidad para conocer al poeta y de paso recordar uno de los trabajos importantes en la historia de la música española. Por una maravilla como El hambre ya vale la comprar el disco.

Sister Morphine – The Rolling Stones
Diversas causas han coincidido hasta convertir al disco Sticky Fingers en una joya de coleccionistas. A principios de la década de los setenta se publicó este trabajo de Rolling. Un disco que contaba con la participación de un nuevo guitarrista, Mick Taylor en sustitución del desaparecido Brian Jones.
En España, Sticky Fingers se convirtió en una pieza de colección y hoy día es un disco buscado en ferias y tiendas. La censura de la época prohibió la portada original por indecente, después eliminó la canción Sister Morphine por alusiones a las drogas y la sustituyó por Let It Rock. Todo esto convirtió a la edición española del disco en una pieza única y deseada por coleccionistas de todo el mundo.
Yo sin tener ni idea en su momento compré el disco editado en Inglaterra. En Hadú estaba el Bazar Novedades; un comercio regentado por un hebreo que vendía muchas cosas distintas, entre ellas discos que tenia metidos en cajas de cartón El dueño, un señor alto, serio y con poca gracia para vender, debía tener otro negocio o conexiones en Gibraltar pues la mayoría de discos que vendía tenían los créditos de Inglaterra. Solía llenar uno de los dos escaparates del comercio con las carátulas y así obligaba a muchos jóvenes a pararse y mirar. Allí vi y compre la edición inglesa de Sticky Fingers. Una obra que es más buscada por su portada española que por su contenido.
Sister Morphine es un tema compuesto por Marianne Faithfull que había sido publicado en 1969 y volvieron a rescatar para este disco. La versión de Marianne que pasó por el calvario de las drogas es fascinante y a mí me recuerda que tengo una joya por casualidad y por mí pasión a la música.

Cuarenta lobos negros – Antonio Mata
En 1968 nació en Granada el movimiento cultural Manifiesto Canción del Sur. Una corriente que apostó desde el principio por la poesía y la música social. Un movimiento que a semejanza de otros en distintas comunidades, se desarrolló en toda España como forma de lucha contra el franquismo.
Manifiesto Canción del Sur nació del poeta Juan de Loxa que impulsó desde las ondas de Radio Popular de Granada un programa que dio espacios a artistas como: Luis Eduardo Aute, Joaquín Sabina, Antonio Carvajal, José Carlos Rosales, Fanny Rubio y Carlos Cano. La programación se completaba con música de toda España y Latinoamérica. La llamada canción social o protesta tuvo en este espacio una acogida que permitió que en muchos sitios se escucharan artistas vetados por sus canciones.
Aquí nació la canción social con raíces andaluzas. Juan de Loxa, Carlos Cano y Antonio Mata fueron los impulsores del Manifiesto. A pesar de los intentos por lograr hacerse sentir, las primeras grabaciones tardaron años. En 1976 salieron al mercado dos discos imprescindibles para conocer a este movimiento cultural: A duras penas de Carlos Cano y un disco desconocido para la mayoría pero que para mí fue lo mejor de aquel grupo, Entre la lumbre y el frío del jiennense Antonio Mata. Un trabajo que contiene magníficos temas del propio autor entre los que destaca una maravillosa Cuarenta lobos negros:

Yo vengo del silencio,
vengo del miedo y del secano,
traigo los ojos tristes,
las manos limpias
y firme el paso.
He dejado mi casa,
quiero vivir en libertad
con mis hermanos.

Suspiros de España – Antonio Álvarez Alonso
Dos veces he visto la película de David Trueba Soldados de Salamina basada en el libro de Javier Cercas. La maravillosa escena del soldado republicano bailando con su fusil el pasodoble Suspiros de España me cautivó desde el instante en que la vi. El director logró con esta escena visualizar el pasodoble y quitarle otras connotaciones. Suspiros de España ha sido utilizada por la derecha e izquierda pero es un tema de TODOS.
Pieza militar, de baile, sintonía de radio, por los exiliados de la guerra civil, etc., ha valido para todos pero realmente es un tema que pertenece a la historia de la música española. A pesar de los intentos de algunos de apropiársela como símbolo de una España, lo cierto es que Suspiros de España pertenece a la memoria de este país y nadie se la pueda adueñar políticamente. Un ejemplo de su utilización política son las dos versiones existentes. Una misma canción con letra totalmente distinta.
El pasodoble ha tenido múltiples versiones. De las últimas realizadas hay que destacar la hecha por Diego El Cigala y la utilización en las películas El florido pénsil y la citada Soldados de Salamina. Suspiros de España es una parte histórica de nuestro pasado musical

CANCIONES DE NUESTRAS VIDAS XVII)

2010-04-18T08:15:00.000-07:00

Born to Run - Bruce Springsteen
¡Llegó el Jefe – The Boss! Por suerte para mí he tenido la oportunidad de ir a muchos conciertos durante mi vida. He podido ver a grandes figuras nacionales e internacionales y he disfrutado de algo tan maravilloso como es la MUSICA.
En los conciertos busco algo distinto al disco. Sentir la música y que te transmita buenas vibraciones. Comunicación, sentirte vivo y que el interprete-s logre hacerte escuchar algo diferente con las mismas canciones. Presenciar la música en directo me ha enseñado algo: nunca más iré a conciertos de U2 ni a espectáculos tipo Supertramp. U2 está muy bien en disco pero en directo es un autentico aburrimiento. Su cantante, Bono, logra sacarte del concierto con sus interrupciones entre tema y tema. Se supone que uno va al concierto a disfrutar y el señor Bono se empeña en lanzarnos constantemente su supuesto mensaje ecologista con lo que logra que pierdas interés y acabes deseando que se marche. El otro –tipo Supetramp- no aporta nada nuevo. Cuando estás en un concierto y es exactamente lo mismo que si estuvieras en casa con tus auriculares, no hay ninguna diferencia entre el disco y el directo, no merece la pena. Para escuchar lo mismo no me muevo de casa.
Bruce es algo totalmente diferente. Sus conciertos son pura dinamita. Sabes de memoria sus temas pero en vivo son nuevos. Improvisaciones, tiempos distintos y sobretodo el derroche de su enorme energía te contagia. Bruce es sólo música sin escenarios especiales ni ningún añadido extra, él, su banda y sus canciones.
Es conocida la especial relación de Bruce con Barcelona, hay está su tremendo”Live in Barcelona”para demostrarlo; sus conciertos en la ciudad condal son especiales por la conexión existente entre público y artista. Es lo mejor que he visto en los últimos años. He elegido Born to Run por ser quizá uno de sus temas más conocido para la mayoría pero, cualquier otro es igual e incluso mejor. Bruce Springsteen y su E-Street Band lograron darle al rock un nuevo impulso.

Papá cuéntame otra vez - Ismael Serrano
Dentro de lo que se llama canción de autor (no sé el motivo, pues Born to Run - Bruce Springsteen
¡Llegó el Jefe – The Boss! Por suerte para mí he tenido la oportunidad de ir a muchos conciertos durante mi vida. He podido ver a grandes figuras nacionales e internacionales y he disfrutado de algo tan maravilloso como es la MUSICA.
En los conciertos busco algo distinto al disco. Sentir la música y que te transmita buenas vibraciones. Comunicación, sentirte vivo y que el interprete-s logre hacerte escuchar algo diferente con las mismas canciones. Presenciar la música en directo me ha enseñado algo: nunca más iré a conciertos de U2 ni a espectáculos tipo Supertramp. U2 está muy bien en disco pero en directo es un autentico aburrimiento. Su cantante, Bono, logra sacarte del concierto con sus interrupciones entre tema y tema. Se supone que uno va al concierto a disfrutar y el señor Bono se empeña en lanzarnos constantemente su supuesto mensaje ecologista con lo que logra que pierdas interés y acabes deseando que se marche. El otro –tipo Supetramp- no aporta nada nuevo. Cuando estás en un concierto y es exactamente lo mismo que si estuvieras en casa con tus auriculares, no hay ninguna diferencia entre el disco y el directo, no merece la pena. Para escuchar lo mismo no me muevo de casa.
Bruce es algo totalmente diferente. Sus conciertos son pura dinamita. Sabes de memoria sus temas pero en vivo son nuevos. Improvisaciones, tiempos distintos y sobretodo el derroche de su enorme energía te contagia. Bruce es sólo música sin escenarios especiales ni ningún añadido extra, él, su banda y sus canciones.
Es conocida la especial relación de Bruce con Barcelona, hay está su tremendo”Live in Barcelona”para demostrarlo; sus conciertos en la ciudad condal son especiales por la conexión existente entre público y artista. Es lo mejor que he visto en los últimos años. He elegido Born to Run por ser quizá uno de sus temas más conocido para la mayoría pero, cualquier otro es igual e incluso mejor. Bruce Springsteen y su E-Street Band lograron darle al rock un nuevo impulso.
todos los compositores son autores) creo que es lo mejor que ha surgido en España en los últimos quince años. Ismael Serrano, desde la grabación de su primer disco en 1997 demostró la validez de su propuesta musical, propuesta denostada por muchos en esta época.
Aquel primer disco Atrapados en azul, contenía su canción más conocida, Papá cuéntame otra vez. Un tema que es toda una declaración de principios con música. Una canción que para algunos suena a batallitas pero que en realidad contiene un mensaje de protesta y dolor. Es un mensaje cantado a las conciencias; especialmente de aquellos que han olvidado que los conflictos no se resuelven solos.
Toda la carrera de Ismael ha estado y está marcada por su compromiso y preocupación por los grandes problemas que nos azotan: guerras, desigualdades sociales, su relación con América del Sur y otras reivindicaciones sociales. Ismael es un autor que en todos sus discos ha experimentado y evolucionado musicalmente. Ha ido introduciendo en sus grabaciones nuevos sonidos para dar mayor riqueza a sus composiciones.
Asistir a un recital de Ismael Serrano es una gozada por su enorme capacidad de transmitirte sinceridad en forma de música. Tiene una fuerza extraordinaria para hacerte participe de sus letras y darte motivos para pensar. Es un agitador de conciencias; algo que a muchos no les gusta pues es más sencillo dejar las cosas como están que intentar transformarlas.

Susie Q – Dale Hawkins
El pasado 13 de febrero murió Dale Hawkins. Un nombre que a muchos no les dirá nada pero que con una sola canción ha quedado en la historia del rock. Fue el autor de la mítica Susie Q. Pionero del rockabilly, se hizo famoso con este tema que ha sido versionado por grandes de la música como Rolling Stones, Velvet Underground, Bruce Springsteen y Creedence Clearwater Revival que fue el grupo que la volvió a poner de actualidad con su extraordinaria versión.
Susie Q con su tremendo ritmo machacón, propio del rock de pantano, data de 1957. Grabada con escasos medios técnicos, su memorable y copiado riff, su cadencia y sus versos, dirigidos a la amada, la hicieron popular rápidamente; el paso del tiempo la ha convertido en histórica y una de las canciones con más versiones.
A pesar del éxito del tema, su autor, Dale y su compañero James Burton no cobraron nada. Su discográfica se quedó con todo. Con el tupé clásico de la época y sus movimientos de piernas consiguió hacerse un hueco y fue el primer blanco en tocar en el Apolo de Harlem, reservado para artistas de la música negra. Apartado muchos años por problemas de adicción volvió a los escenarios como productor y realizando actuaciones en bares y locales pequeños.
Desde estas páginas, mi pequeño homenaje a un desconocido entre los grandes pero que nos ha dejado una tremenda joya: Susie Q.

Apache – The Shadows
Con gran pulcritud y elegancia en su vestimenta, con rítmicos pasos: uno adelante, a un lado y al otro, todo perfectamente ensayado, The Shadows cautivaron a varias generaciones. Su guitarrista Hank B. Marvin fue y es aún hoy día uno de los músicos más imitado. Miles de jóvenes aprendieron a tocar escuchándolo a él. La limpieza de su guitarra y su característico sonido influyeron en muchos guitarristas. Sus inolvidables temas instrumentales con Apache a la cabeza han quedado como piezas únicas en la historia del rock.
The Shadows fue durante años el grupo de acompañamiento Cliff Richard. En 1960 grabaron el inolvidable Apache, una composición de Jerry Lordan con la que entraron en las listas británicas y alcanzaron éxito mundial. Una de las características de la música de The Shadows es que no tiene fecha de caducidad. Sus temas son desde las primeras notas fácilmente reconocibles. La influencia de la guitarra de Hank B. Marvin es reconocida por importantes solistas que no dudan a la hora de señalarlo como su maestro.
Son muchos los éxitos de The Shadows: Man of Mystery, Frightened City, Kon Tiki, The Savage, etc., pero como Apache, ninguno. Esta canción nos recuerda a un grupo con grandes y buenos imitadores pero inigualable.

Zeleste 1975 – Luis Torres “Joselero”
Uno de los hechos más importantes, para mí, relacionado con el flamenco data de 1975. Después de diversas gestiones y gracias a la ayuda de un amigo, conseguí estar presente en la inolvidable sala Zeleste de Barcelona de la grabación en directo de una actuación de Luis Torres “Joselero” y Diego Torres Amaya a la guitarra.
En aquellos años Zeleste era el templo de la música moderna. Se programaban actividades de todo tipo pero atreverse con el flamenco era complicado por el tipo de gente que acudía al local. Los gestores de Zeleste tuvieron la valentía de hacerlo y quedó este testimonio sonoro para la historia.
Recuerdo con claridad aquella actuación. Una sala llena de jóvenes educados en otras músicas y unos pocos gitanos. Los jóvenes, expectantes; con la curiosidad propia de quien no ha asistido nunca a una actuación de cante y los gitanos perdidos en aquel ambiente ajeno para ellos. Las alegrías, soleares y los tangos se apoderaron de Zeleste y creo que muchos jóvenes asistentes descubrieron algo nuevo. La capacidad y sabiduría de “Joselero” cautivó a la sala y demostró que el flamenco puede hacerte sentir como el rock. Los sentimientos transmitidos a través de la música no son exclusivos de nadie. El disco fue reeditado en 2008.

Canciones de nuestras vidas (XVI)

2010-04-05T10:10:00.000-07:00

All you need is love – The Beatles
Siempre que escucho el histórico tema de Beatles me viene a la memoria el bar California de mi barrio de Hadú. Creo recordar que era sábado, 25 de julio de 1967 sobre las siete de la tarde.
Varios amigos, enganchados al grupo de Liverpool, esperábamos impacientes la retransmisión mundial vía satélite desde los estudios de Abbey Road de la interpretación en vivo de All you need is love.
El bar California fue toda una institución en el barrio. Los dueños, Manolo y Ramona y sus hijos, Arsenio, Jaume y más tarde Manolo, consiguieron que el bar fuese y sirviese para todo: centro de reunión, celebraciones y lugar donde los catalanes se reunían. A veces, especialmente sábados y domingos el bar se llenaba de soldados catalanes que realizaban la mili en Ceuta. Allí con ellos, escuché y aprendí las primeras palabras en catalán.
Después de subir varios escalones se entraba al local. Al fondo estaba la barra; a un lado un panel de grandes dimensiones donde se colocaban los resultados futbolísticos y al otro el televisor. Lleno de mesas para comer, en el bar se citaban personas de todas clases, gente del barrio, guardia civiles, personajes de los cabaret cercanos, del zoco, etc.
Situado el televisor en uno de los laterales del local, debajo de él nos situamos para presenciar el evento. Manolo y Ramona tenían colocado el televisor lo suficientemente alto para evitar que nadie lo manipulara. Nerviosos e impacientes, éramos los únicos atentos a la pantalla. Recuerdo perfectamente la retransmisión: The Beatles cantando rodeados de amigos que hacían los coros con aquel aire inocente de la época. Las imágenes de los cuatro de Liverpool y demás, vestidos con llamativa ropas de colores al estilo hippie, dieron la vuelta al mundo y el espectáculo fue visto por más de cuatrocientos millones de personas.
All you need is loves se convirtió en un himno pacifista y su famoso estribillo: todo lo que necesitas es amor en una de las frases más famosas del mundo.

La Rambla - Quimi Portet
Este estupendo interprete, para mí la reencarnación de Sisa en su mejor época, es desconocido lejos de Catalunya pero, si decimos que era la otra mitad de El Último de la Fila junto al conocido y sobrestimado Manolo García, la cosa cambia.
En los próximos meses se van a organizar en Barcelona varios de actos en una carpa instalada en las populares Ramblas para reivindicar y recordar la tremenda explosión cultural de la Barcelona de los setenta y ochenta.; una explosión que tuve la suerte de vivir de cerca. Conferencias, debates, exposiciones, conciertos, cine y otras actividades para intentar volver a darle a las Ramblas el esplendor perdido y recuperar su verdadera esencia como arteria cultural barcelonesa. En la década de los setenta se solía decir: Las Ramblas son uno de los mayores y mejores espectáculos del mundo pero, sin tener que pagar entrada. Pues eso mismo es lo que se pretende con esta iniciativa, recuperar la movida barcelonesa. La participación en estas jornadas de históricos ramblistas como Nazario y Mariscal con sus relatos y vivencias y la actuación del mítico grupo La Banda Trapera del Río son motivos suficientes para asistir. La lucha por las libertades, artística y sexual, fue prioritaria en aquellos años.
La Rambla de Quimi Portet es una maravillosa descripción del bulevar barcelonés en la línea galáctica que popularizó Sisa. Quimi ha conseguido sacudirse el encorsetamiento que tenía con El Último de la Fila y sacar todo el potencial musical que lleva dentro. La Rambla es un tema que debería ser declarado himno oficial de la misma por su calidad y por capacidad para atraparte y contagiarte.

San Francisco – Scott Mckenzie
Hay un pequeño pero magnifico libro de Lluis Racionero titulado “Memorias de California” que es un estupendo testimonio directo de la primavera del amor en EE.UU. Estudiante en la Universidad de Berkeley a finales de la década de los sesenta, Racionero vivió aquel movimiento juvenil cuyo objetivo era cambiar el mundo y buscar nuevos espacios de libertad.
De aquellos años hay una canción que ha quedado en la historia de la música popular como un icono hippie, es San Francisco de Scott Mckenzie también conocida como Flores en tu pelo. La canción de Scott es la puerta ideal para la lectura de estas memorias. El autor realiza un repaso por todo lo vivido durante su estancia en la Universidad americana: drogas, música, debates, manifestaciones, comunas, etc., desde la visión que dan los años pasados. Sus encuentros con los poetas de la llamada generación beat y su percepción de movimientos como Black Power, y Els Panthers. Todo un repaso a una época que ha quedado como símbolo juvenil; los deseos de toda una generación por cambiar el mundo o al menos mejorarlo son analizadas por Lluis Racionero.
Una famosa canción de los sesenta preguntaba: ¿Where have all the flowers gone? -¿Dónde han ido a parar las flores? Eso mismo es lo que el autor se pregunta al final del libro con San Francisco de fondo. Es un libro muy recomendable pues además de participar de las aventuras del autor uno ve como evoluciona la gente al paso de los años. Sólo hay que ver por los caminos actuales que transita Lluis Racionero.

You Keep Me Hangin' On – Vanilla Fudge
Creo que Vainilla Fudge es un grupo que no ha sido suficientemente valorado por los críticos. Creadores de un estilo propio, fue una banda pionera psicodélica americana. Su carrera artística fue corta pero con estupendos trabajos para el estudio de la historia del rock.
La primera vez que escuche su tremenda versión del clásico de The Supremes You Keep Me Hangin' On me quedé colgado como el titulo del LP que contiene la canción. Se especializaron en realizar versiones de clásicos. Sus interpretaciones de temas de Beatles: Ticket to ride, Eleanor Rugby, o el conocido Bang bang de Bono son espectaculares y difíciles de superar. El tratamiento que le daban a sus versiones hacía a los temas nuevos. Alargaban los temas con improvisaciones sonoras que le daban nueva y diferente vida a las canciones.
You Keep Me Hangin' On era el tema que abría las sesiones de un añorado y recordado local de un barrio barcelonés de la zona centro. Centro de reunión de aficionados en busca de novedades, Alberto, su dueño, era todo un fanático de la spicodelia y estaba al corriente de todo lo que se publicaba. El local, Zona Zero, se convirtió en lugar de peregrinaje de jóvenes atraídos por sus novedosas propuestas musicales.
You Keep Me Hangin' On venia en un álbum titulado You Keep me hanging on – Me mantienes colgado- que tuvo buena acogida por la critica pero que sólo el paso de los años le ha dado su verdadero valor. Vanilla Fudge es uno de aquellos grupos que se disolvió ante la falta de éxitos pero que vale la pena recuperar.

Al Ataque¡¡ - Keruzones
Después de unas vacaciones recorriendo Argentina, mi hija Paula me trajo un CD de un grupo callejero argentino llamado Keruzones. Conocedora de mi interés por músicos desconocidos pensó que me gustaría y no se equivocó. Es un magnifico disco que a pesar de los escasos medios técnicos utilizados en su grabación suena muy bien.
Al Ataque¡¡ es un CD de música callejera o de garaje; música directa sin aditivos, solista, bajo y batería. Ocho temas conocidos de estilos distintos: Beatles, Freddy King, Ventures, Manu Chao, Duke Ellington y Batablini con su clásico Bienvenido a Tijuana componen el disco totalmente instrumental lo que le da aires sonoros diferentes a las canciones.
Tiempo después tuve la oportunidad de verlos en el centro de Barcelona. Estaban instalados en la Plaza de Catalunya y allí tocaban y vendían sus discos. Me contaron que suelen venir todos los veranos a Barcelona y desde la ciudad condal se desplazan a pueblos de Catalunya contratados para las fiestas locales. Su forma de estar en el mundo musical está basada en una filosofía propia a través de la autogestión.
La calle da muchas sorpresas gratas. Sólo hay que prestar atención a lo que nos rodea y a los músicos callejeros no sólo ayudarlos económicamente (muy importante) también escucharlos, es su razón de ser.

CANCIONES DE NUESTRAS VIDAS (XV)

2010-03-21T11:17:00.000-07:00

El rock de la cárcel- Los Teen Tops
¡El rock en español! Hay un gran desconocimiento sobre el rock hecho en Latinoamérica. Basta consultar la magnifica obra de Salvador Domínguez “Bienvenido Mr. Rock… Los primeros grupos hispanos” para darse cuenta de la importancia y aportación de países como Cuba, México, Argentina, Perú, Chile, Paraguay, Colombia o Ecuador a la historia del rock en lengua española. Una aportación decisiva y que ha dejado constancia en numerosas grabaciones.
Los cinco componentes del grupo mexicano Los Teen Tops fueron pioneros en demostrar a los jóvenes de su país que rock de calidad también se podía hacer en español. Influenciados por la cercanía con Estados Unidos, Los Teen Tops grabaron grandes clásicos del género lo que les convirtió en ídolos en los países latinoamericanos y en España. Liderados por Enrique Guzmán lograron atraer a la juventud deseosa de cambios. El rock de la cárcel adaptación al español de Jailhouse rock de Elvis Presley fue su primer sencillo y un buen exponente de aquella irrupción.
Este disco me lo prestó una prima. El single era del batería de Los Brisks y para mí era algo totalmente nuevo; acostumbrado a escucharlo en la voz de Elvis aquello era un bombazo. Poder entender lo que decía la canción en una época en que apenas nadie sabia ingles y en la que en el instituto el idioma que se estudiaba era mayoritariamente el francés, era muy gratificante. Los Teen Tops y su El rock de la cárcel abrieron el camino y nos dieron muchas alegrías sonoras.

Three little bird – Bob Marley
Mi concierto frustrado. Nunca conseguí ver en directo a Bob Marley and The Wailers ni con entrada. El 30 de junio de 1980 el jamaicano y su banda actuaron en la Plaza de Toros Monumental de Barcelona; un concierto inolvidable para mí por no poder entrar a pesar de tener entrada desde muchos días antes.
En aquella época los billetes de acceso no llevaban incorporado esa especie de chip que los hace difícil de falsificar. Aquel día de verano, un grupo de amigos aficionados a la música deseosos de pasarlo bien y con nuestras correspondientes entradas en mano, nos dirigimos a la plaza. Nuestra sorpresa fue al llegar y ver a los antidisturbios preparados para intervenir. El recinto estaba lleno y centenares de personas en la calle esperando entrar. Por megafonía nos comunicaron la posibilidad de que muchos de los que estaban en el interior lo hubiesen hecho con entradas falsas, no cabía otra explicación. El follón que se montó fue mayúsculo. De nada sirvieron las protestas y la policía intervino para dispersar a los que, con entradas, queríamos entrar.
Nunca más tuve otra oportunidad de poder ver Bob Marley, murió al año siguiente. El concierto de Barcelona es uno de los favoritos de los coleccionistas. En la ciudad condal la banda jamaicana interpretó Three little bird. Este tema se hizo muy popular por un anuncio televisivo para promocionar una marca de vaqueros. Barcelona fue la única ciudad donde Bob Marley and The Wailers interpretaron la canción en directo y ¡no pude gozarlo!

Ceuta – Pedro Ruy Blas & Dolores
Recordado por el enorme éxito de su “A los que hirió el amor”, Pedro Ample de nombre artístico Pedro Ruy Blas, es un personaje que desde los quince años está inmerso en el mundo del espectáculo y ha sido protagonista de bellas páginas de la historia de la música española.
Después de su etapa como cantante de Los Grimm –nombre en honor de los famosos autores de cuentos- entró en Canarios para sustituir a Teddy Bautista (el actual director de SGAE). Por cuestiones de intereses comerciales lo presentaron como americano con el nombre Johnny Folker. El truco se descubrió rápidamente pero el férreo control de Teddy impidió publicar detalles del cantante a la espera de la vuelta de Bautista.
Siempre he sido un admirador de Pedro; me ha parecido un gran intérprete no valorado suficientemente. En 1970 salió al mercado “A los que hirió el amor”. Pedro estaba de gira con el grupo ceutí Los Brisks por Marruecos e Ibiza y tuvo que irse urgentemente a Madrid debido al éxito de la canción y empezó una nueva etapa. En 1975 grabó el álbum “Luna llena” rodeado de excelentes músicos que se convertirían en una banda innovadora de la fusión jazz-rock: Dolores.
Con Dolores, Pedro demostró su verdadera pasión y su calidad como músico. En 1976 el grupo grabó uno de los discos más importantes del género en España: Dolores. En este álbum hay una canción del propio Pedro titulada Ceuta. Es un homenaje a la ciudad del autor. Es un bellísimo tema instrumental que muestra la calidad de aquellos músicos innovadores. Ceuta es una canción en la línea del mejor Chick Corea. La única vez que pude ver Dolores en directo me emocioné. Mereció la pena.

El meu avi – Joseph Lluis Ortega Monasterio
Siempre que visito una ciudad con mar tengo como cita obligada la visita a su puerto y si es pesquero, mucho mejor. La razón es bien sencilla. El olor a salitre es algo inseparable de mis recuerdos de niño. Visitar un puerto con ese olor tan característico es regresar a la Ceuta de mi niñez.
El paso de los años ha añadido a estos recuerdos un determinado género musical. Género que no tiene nada que ver con la ciudad pero que por causas incomprendidas para mí me llevan hacia aquella Ceuta de pescadores. Son las habaneras. Canciones que evocan los sentimientos marineros; la nostalgia del mar y el sonido de las olas.
En Catalunya es muy popular y en verano se celebran múltiples cantadas. Hay una que por su importancia es obligatorio asistir alguna. Es la de Calella de Palafrugell en Girona. En este bello pueblo de la Costa Brava se congregan en Julio -primer sábado- miles de personas para asistir a su Cantada de Habaneras. Se celebra desde el año 1966 y se ha convertido en una gran fiesta popular. Participan muchos grupos que deleitan al público con sus canciones. En este tipo de celebraciones el final es lo más esperado por los asistentes por la gran carga emotiva que se produce. Hay dos temas que el público espera para corear y reivindicarse como pueblo. Son: La bella Lola y especialmente El meu avi. Su conocido estribillo: Visca Catalunya¡ Visca el catalán es coreado masivamente por todos los asistentes al margen de ideologías. Es el grito reivindicativo de un pueblo. A mí, no sé por que razón, me recuerda a Ceuta.

Serenata a la luz de la Luna - Glenn Miller Orchestra
Hace unos días asistí en el maravilloso Gran Teatro del Liceo de Barcelona a la presentación en la ciudad condal de la Glenn Miller Orchestra. Esta nueva versión de la orquesta se creó en 1988 bajo la dirección de Ray McVay.
La Glenn Miller está concebida igual que la original: cinco saxos, cuatro trompetas, cuatro trombones, tres percusiones, un vocalista masculino y una femenina. Su repertorio compuesto por más de 200 composiciones con todos los clásicos del fundador incluidos. In the Mood, Tuxedo Junction, Chattenooga Choo Choo, A String of Pearls, Pensilvania 6-5000 o Mooniligth Serenade- Serenata a la luz de la Luna- fueron desfilando ante los expectantes asistentes. La orquesta, desprendiendo su característico swing, es todo un espectáculo sonoro.
Escuchar en un marco impresionante como es el Gran Teatro del Liceo: perfecta sonorización, público ideal para este tipo de conciertos y la calidad extraordinaria de los músicos, es un espectáculo que pocas veces tienes ocasión de tener a tu alcance.
Conservo desde hace muchos años un disco de grandes éxitos de Glenn Miller. El poder haber tenido ocasión de asistir en directo a la perfecta recreación de sus grandes temas ha hecho que me sumergiera en la época de las grandes orquestas.

Canciones de nuestras vidas (XIV)

2010-03-05T02:35:00.000-08:00

Grándola, Vila Morena - José "Zeca" Afonso
¡Cuántas ilusiones rotas! Cuando aquel 25 de abril de 1974 Portugal vivió su “Revolución de los Claveles” y su posterior Proceso Revolucionario en Curso protagonizado por el Movimiento de las Fuerzas Armadas, aquí en España se abrió la puerta de la esperanza. Grándola, Vila Morena compuesta por Zeca Afonso fue la señal para el inicio de aquellos hechos históricos que tantas expectativas generaron en el país vecino y de rebote en la España franquista.
Los acontecimientos de aquella fecha en Portugal albergaron grandes esperanzas en amplios sectores de nuestro país. La idea de que algo parecido podía suceder aquí y acabar con el régimen pronto se desvaneció y se vio que no era posible; el ejército español de la época era muy distinto del portugués. Políticos, intelectuales, estudiantes, obreros y otros sectores de la población española vieron como Portugal era capaz de derribar la dictadura de Salazar y en España seguíamos igual. Las ilusiones puestas en aquella revolución portuguesa fueron decayendo poco a poco y hubo que esperar a la muerte de Franco para iniciar el camino hacia la democracia.
La transición española es para unos un modelo de cambio político en paz. Para otros es la ocasión perdida de tener una verdadera democracia que hubiese hecho justicia juzgando al dictador y no lavándole la cara al franquismo.
La canción de Zeca Alonso, Grándola, Vila Morena sonaba a todas horas en emisoras de Cataluña y es el recuerdo de aquellos días de esperanza que no tuvieron un final deseado.

Imagine – John Lennon
El padre nuestro de los laicos lo definió Maruja Torres. Algo de cierto hay en la afirmación de la escritora por la intención del autor al escribirla. Los deseos de muchas personas se vieron reflejados fielmente en esta maravillosa canción de John Lennon.
Después de la separación de The Beatles, Lennon inició una carrera en compañía de su inseparable Yoko Ono. Tras la experiencia de John Lennon/Plastic Ono Band, el ex Beatle dio un paso hacía una música más tranquila y sofisticada. Imagine pertenece al álbum del mismo nombre editado en 1971.
Desde su publicación, Imagine se convirtió en un himno pacifista mundial y en una canción de culto. Es uno de aquellos temas que forman parte de la vida de muchas personas por su significado y por estar presente en muchas ocasiones especiales: conciertos, manifestaciones, asambleas, como sintonía de programas, sus múltiples versiones y tantas otras cosas que sólo queda rendirle un gran homenaje como símbolo musical del siglo XX.
De Jhon Lennon no voy a decir nada que no se haya dicho o escrito. Su prematura muerte nos privó de otros trabajos que sin duda alguna nos habrían sorprendido. Sólo añadir que su talento como músico ha quedado demostrado en su inmensa e insuperable obra; con The Beatles y en solitario y para la posteridad nos dejo su maravillosa Imagine.

Pretty Flamingo - Manfred Mann
En la carretera que baja desde el cruce del Morro hacia la Almadraba vivía parte de mi familia materna, en Villa León, situada en la parte izquierda. En la parte derecha había una casa en la que los domingos y festivos un grupo de conocidos organizaba bailes. No eran los clásicos guateques privados de la época, eran abiertos a todos, previo pago de una cantidad. El lugar se llamaba “La Ponderosa”.
De aquellos chavales que organizaban los bailes, uno, José Luis –en la actualidad vive en Algeciras- y yo teníamos amistad pues su novia era vecina de la mía. En nuestras conversaciones siempre salía la música y conocía mi devoción por el pop y beat inglés. De su particular colección de discos tenía uno de Manfred Mann que solía poner para abrir y animar al personal. Este grupo fundado por el sudafricano Manfred Lubowitz se hizo muy popular por sus estupendas versiones de canciones de Bob Dylan.
Pretty Flamingo es un tema pegadizo que se convirtió en un gran éxito mundial y que en España tuvo gran aceptación en la versión de Los Mustang. Es la típica canción pop de los sesenta sin más pretensión que divertir y entretener y eso es lo que deseábamos muchos jóvenes las tardes de aquellos domingos.

Friday on My Mind – The Easybeats
Grupo de un sólo éxito pero ¡qué tema! The Easybeats fue una banda de rock australiana que pasó por distintas etapas. El grupo empezó haciendo rock de garaje, después rock experimental para al final de su carrera hacer rock ácido.
Friday on My Mind es un magnifico tema de 1966 que el tiempo ha convertido en un clásico de la historia del rock. Es una canción que por su tremenda fuerza y contagioso ritmo causó sensación en aquellos años y a mí me lleva muchos años atrás: era la canción preferida –la escuchaba infinidad de veces al día- de un amigo desaparecido: Torturi. Un compañero que me enseñó lo que era la música marroquí. Con él escuche mis primeros discos serios de música del país vecino. Con él aprendí que no hay incompatibilidades en música. Que en distintos momentos del mismo día se pueden escuchar discos muy distintos dependiendo de tus necesidades y estado de ánimo.
Conservo con mucho cariño un disco que me regaló después de un viaje que hizo por varios países: Roxy Music. El primer disco del grupo británico abanderado del glam rock. Un disco que según él abría nuevas puestas a la música pero, Torturi volvía siempre a su: Friday on My Mind

In-A-Gadda-Da-Vida – Iron Buterfly
Conocí a Carlos Santiestebán en la discoteca Rivers. Nuestra mutua pasión por la música hizo que sintonizáramos rápidamente. Gustos musicales, tendencias, discos de actualidad y su experiencia como pincha discos eran nuestras conversaciones entre copa y copa.
In-A-Gadda-Da-Vida de Iron Buterfly es la canción que me recuerda a Carlos y al Rivers. Era uno de los temas estrellas en la discoteca para animar al personal junto con el extraordinario Get Redy de Rare Earth. Tema de larga duración, era y es idóneo para escuchar en este tipo de locales. Su tremendo poder de atracción y su potente y machacón ritmo son razones suficientes para que el tema te atrape. Clasificada por los especialistas dentro del rock duro y psicodélico, In-A-Gadda-Da-Vida fue el tema que consagró a la banda estadounidense.
Carlos era todo un personaje. Nacido en Madrid, había aterrizado por Ceuta para hacer la mili, cosa que en un principio le disgustó pero que con el paso de los días y las nuevas amistades suavizó. Sus conocimientos musicales eran grandes pues en la capital frecuentaba los distintos garitos pioneros en novedades y música alejada de los circuitos comerciales. In-A-Gadda-Da-Vida de Iron Buterfly es la canción que me trae a la memoria a este amigo tristemente fallecido joven y con el que aprendí a saborear detenidamente algún que otro combinado mientras de fondo sonaba este maravilloso tema.

Dead of love - Pan & Regaliz
Grupo catalán minoritario pero de estupendos temas. Nacido a finales de los sesenta, esta banda, en la onda de Jetho Tull, se convirtió en uno de los mejores grupos de la música vanguardista en España. Su peculiar y personalísima forma de ver e interpretar la música convirtió a Pan & Regaliz en una banda muy apreciada por los amantes y aficionados de la experimentación sonora. En la desaparecida tienda discos de Comercial Africana de Ceuta compré el single que contenía la canción Dead of love. Manolo Lázaro, un amigo que el paso del tiempo convirtió en un excelente músico debido a su tenaz constancia, estaba en aquellos años experimentando las maravillosas sensaciones que produce la música. Las ganas de conocer y sentir de Manolo hicieron que comprase el disco aconsejado por mí. Creo que nunca se ha arrepentido de ello.

Canciones de nuestras vidas (XIII)

2010-02-23T03:09:00.000-08:00

Durante los últimos días he estado recuperando el material que tengo de artistas ceutíes. Me he encontrado con excelentes trabajos y otros de escasa calidad. Los discos que poseo de artistas locales los he ido reuniendo de diferentes formas; unos los he comprado, otros me fueron facilitados por los propios artistas y otros los tengo gracias a un buen amigo de muchos años conocedor de mis aficiones: Manolo Lázaro.
En un ataque de nostalgia he estado escuchando todo lo que tengo y me he permitido recuperar algunas grabaciones que creo sinceramente que merecieron la pena y que es justo recordar. Casi todos los trabajos que menciono tienen varios años. De los actuales he preferido no hacerlo por estar al alcance del público. En la mayoría de los casos están en el olvido pero un corto y sincero homenaje a aquellos artistas que pusieron todo su amor en sus composiciones para expresarse lo creo necesario. Algunas de estas grabaciones me han sorprendido por su calidad. Si conservan algunos de estos discos, recupérenlos y vuelvan a sentir sus emociones.

Para volar – Agua y anís
Un disco magnifico. Es una pena que en su momento no tuviese el apoyo necesario para una mayor difusión a nivel estatal. En mi modesta opinión es un trabajo de lo mejor que se ha hecho en Ceuta. Compuesto de trece canciones, el disco es todo sensibilidad con excelentes letras que hablan de amor, amigos, país y una magnifica y cautivadora “Callejón del Lobo” para mí lo mejor del disco con las estupendas voces de Laura y Consuelo arropadas por buenos músicos. Desconozco si el grupo sigue – creo que no- y es una lastima que la ciudad perdiera a Agua y Anís; tenían la calidad suficiente como para dar el salto a la península y tener éxito. Creo sinceramente que es un trabajo muy bien hecho y que merece la pena recuperar.

Creyente – Sheilan
Este grupo ceutí de heavy metal es suficientemente conocido en la ciudad como para descubrirlo ahora. Sheilan lleva muchos años en la brecha con varios trabajos a sus espaldas y Creyente es una muestra de lo que son capaces.
Este trabajo es del 2003 y todas las composiciones, música y letra y los arreglos son obra del propio grupo. El disco muestra a una banda madura con la suficiente experiencia para atreverse con letras en contra de ciertos tabúes. El trabajo se abre con una introducción con toques orientales para dar paso al tema fuerte que da nombre al disco: Creyente y finaliza con María. Un tema sorprendente por su atrevimiento y que llamó mi atención por el estribillo utilizado. Atreverse con la religión en Ceuta es delicado y Sheilan no tuvo reparos en hacerlo.

Al Sur del Sur – Carlos Bernal
Este es un disco que ya tiene sus años, es de 1995 pero muchas de sus canciones son vigentes hoy día. Carlos es una persona que durante muchos años ha estado metido en el mundo de la música. Desde muy joven dio muestras de su compromiso. Letras de contenido social que nos han mostrado a un cantante con preocupaciones sociales. A través de sus composiciones, Carlos muestra su visión y deseos de un mundo más justo.
Con letra y música de Carlos Bernal y adaptaciones de Miguel Hernández y Adolfo Gustavo Bécquer, Al Sur del Sur nos mostró a una persona sensible comprometida con su entorno. El tema que da nombre al disco es una magnifica y bella descripción de aquella Ceuta de nuestra infancia.

Entre el cielo y las nubes – Ismael Reyes
Grabado en 2001, Entre el cielo y las nubes me fue facilitado por Manolo Lázaro, siempre atento a cuantas novedades hay en el mercado ceutí. Es un trabajo muy agradable de escuchar. Canciones de pop con predominio de guitarras que le dan aires de los ochenta a los temas. Según el propio autor, guitarras, bajo, piano y voces son de él, lo que le da un valor añadido al trabajo y demuestra su capacidad como músico. No tengo el placer de conocer a Ismael Reyes pero con este trabajo, Entre el cielo y las nubes me acerqué un poco a su particular mundo sonoro.

La nueva virtud – Desertores
Una agradable sorpresa este disco de 1990. Buenas canciones de pop contiene este buen trabajo de Desertores que me sorprendieron al escucharlo. Os quiero a las dos y Morrison está en el zaguán son dos ejemplos de lo que hay dentro de este CD.
No se si se comercializó en su momento este disco pero creo que merece la pena escucharlo por los buenos temas que en él hay. Canciones con buena construcción sonora que a mí me causaron una agradable sensación quizá por que me recuerdan por sus reminiscencias al pop de los sesenta. Es una de aquellos discos para desempolvar y volver a escuchar en una tarde tranquila para saborear el momento.

Los Búhos- José María Tejero
Bajo el nombre de Los Búhos, histórico grupo ceutí de los sesenta, José M Tejero que fue miembro de la banda, rinde su particular homenaje a The Beatles.
Nueve canciones de las que ocho son versiones del grupo de Liverpool. Temas muy conocidos que Tejero ha versionado pese a la dificultad de alguno de ellos. Here Comes The Sun es un buen ejemplo y José. M. sale airoso. Es su particular homenaje al grupo que marcó y cambió nuestras vidas. El disco se cierra con una canción propia, El tiempo ha borrado es un tema con historia y Tejero lo ha rescatado en esta grabación.
Hay que destacar que el propio autor es el responsable único de todo: batería, bajo, guitarra, armónica y arreglos; todo un trabajo de artesanía musical.

África en versos mojados – Ramón Tarrío – Abderrahmán El Fathi
Es gratificante y esperanzador encontrarte con discos como África en versos mojados. En un panorama musical dominado por la música de usar y tirar, con las radios formulas y programas para promocionar a supuestos artistas sin nada que decir acaparando la atención del público, discos como África en versos mojados en el que sus autores confían en el poder de las palabras para mejorar el mundo y hacerlo mejor; es una ventana por la que entra aire fresco cargado de sentimientos.
Ramón Tarrío con textos de Abderrahmán El Fathi, construyó un mundo sonoro para la reflexión. Las relaciones entre las dos orillas siempre han sido complicadas y Ramón a través de sus sentimientos musicados nos brinda la oportunidad de acercarnos y comprender situaciones a veces incomprendidas. África en versos mojados es como dice Abderrahmán: una interpretación de la realidad.

En mi archivo sonoro tengo otros trabajos de artistas ceutíes que en su momento llamaron mi atención: las grabaciones que como ganadores del Ceuta rock de 1986 hizo el grupo Tharna. Un estupendo CD de la banda Colo K2 en la que nos volvemos a encontrar a Ismael Reyes o la música heavy del grupo Mordark. Toda una gama de posibilidades sonoras realizada por ceutíes pero, será para otra entrega.

Canciones de nuestras vidas (XII)

2010-02-14T02:23:00.000-08:00

La Poupée qui dit no - Michel Polnareff
Una de las cosas más surrealista que recuerdo de mi época de estudiante de bachillerato en el INEM de Ceuta es la celebración de los llamados “ejercicios espirituales”. En aquellos años en los que íbamos uniformados de color gris (el color del régimen), con corbatas de colores dependiendo del curso que hacías y que la única obsesión de la iglesia era adoctrinarnos en el nacional catolicismo, los “ejercicios espirituales” sólo sirvieron, en mí caso, para darme cuenta del miedo de los religiosos a la sexualidad, entre otras cosas.
Recuerdo especialmente uno de aquellos años. Los ejercicios estuvieron dedicados especialmente a los grandes males causados por la masturbación. Hablarles a chicos de trece, catorce y quince años, edades en las que todos los poros del cuerpo respiran sexualidad, de los males de la masturbación sólo lograba el efecto contrario al deseado por los religiosos.
En aquella época un cantante francés, Michel Polnareff sacó al mercado un disco que tuvo gran éxito: La Poupée qui dit no. Un compañero de clase con mucho ingenio adaptó el titulo al castellano y le dio a la palabra muñeca (poupée) significado corporal y no de objeto. Con el mismo ritmo de la canción original, nosotros cantábamos algo así como: mi muñeca dice no, no no, ella no quiere parar. Los docentes no captaban absolutamente nada, su obsesión era adoctrinarnos sin darse cuenta de nada.
Cada vez que escucho La Poupée qui dit no recuerdo con mucho humor aquellos “ejercicios espirituales”. Yo, que tengo una concepción materialista de la vida y una pobre o nula situación espiritual, para pena y dolor de algún obispo, tengo que agradecerles a aquellos religiosos lo mucho que hicieron por abrirme los ojos.

Black Magic Woman - Fleetwood Mac
¡Éste se ha equivocado! Dirán algunos. Black Magic Woman, una de las canciones que dio a conocer mundialmente a Santana es de esta banda británica. Fleetwood Mac es un grupo con dos etapas totalmente distintas. En la primera época, la banda –la que a mí más me interesa- fue la más representativa del blues- rock británico. Con el extraordinario Peter Green que venía de tocar y aprender con el maestro Jhon Mayal, Fleetwood Mac grabó excelentes discos muy apreciados por los amantes del blues rock. Para la historia dejaron el extraordinario LP “Green Manalishi Live” que ha quedado como una de las joyas del blues británico.
En sus inicios, la banda tenía un sonido propio que la hacía inconfundible. Más tarde, tras el abandono de Peter Green el grupo cambió radicalmente su estilo para optar por un sonido más comercial buscando las listas de éxitos. La entrada como vocalista de una voz femenina, Chistine McVie, cambio totalmente a Fleetwood Mac y lo convirtió en un grupo más conocido pero muy distinto del que los aficionados queríamos. Se dirigieron a otra clase de público y con su disco “Rumours” lograron un gran éxito.
Los dos grandes éxitos de la banda en su primera etapa fueron Albatros (instrumental) y Black Magic Woman al final de la década de los sesenta. La mayoría conoció la canción en la maravillosa versión de Santana que la popularizó mundialmente. El tema se ha convertido con el paso del tiempo en un clásico del rock latino pero, no hay que olvidar su verdadero origen y recordar y reconocer a una de las mejores bandas británicas de aquellos años.

El Universo - Luis Eduardo Aute
Mi mujer, mucho más intimista que yo en cuestiones musicales, me fue introduciendo poco a poco en ese mundo particular de Aute de quien es una gran admiradora. Hace bastante tiempo, inmerso en mis sonidos, ella logró que me interesara por aquel tipo nacido en Filipinas al que yo no le había prestado atención y descubrí a un magnífico creador.
Cuando hablamos de Aute hay que referirse a un artista con mayúsculas. Es un personaje con una gran obra musical, fotográfica y pictórica. Dedicado completamente al arte, como cantante, es creador de una extensa obra con canciones memorables. Es obligatorio recordar su tremendo grito en contra de la pena de muerte de su dramático Al Alba. De sus discos hay uno del año 1985 –Nudo- que es mi preferido y dentro de ese álbum un maravilloso tema: El Universo.
Las composiciones de Aute abarcan muchas cuestiones pero las referentes al amor son de gran sensibilidad y creo que el autor tuvo que crear El Universo después de pasar un gran día amoroso pues es el fiel retrato de estupendos momentos. Para mí y gracias a mi mujer, la canción es un tema idóneo para tardes de lluvia y momentos íntimos. En su discográfica abundan canciones de esta temática pero, El Universo tiene algo especial que la hace diferente a otras suyas y para mí es la entrada a ese mundo fantástico de Luis Eduardo Aute. Las sensaciones que trasmite Aute en directo te producen una gran paz interior y buenos momentos para reflexionar.

Sentir - Luz Casal
En unas vacaciones en Ibiza nos encontramos inmersos en sus fiestas patronales. Como la vida está llena de sorpresas nos vimos sorprendidos por la fecha. Las fiestas patronales – Virgen de las Nieves- en la isla pitiusa son el mismo día que en Ceuta, es decir, el 5 de agosto. Por la mañana la ciudad es una fiesta total; función religiosa, desfile procesional, bailes populares, comidas, etc. Por la tarde, la música invade todo. Conciertos gratuitos hasta llegar a los de pago que son nocturnos. Para satisfacción nuestra que somos admiradores de Luz Casal desde su época de rockera como telonera de Miguel Ríos y Leño en la gira “Rock de una noche de verano” la gallega ofrecía un concierto de presentación de su disco Un mar de confianza.
En una maravillosa noche estrellada; una estupenda temperatura, de vacaciones en Ibiza y un concierto de Luz Casal ¿qué más se puede pedir para encontrarte a gusto? En el disco Un mar de confianza hay una canción que emociona cuando la escuchas detenidamente, es Sentir. Es un tema que tiene todo: sentimiento, un ritmo pausado que te engancha y la interpretación de Luz Casal que es insuperable.
He tenido la oportunidad de verla más veces. En uno de sus últimos conciertos antes de su enfermedad en el incomparable Palau de la Música y otra después de su recuperación en un concierto benéfico pero, aquella noche de verano en la isla blanca quedará como el recuerdo imborrable de un maravilloso concierto de una genial cantante en un lugar excepcional.

Romance de Bernardo del Carpio –José el Negro
Siempre que voy a Madrid intento ir al popular Rastro; es una visita obligada por muchas razones. La primera vez que lo visite hace muchos años, fue durante una estancia en la capital con motivo de una enfermedad de mi padre.
Durante aquellos días de idas y venidas al hospital entablé amistad con un chico canario que también visitaba el centro medico. Juntos recorrimos la capital, pateamos las calles madrileñas y fuimos a museos, cines, fútbol y al Rastro. De aquella primera visita guardo dos recuerdos muy distintos, uno alegre y otro triste Éste último, el triste, es que el chico canario murió durante la operación a que fue sometido en aquellos días de febrero. El recuerdo alegre es la sorpresa mayúscula que encontré en el mercadillo al ver la cantidad de paradas que vendían discos.
En el Rastro encontré a un precio irrisorio una de las joyas de mí escasa, modesta pero valiosa colección de flamenco: Romance de Bernardo del Carpio de José el Negro. Un disco de un personaje extraordinario y único que canta intuitivamente, deslavazado, olvidando a veces las letras e interpretando a la vez a varios personajes de forma yuxtapuesta. José el Negro utiliza toda su fuerza para expresarse a través de bulerías, alegrías y martinetes. José canta, habla y como alguien escribió en la contraportada del LP si Andalucía tiene lengua propia nos gustaría pensar que es la del Negro. Es mi homenaje a un hombre joven al que la vida le cortó muy pronto las alas y ganas de vivir.

Canciones de nuestras vidas (XI)

2010-02-06T00:12:00.000-08:00

Gaudete - Steeleye Span
El folk británico en su máxima expresión. En las dos últimas décadas el eco y reconocimiento mundial obtenido por la llamada música celta ha sido grande. El estilo, con buenos intérpretes ha penetrado en amplias capas de aficionados pero, el origen de esta explosión hay que buscarlo muchos años antes en grupos como Fairport Convention, Incredible String Band, Dr. Strangely Strange y especialmente en Steeleye Span.
Hace muchos años, en una tienda de coleccionistas y rarezas de discos encontré una maravilla camuflada en una pila de LP´s a bajo precio. Era Below the Salt; un disco excepcional del que tenía noticias pero que no lo había encontrado pues se editó aquí mucho más tarde que en otros sitios.
Steeleye Span, en su primera etapa con la inigualable voz de Maddy Prior, fue una banda que se especializó en rescatar temas medievales y actualizarlos. El LP Below the Salt es una estupenda muestra. Lleno de bellísimas canciones que te transmiten serenidad y una placentera sensación de volar a través del tiempo. Gaudete es un tema gregoriano del que se han realizado muchas versiones y que en la interpretación de Maddy Prior adquiere dimensiones extraordinarias por su maravillosa voz y por los acertadísimos arreglos. En algunas ciudades inglesas el tema se usa mucho como fondo musical en las visitas a las iglesias.

Casida del cazador perdido – Carlos Cano
Estos días está expuesta en Barcelona una exposición fotográfica sobre las luchas vecinales en las últimas décadas. Los logros y fracasos de aquellas reivindicaciones vistos a través de estupendas fotos me han hecho recordar desaparecido y admirado Carlos Cano.
Tengo un recuerdo imborrable de la primera vez que le vi. Después de una reunión en la asociación de vecinos, uno de los componentes de la junta nos dijo que tenía una sorpresa preparada. En la biblioteca de un colegio del barrio se iba a celebrar un concierto de presentación de un nuevo cantautor andaluz. Era clandestino pues no había obtenido autorización gubernamental. Era un colegio de monjas comprometidas con las luchas vecinales; debía de ser a principios de los setenta. Fue presentado como un emigrante retornado y con ganas de abrirse camino con sus canciones. Ninguno de los allí reunidos habíamos oído hablar nunca de él.
El impacto que me produjo aquel joven Carlos Cano fue grande. Desde aquella actuación siempre le seguí la pista y compre todos sus discos. De su discografía hay un LP que hoy día sigo escuchando por su extraordinaria calidad, es Crónicas Granadinas. Es un disco de música arábigo-andaluz. Con canciones propias y adaptaciones de Federico García Lorca es para mí uno de los mejores trabajos en la historia de la música popular de este país. El tema Casida del cazador perdido es una canción de una tremenda delicadeza que Carlos Cano cantó con gran sensibilidad. Su temprana muerte nos privó de magníficos momentos musicales.

El pueblo unido jamás será vencido - Quilapayún
Hubo una época en la que muchos jóvenes, ansiosos por encontrar espacios para poder expresar sus inquietudes, encontraron esos espacios en parroquias. Allí, con el beneplácito del cura, formaron grupos para ayudar, hablar, discutir y cantar canciones comprometidas con la búsqueda de la libertad. Otros jóvenes no vimos estos lugares como espacios de libertad y seguimos nuestros caminos por otros derroteros. Lo de “curas comprometidos” nos parecía muy bien pero engañoso al estar bajo la dirección de la iglesia y eso invalidaba su buena voluntad; hoy día sigo pensando lo mismo. Por mucho que los llamados “curas obreros” lo intentarán y ayudaran a mucha gente, la iglesia se los acabó tragando.
Se pusieron de moda las misas cantadas. La mayoría de las veces con temas de autores latinoamericanos. Los movimientos de liberación de aquellos años estaban muy ligados a los llamados teólogos de la liberación muy de moda en la época. Como consecuencia de nuestras tristes experiencias con la religión en la etapa de estudiantes, muchos le dimos la espalda a esta salida. Buscamos la otra cara de la misma moneda pero apartados de cualquier connotación religiosa. Era la época de Víctor Jara, Inti-Illimani, Quilapayún y otros músicos comprometidos con la conquista de las libertades.
En aquella búsqueda encontramos músicos comprometidos con ambas posturas. Quilapayún era uno de ellos. La producción discográfica de Quilapayún es muy extensa pero su El pueblo

unido jamás será vencido es un tema que ha quedado grabado con letras de oro en la historia de la música popular. En la actualidad me pregunto: ¿qué reivindicación logra aglutinar hoy día a la gente?

Between Nothingness and Eternity – Mahavishnu Orchestra
En agosto de 1975 se celebró en la plaza de toros Nueva Andalucía de Marbella el “btm star brucking festival 1975”. La participación y duración fue extensa con artistas nacionales e internacionales. Wishbone Ash, Lou Reed, Soft Machine, Carretera y Manta Caravan, Climax Blues Band y Mahavishnu Orchestra de Jhon McLaughlin. Todo un acontecimiento musical que uno no podía perderse.
En pleno agosto, entrada la noche y con los asistentes animados por las anteriores actuaciones, apareció Jhon McLaughlin con su guitarra de doble cuello y su banda. Su música quizá no era la más apropiada para este tipo de eventos pero, su magia sonora te atrapa fácilmente e hizo que la mayoría del público vibrara con sus temas. Su fusión de jazz, rock y la utilización de instrumentos acústicos y eléctricos convirtió a Mahavishnu Orchestra en pionera en la fusión de géneros y nos hizo pasar una noche inolvidable.
Between Nothingness and Eternity es un álbum grabado en el Central Park de Nueva York. Es un disco con participación de músicos procedentes de estilos muy diferentes y que da una idea muy cercana del tipo de música que interpretaban en aquellos años.
Años después volví a verle en un concierto en Barcelona junto con Paco de Lucia. A pesar de la calidad de ambos, no era lo mismo, faltaba el aire y espontaneidad que caracteriza a un buen concierto y sobraba seriedad y perfeccionismo.

Qualsevol nit pot sortir el sol- Jaume Sisa
Es una pena que la trayectoria artística de un personaje como Sisa sea a penas conocida lejos de Cataluña. El autodefinido cantante galáctico formó parte del histórico Grupo de Folk de la Nova Cançó catalana. Su visión y forma de ver la vida le llevó a alejarse de este movimiento y a situarse dentro del denominado rock Laitano.
Qualsevol nit pot sortir el sol es un tema del LP del mismo nombre de 1975. Después de serias dificultades al iniciar su carrera en solitario, esta galáctica canción le dio el empujón definitivo para poder dedicarse exclusivamente a la música. Los críticos nacionales consideran a este tema como uno de los mejores de la música popular española en los últimos cincuenta años.
Qualsevol nit pot sortir el sol es una canción que unida a la particular interpretación de Sisa la hace inclasificable. Es un tema para todos los públicos, niños y adultos.
Fui un asiduo de la histórica sala Zeleste de Barcelona; un lugar copiado del Club Marquee de Londres donde lo mismo podías ver a Camarón, rock, que ver exposiciones. Allí vi varias veces a este singular personaje que años más tarde se cambio el nombre artístico y se marchó a Madrid. En la capital, con el nombre de Ricardo Solfa se dedicó cantar boleros hasta su regreso a Barcelona donde de nuevo volvemos disfrutarlo. El desaparecido Carlos Cano le dedicó la canción “A Jaime Sisa” en su disco “Forma de ser”. Una forma de ser alejada de lo comercial y con un sello tremendamente personal y de gran calidad. Jaume Sisa y otro inclasificable: Pau Riba, son los supervivientes atípicos de la Nova Cançó.

Canciones de nuestras vidas (X)

2010-01-29T01:27:00.000-08:00

With a Little Help from My Friends - The Beatles
“Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” es mi disco de cabecera. Lo tengo en todos los formatos posibles para poder disfrutarlo en cada momento que me apetezca y en todos los sitios aunque prefiero el viejo plato de música por su sonido.
Compré el disco al poco tiempo de salir en 1967; desde entonces no he dejado de escucharlo nunca. Es mi terapia particular. Cuando me encuentro un algo decaído lo pongo y ¡milagro!, me recupero, es lo que tiene la música.
Descubrimos a unos Beatles juveniles y divertidos con canciones innovadoras que nos engancharon. “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” es otra cosa; Es el camino abierto a nuevas posibilidades sonoras en el mundo de la música. Es el disco más influyente en la historia del rock por muchas razones. Su estructura, las técnicas utilizadas en su grabación y especialmente por las canciones.
El histórico álbum está lleno de maravillosas composiciones. Es una de las joyas musicales de siglo XX. Su portada ya nos indica algo de lo que encontraremos en él. El disco te engancha desde el inicio y te lleva, canción tras canción, por unos caminos sonoros difícilmente superables.
De “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” he elegido una canción dedicada a la amistad. With a Little Help from My Friends, cantada por Ringo Starr, algo infrecuente en el grupo. Es un canto a la amistad de verdad; a los que no preguntan cuando ni para qué los necesitas. A la amistad con mayúsculas.

The End – The Doors
En el desaparecido Terramar Cinema del barrio de Hadú vi la película de Francis Coppola
“Apocalypse Now”. En el cine estábamos: un amigo, yo y el portero acomodador – creo recordar que se llamaba Gabriel-, nadie más había en la sala.
Casi al principio de la película los helicópteros americanos bombardean la selva con napalm mientras suena la canción The End. El significado terrible de aquellas escenas y la música sonando en aquel cine vacío, son recuerdos que vienen a mi memoria siempre que escucho a The Doors.
El grupo californiano ha sido siempre uno de mis favoritos. Muchos críticos consideran a The Doors una banda psicodélica pero no es cierto. Es uno de aquellos grupos inclasificables con un estilo propio y una manera de interpretar única. La fuerte personalidad del cantante Jim Morrison y el peculiar órgano de Ray Manzarek hicieron que el grupo fuera fácilmente reconocible desde las primeras notas.
La discografía de Doors es bastante amplia con canciones que han quedado en la historia del rock. Muchas composiciones del grupo son versionadas en la actualidad y la tumba de Jim Morrison en Paris se ha convertido en visita obligada para los amantes de su música. El paso del tiempo ha convertido al grupo en banda de culto.
El sonido de una de sus canciones, quizá la más trágica, The End, es el recuerdo de una gran película en un cine vacío, sin pipas, palomitas, bebidas ni comentarios.

A galopar – Paco Ibáñez
El pasado año tuve la oportunidad de volver a ver a Paco Ibáñez en directo después de muchos años. En una sala del barrio barcelonés de Sant Andreu volví a sentir sensaciones que me estremecieron por su sinceridad, algo difícil hoy día con otros autores. Paco Ibáñez es un compositor cantante politizado, eso lo sabemos todos pero, conserva la capacidad de trasmitirte las mismas sensaciones a pesar del paso del tiempo. Mientras la democracia ha devorado y domesticado a otros, él, por su honradez y compromiso con los más desfavorecidos merece el reconocimiento público a su trabajo. Sus interpretaciones están cargadas de sinceridad y te transmiten ganas de seguir luchando por aquello que crees que merece la pena.
Descubrí a Paco Ibáñez en la década de los sesenta por un amigo amante de la canción francesa. Aprendiz de la música de Georges Brassens y del genial Léo Ferré, ha sido y aún lo es, un difusor de los clásicos españoles. Su trabajo para dar a conocer los poemas de Luis de Góngora o Lorca es utilizado como material pedagógico por muchos profesores de literatura. Su A galopar representa el compromiso y fidelidad de un trabajador con sus ideales. Es difícil hoy día hablar de compromisos e ideales pero Paco Ibáñez nos sigue demostrando que es posible y necesario.

Hijos del agobio – Triana
Escuchar a Triana es evocar momentos duros de un compañero: Rafael Peaguda. Una noche, después de un concierto del trío sevillano, fue detenido por la policía en el portal de su casa. Dos días más tarde nos comunicaron los cargos: colaboración con banda armada. Rafael era un fanático de Triana y sólo militaba en la CNT. No entendíamos nada y nos parecía increíble aquella acusación de colaboración.
Después de una semana de duros interrogatorios en Madrid, fue trasladado de nuevo a Barcelona al comprobarse su inocencia. En los días que permaneció detenido intervino el director de la empresa donde ambos trabajamos; su implicación y amistad con ciertas personas facilitó las cosas. Fue puesto en libertad sin cargos con unas simples disculpas. Nunca supimos de donde salió la acusación.
Aquel verano para celebrar su libertad y olvidar lo ocurrido nos fuimos con otros compañeros de vacaciones a su tierra: el valle del Jerte en Extremadura. Un lugar encantador que te atrapa fácilmente. Fueron las vacaciones con Triana. Durante los ocho días que permanecimos allí, Rafael Peaguda nos deleitó con sus magnificas interpretaciones del disco Hijos del agobio. Gran admirador del grupo, se pasó todos los días cantando sus canciones.
Fueron tardes y noches de cerveza, vino y Triana, en un magnifico entorno acompañados por personas de una extraordinaria calidad humana.

Ojos verdes. Miguel de Molina
El gran desconocido de la copla. Si les gusta la copla y tienen la oportunidad de poder ver la obra teatral Ojos verdes, háganlo, no se arrepentirán. La pieza es un maravilloso y duro recorrido de la vida de Miguel de Molina y un viaje musical por la España republicana.
Muchos han calificado al cantante como extravagante y otras cosas olvidando su calidad como artista. Fue un avanzado a su tiempo y eso le costó caro al acabar la guerra; como otros tantos, el exilio fue su escapatoria. Nunca escondió su condición sexual y la vivió abiertamente
En nuestra infancia y adolescencia, en aquella España de discos dedicados, la copla era mayormente de cantantes femeninas y en las radios sonaban Concha Piquer e Imperio Argentina entre otras. Vázquez Montalbán me abrió las puertas de Miguel de Molina. Sus escritos sobre la copla son estupendos retratos de aquella España y ahí encontré la otra cara de Ojos verdes. Escuchar la canción en una voz masculina le dio otra dimensión y descubrí a un personaje con una fuerte personalidad.
Miguel de Molina tuvo que marcharse de España e iniciar desde cero su carrera en tierras argentinas y mejicanas. La España de Franco no podía perdonarle su pasado ni su condición sexual sin tapujos. El director de la obra lo describe así: pertenecía y creía en la misma España
que Lorca. A uno lo mataron y a otro le hicieron la vida imposible.
La pieza es un homenaje a la figura del desaparecido cantante y como él mismo dice al final de la función: a mi me echaron y me borraron de la historia para que la Doña (Concha Piquer) se quedará con todas las canciones, entre ellas, Ojos verdes.

Canciones de nuestras vidas (IX)

2010-01-18T03:07:00.001-08:00

Merry Christmas (the War Is Over) - John Lennon
En estas fechas navideñas los recuerdos te colapsan la mente. Mis navidades en Ceuta -17 años- son inolvidables por muchas razones: familia, amigos y villancicos que nunca he olvidado. Aquellos días son una parte muy importante de nuestras vidas; el entrañable ambiente familiar es quizá una de las cosas que más ha extrañado uno en su vida pero compensado en parte por las experiencias vividas en otros lugares.
Una de las cosas que más me impactó al venir a Catalunya fue la navidad. La celebración es completamente distinta a la que estaba acostumbrado -con el tiempo he aprendido que no es mejor ni peor, sólo distinta-, y con ritmos diferentes. De mis navidades en Ceuta guardo en mi la mayoría de los villancicos pero de mi primera navidad en Barcelona tengo un recuerdo imborrable: Merry Christmas (the War Is Over) de John Lennon ¡Un villancico beatlemaniano!
A todos aquellos que quieran huir un poco de las típicas canciones de estas fechas les recomiendo este maravilloso tema en su versión orquestada y con coro ¡es una maravilla! Te transmite paz, tranquilidad y como dice un estribillo de su letra, algo que todos necesitamos: Comprensión.

Y YA ES NAVIDAD,
PARA LOS DÉBILES Y LOS FUERTES,
PARA LOS RICOS Y LOS POBRES,
ES MUNDO ESTÁ TAN MAL REPARTIDO

Y UNAS FELICES NAVIDADES,
AL NEGRO Y AL BLANCO,
AL AMARILLO Y A LOS ROJOS,
QUE SE PAREN TODAS LAS LUCHAS

Storia di un minuto - Premiata Forneria Marconi
Recién instaurada la democracia en España, Barcelona se convirtió en una explosión cultural y política. La ciudad era una fuente constante de acontecimientos que ya existían (ocultos) y que al salir a la luz pública convirtieron a la ciudad condal en uno de los focos culturales más importantes del mundo.
En aquella época era raro el día que no se producía algún acontecimiento de importancia. Durante los últimos años de de los setenta y en la década siguiente (80), los actos culturales celebrados en Barcelona tuvieron resonancia internacional. Un ejemplo fue la celebración en 1977 de las históricas “Jornadas Libertarias” con la asistencia de anarquistas de todo el mundo. Jornadas que significaron y marcaron el posterior rumbo de las ideas libertarias.
La explosión musical en la ciudad condal fue tremenda; música con características propias, sonidos autóctonos y conciertos de los mejores artistas internacionales y nacionales. De uno de aquellos inolvidables conciertos guardo un gran recuerdo. En 1983, en las fuentes de Montjuic actuaron Miguel Ríos y Luz Casal como telonera (era su época rockera). Con ellos actuó un desconocido grupo italiano llamado: Premiata Forneria Marconi. La PFM era una banda de rock progresivo en la onda de King Crimson con mezcla de música italiana. El descubrimiento de su música fue un soplo de aires nuevos.
Su Storia di un minuto es una buena muestra de lo que el grupo hacia. Una demostración de calidad sonora y una demostración de que en otros países distintos a Inglaterra y Estados Unidos había músicos capacitados para realizar experimentos musicales de mucha calidad.

My Generation – The Who
En los últimos años de los sesenta, un grupo de amigos solíamos reunirnos para escuchar música. El ritual era muy sencillo: cada uno aportaba sus discos y después de escucharlos, opinábamos de ellos. Las discusiones eran tremendas y cargadas de energía. De aquellas reuniones musicales guardo gratos recuerdos y magníficos amigos. Al margen de los gustos de cada uno, hubo una canción que se convirtió en una especie de himno de las sesiones musicales; su nombre y el significado de la canción nos retraba, o eso creíamos. Era: My Generation.
La impresionante oleada de grupos ingleses de aquellos años tenía un sello propio. La música de cada banda era fácilmente reconocible. Todos los grupos tenían su particular estilo que hacía que los aficionados identificaran sin grandes dificultades a cada uno de ellos. Una de aquellas bandas fue The Who.
El grupo, uno de los más importantes e influyentes en la historia del rock, fue innovador y abrió nuevos caminos al rock. Autores de obras como “Quadrophenia” y “Tommy” fueron pioneros de las operas rock y padres de lo que años después se llamó punk. Sus tremendas actuaciones en directo, rompiendo instrumentos e insultando al público fueron copiadas años más tarde por los punkies.
Su repertorio esta lleno de grandes temas; pero sin duda alguna su carta de presentación siempre fue y es: My Generation. Una canción editada en 1965 y que grabada en directo en 1970 en Leeds es todo un símbolo generacional.

Kind of Blue- Miles Davis
Una vez estabilizado y con trabajo fijo, un compañero de faena me abrió un nuevo mundo musical: el jazz. Como otros tantos rockeros no había salido de mis discos poniendo barreras a otras músicas.
Ángel Vinadé me ayudó a descubrir el fascinante mundo del jazz y logró que me adentrara en sus entrañas. Ángel es un personaje único; ácrata practicante, cosa muy difícil, es una persona de gran humanidad con dos “vicios” incorregibles: el tabaco y el jazz. Es una enciclopedia viviente de este género y un virtuoso del saxo. Con sus sabios consejos me adentré en este estilo y empecé a escuchar a los grandes jazzman. Como es natural en la vida, una vez iniciado, uno tiene sus preferencias y empiezan las discusiones. Mi amigo, como buen saxofonista es un fanático de John Coltrane y yo sucumbí a la improvisación y al frenesí sonoro del gran Miles Davis.
Cualquier aficionado al jazz sabe que es muy difícil elegir un tema pues una de las características del género son las enormes posibilidades que se pueden desarrollar a partir de algunas notas. El disco Kind of Blue es un álbum grabado en 1959 que revolucionó el estancado mundo del jazz. Un LP que me abrió nuevos horizontes sonoros y al que todavía estoy enganchado.

Bolero – Maurice Ravel
Debe de ser con la “Quinta Sinfonía” de Beethoven y “Las cuatro estaciones “de Vivaldi lo más conocido de la música clásica. Un tema que se ha usado para todo tipo de eventos: cine, teatro, ballet, etc. Diversos grupos de rock la han adaptado ayudando a su popularización entre un publico alejado de lo clásico.
Hubo una etapa de mi vida el la que tuve que hacer de “canguro” todos los días de la semana. Mi mujer preparaba las oposiciones y yo me ocupaba todo el tiempo libre de los niños. En estas circunstancias uno agudiza el ingenio para pasar el tiempo. Una de las distracciones favoritas era la música. Influenciado por el conocido dicho: la música amansa a las fieras, yo elegí esta opción y el Bolero de Ravel se convirtió en tema diario. Su duración, su in crescendo, sus metales y mi imaginación – yo convertía al Bolero en un autentico rock and roll- hicieron que esta obra haya dejado secuelas muy buenas en mi familia. La audición de esta bella y extraordinaria obra me recuerdan momentos inolvidables vividos junto a mis hijos y la satisfacción de saber que mereció la pena.

Canciones de nuestras vidas (VIII)

2010-01-05T07:58:00.000-08:00

La tierra de las mil danzas- Wilson Pickett
La irrupción con fuerza del Soul se produjo en la segunda mitad de los años sesenta. Con una extensa lista de estupendos interpretes y magnificas grabaciones editadas desde la década anterior, la explosión mundial de este género acaparó durante años el interés de los aficionados.
Hay una larga lista de cantantes que han dejado maravillosas canciones para la historia. He elegido una de las más representativas por varios motivos: es muy conocida y creo que la mayoría de aficionados la habrán tatareado alguna vez. La interpretación de Wilson Pickett es única y otra poderosa razón es un gran recuerdo de un magnifico festival celebrado en el Cinema Terramar de Ceuta.
En 1967 se celebró en este cine de la barriada de Hadú un mano a mano musical entre los dos grupos más representativos de la ciudad: The Brisks y Los Dingos. En mi memoria quedó grabada la interpretación realizada por Susi, el batería de Los Dingos. Con un magnifico acompañamiento y dotado de una buena voz para el Soul, Susi cantó una versión de La tierra de las mil danzas que ha quedado en los recuerdos musicales de muchos aficionados.
Esta canción, obra del recordado compositor e interprete Fats Domino, es una canción que ha sido y es versionada por muchos artistas; es un clásico del Soul y una de aquellas canciones que nunca olvidas por su fuerza, calidad, ritmo y por que es parte de uno.

Last train to Clarkville – The Monkees
Grupo artificial y comercial pero que a muchos adolescentes de aquellos años dejó una huella por muchas razones. The Monkees fue creado mediante un concurso televisivo de la cadena NBC entre más de 500 aspirantes al estrellato. Con el paso del tiempo el grupo se profesionalizó y grabó buenos discos. De aquellas grabaciones han quedado canciones que forman parte de la historia: “I´m a Believer, “A Little Bit Me Bit You” o Last train to Clarkville.
La fama del grupo se disparó como consecuencia de la serie de dibujos animados que The Archies. Las canciones de Monkees alcanzaron fama mundial mientras las canciones del grupo eran compuestas y grabadas por los mejores músicos de Estados Unidos: Neil Sedaka, Neil Diamond, Carole King, Tommy Boice y otros.
Subidos al pedestal de la fama artificial, The Monkees se negaron a grabar la canción “Sugar Sugar” que fue un éxito mundial. A pesar de todo el circo montado a su alrededor y la utilización mediática para intentar contrarrestar la fama y el éxito de The Beatles, Monkees dejaron algunas joyas grabadas como este Last train to Clarkville. Un tema pleno de ritmo, buenas voces y el recuerdo de unos adorables dibujos que se emitían los sábados por la tarde.

Dance to the Music - Sly & The Family Stone
¡Un gran descubrimiento! Cuando el Soul empezaba a declinar surgió esta banda que revolucionó el género al darle aires innovadores. Su novedosa mezcla de rock, jazz, psicodélia, soul, y rhythm & blues, dio paso al funk y su posterior desarrollo.
Junto con el gran James Brown, Sly & The Family Stone es un grupo fundamental para entender la música funk. Liderada por el extraordinario músico Sylvester Stewart, el hecho de que la banda estuviese compuesta por músicos blancos y negros supuso un gran avance por la aportación y conocimientos de géneros distintos.
La tremenda energía de la música del grupo lo convirtió en uno de los más solicitados en las discotecas de la época. Su extraordinaria Dance to the Music de 1968 te cautiva y te hace mover sin freno. Es un tema que causó sensación por su sorprendente frescura y que rompió muchas barreras. Su introducción es magnifica; es un tema que demuestra la mezcla de varios estilos y está muy conseguido.
En estas fechas muchos articulistas y programas han recordado al famoso festival de Woodstock. Para aquellos que aún no han visto ningún documental sobre el histórico festival les recomiendo la actuación realizada por Sly & The Family Stone. Una actuación plena de ritmo y fuerza que cautivó a la mayoría de los asistentes.

Fiesta- Joan Manuel Serrat
Escribir algo de Serrat es muy difícil. De este poeta, compositor, cantante y excelente persona, se ha escrito todo. Te puede gustar o no pero, es indudable que es una parte importantísima de la historia de la música de este país. Un espejo en el que muchos se han mirado y un maravilloso retratista de la vida cotidiana.
De Serrat puedo recordar discos enteros por la calidad de sus canciones. Temas convertidos en himnos cantados por varias generaciones. Sus discos dedicados a Machado y M. Hernández o sus versiones de canciones populares de Latinoamérica y su extensa lista de composiciones propias están en la mente de todos.
Muchos temas de Serrat evocan agradables recuerdos. Personas, momentos especiales, vacaciones, conciertos, etc. De todas sus canciones hay una un poco especial para mí: Fiesta. Es un tema dedicado a la fiesta de San Juan de gran tradición en Cataluña. Mi primera verbena en Barcelona coincidió con la edición de esta estupenda canción. La descripción que hace Serrat de la noche de San Juan fue tan real que aún hoy cuando la escucho todavía me veo metido en aquellos saraos.
Para los amantes de este catalán universal quizá su “Mediterráneo” sea su mejor canción, la más conocida y la más universal pero yo, me quedo con: Fiesta.

Metal Guru- T. Rex
Uno de los grandes del glam rock. Rechazados por unos y aclamados por otros, fueron pioneros de este estilo. Cuando se habla de este dúo uno recuerda inmediatamente a un genio poco conocido: Marc Bolan.
El glam rock es un género musical surgido en Gran Bretaña en los inicios de la década de los setenta que escandalizó a los más puristas. Según sus protagonistas, fue una respuesta al rock psicodélico y a la falta de frescura de la música de aquellos años. Las claves del éxito del glam rock hay que buscarlas en sus letras sexuales, en la mezcla de sonidos y en la vestimenta de los protagonistas. La imagen era tan importante como la música; toda explosión visual en unos años dominados por las melenas y los atuendos con reminiscencias hippies.
Artistas como David Bowie, Loud Reed, Roxi Music, Slade, Gary Glitter, se apuntaron a la moda y grabaron excelentes discos atraídos por la estética y las exigencias del mercado. De aquella época, sus canciones e intérpretes, hubo un dúo de extravagante vestimenta que grabó estupendos temas: T. Rex.
Con una larga experiencia desde principios de los sesenta, Marc Bolan fundó T.Rex y se convirtió en lo que siempre había soñado: una estrella del rock. Los álbumes del dúo son lo mejor del glam rock. Canciones llenas de sonidos exóticos y con mucha fuerza. Muchas de sus canciones se han versionado en la actualidad con nuevos arreglos que les hacen perder el glamour y parte de la idea original. En España el legado del glam rock está muy presente en la movida. La estética de Alaska, Radio Futura, el inolvidable Tino Casal y otros, estuvo basada en aquellos pioneros que escandalizaron a los más inmovilistas.
Metal Guru es una de las canciones más conocidas de T. Rex y la más versionada de su repertorio. Es un himno del glam rock que ha sido banda sonora en varias películas y que un maravilloso cineasta como Ken Loach casi siempre lo tiene presente en sus maravillosos retratos de la vida cotidiana en Gran Bretaña.

Canciones de nuestras vidas (VII)

2009-12-14T22:24:00.000-08:00

Stone Free - Jimi Hendrix
Una de las grandes frustraciones musicales de mi vida es el “Festival de la Isla de Wight”. En agosto de 1970 se celebró en esta isla del sur del Reino Unido, el tercer festival. Desde la ciudad condal, un mes antes, se organizó una expedición de aficionados para asistir al evento musical y poder participar activamente del acontecimiento. La ilusión era tremenda; tener la oportunidad de poder ver en directo a los más grandes artistas del rock de la época nos llenaba de emoción. Seriamos participantes de un hecho histórico musical. Para nosotros era algo único.
La expedición era en barco. Una travesía difícil pero que merecía la pena por la importancia. A los expedicionarios lo único que nos importaba era llegar y sentirnos libres. No nos importaba nada más que estar presentes en el acontecimiento y ver en directo a nuestros referentes musicales: Ten Years Alter, Joni Mitchel, Leonard Cohen, Doors, Donovan… y al gran Jimi Hendrix.
¡La expedición no salió! Todas nuestras ilusiones se fueron al traste por la burocracia. Las autoridades portuarias alegaron problemas con el papeleo necesario y obligatorio y no dieron permiso a la salida del barco. Hoy día aún pienso que fue deliberado pero ¡frustraron nuestras ilusiones! La realidad fue que tuvimos que seguir conformándonos con escuchar los discos de aquellos rockeros y esperar otra oportunidad.
De aquel amargo recuerdo me quedó la canción Stone Free. Este tema salió como cara B del archiconocido Hey Joe. Es una de las canciones menos conocidas de Hendrix pero que a mí me gusta muchísimo por su tremenda fuerza e indudablemente por la extraordinaria capacidad del guitarrista. El mejor de la historia del rock junto con mano lenta, Eric Clapton.
El grupo ceutí Brisks grabó una estupenda versión de este tema de Hendrix. Su cantante Teddy Ruster demostró en esta canción sus magnificas cualidades para la música soul.

Gloria – The Them (Van Morrison)
Van Morrison es desde hace más de cuarenta años una de mis debilidades. Desde la década de los sesenta no he parado de escuchar al “león de Belfast” y hoy día sigue siendo uno de mis preferidos. Pocos intérpretes logran trasmitirme los sentimientos de este cantante.
Su extensa carrera está llena de bellas y emocionantes canciones. Son muchos los temas de Morrison que emocionan y logran hacerme olvidar todo. La lista de temas maravillosos es muy larga pero su histórica Gloria es única para mí por ser el éxito con que lo descubrí.
Gloria es una canción de su etapa como integrante del grupo The Them. Un grupo irlandés de R&B que tuvo poca vida pero con magnificas canciones. Es un tema pegadizo de gran atractivo. Es un clásico de su repertorio que le dio fama y que posteriormente fue versionado por otros grandes del rock. The Doors y Patti Smisth grabaron el tema imprimiéndole al mismo sus sellos particulares. Son dos versiones distintas a la original que consiguen darle a la canción mucha fuerza. Los dos Morrison, Van y el cantante de Doors, Jim, realizaron una jam sesión del tema durante una actuación conjunta en los Ángeles que es muy apreciada por coleccionistas. ¡Toda una joya!
Gloria tiene un significado especial para mí como padre. Era uno de los temas con que solía “adoctrinar” musicalmente a mis hijos. Vistos los resultados ¡creo que mereció la pena!

Marrakesh Express - Crosby, Stills, Nash & Young
A finales de los sesenta había una discoteca en los bajos del hotel Ulises. Después de contrastar varias informaciones he llegado a la conclusión (segura) de su nombre; era “Le Disque”. Allí pasaba las tardes de los domingos escuchando la mejor música y bailando.
En aquella época no existía el disc jockey tal como lo conocemos hoy día. La persona que ponía la música en aquella sala debía de tener gustos parecidos a los míos pues la mayoría de los temas que sonaban era de mi agrado. De aquellas canciones, una quedó grabada en mi memoria por su calidad. Era Marrakesh Express de Crosby, Stills, Nash & Young. Un tema que sonaba en todas las sesiones y que por su belleza siempre he recordado.
Graham Nash de The Hollies, David Crosby de The Byrds y Stepfhen Stills y Neil Young de Buffalo Springfield formaron este supergupo en 1968. Cuatro talentos musicales que crearon grandes canciones. Sin llegar a la perfección vocal de Beach Boys o de Hollies, CSNY fue un grupo que dejó estupendos temas. Marrakesh Express es un buen ejemplo. Hace pocos meses tuve la fortuna de asistir a un concierto de Neil Young y ¡sigue siendo uno de los grandes!

La Vie en rose– Édith Piaf
Muchos rockeros hemos estado llenos de entupidos perjuicios con respecto a otros géneros. Nos hemos considerados en posesión de la verdad. Por suerte para mí, siempre me he dejado aconsejar y he abierto mi puerta a toda clase de música. Mi descubrimiento de la chanson francesa vino a través de un gran amigo: Eloy. Él me introdujo en el mundo de: Georges Brassens, Jacques Brel, Aristide Bruant, Léo Ferré, Serge Gainsbourg, George Moustaki, Alain Souchon, Yves Montand y Edith Piaf.
Como otros muchos españoles pasaba la frontera hispano-gala cuando tenía la oportunidad para ver cine y efectuar compras de ciertos productos. El hecho de vivir en Barcelona facilitaba mucho estos viajes. Casi siempre compraba lo mismo: discos. Así pude hacerme de una estupenda colección de LP´s que tardaban mucho en llegar a España, si llegaban.
Uno de aquellos discos fue un recopilatorio de Édith Piaf. Escucharla es situarte en Paris, concretamente en el parisino barrio de Montmartre. Su La vie en rose, la más conocida de sus canciones me sitúa en un atardecer de este emblemático barrio tomando café y viendo la vida pasar lentamente. El que fue lugar de encuentro de artistas de distintas disciplinas, todavía conserva su encanto y este maravilloso tema de Editf Piaf me recuerda mi visita.

Volando voy- Kiko Veneno
Junto con Serrat y Joaquín Sabina, Kiko forma el trío de letristas más importante de las ultimas décadas en España (es mi opinión). Es muy fácil identificarse con cualquier situación y personajes de los descritos por Kiko en sus canciones. La capacidad que tiene para trasmitirte y hacerte participe de hechos cotidianos con sus composiciones, es una de sus cualidades.
Kiko Veneno es un gran desconocido. A pesar de que su nombre ha sonado y suena mucho, su extensa carrera artística es sólo valorada por los más entusiastas. Kiko ha trabajado mucho compatibilizando su devoción con la necesidad de trabajar para poder vivir; eso le ha dado una visión muy realista y cercana a las situaciones descritas en sus canciones.
Colaborador con múltiples compañeros de profesión, Kiko ha formado parte de varias formaciones históricas y pioneras. El grupo Veneno, formado con los hermanos Raimundo y Rafael Amador fue toda una innovación musical para su época. Quedó un disco del mismo nombre que es una pieza fundamental en la historia del rock en España. Otros lo recordarán como uno de los colaboradores del programa “La bola de cristal”.
Quizá el mejor ejemplo de este desconocimiento es que pocos saben que el famoso tema Volando voy es suyo. Esta canción que apareció en un LP que revolucionó el flamenco “La leyenda del tiempo” de Camarón en 1979 se ha convertido en un clásico atribuible al de la Isla pero tiene el sello de KIKO VENENO.

Canciones de nuestras vidas (VI)

2009-12-08T22:12:00.000-08:00

Keep on Chooglin – Creedence Clearwater Revival
La música de la Creedence, como la conocemos los aficionados es ¡rock directo sin aditivos! Música directa, sin ningún complemento de estudio; tres guitarras: solista, rítmica, bajo y batería y la contundente voz de John Fogerty.
La Creedence viene asociada en mi memoria con los recuerdos de un mítico bar situado en el cruce del Morro. A un lado, la parada del autobús, en el otro, el bar Avenida., justo antes de llegar al cine del mismo nombre. Este local se convirtió en un centro de reunión de muchos aficionados a la música por la extraordinaria colección musical de su máquina de discos. Aquella espléndida Jukebox satisfacía la demanda musical de los jóvenes que allí acudían y pasaban largar horas poniendo una y otra vez sus discos preferidos.
Los dueños, hermanos Palma, conocedores de la gran atracción que la música ejercía sobre los jóvenes, tenían en su Jukebox lo último del mercado. De esta manera se aseguraban el lleno de su local. La fama del bar se extendió por toda Ceuta y acudían de todos los barrios; había días de fiesta que era imposible poder entrar y la acera se llenaba de gente para escuchar la música procedente de la máquina.
Creedence tiene un tremendo repertorio lleno de grandes canciones. He elegido una de la más representativa: Keep on Chooglin es un magnifico exponente de la mezcla del rock y el country. La versión de este tema que apareció en el LP “Live in Europe”, dura 13minutos y es lo que los aficionados consideramos: UN TEMAZO.

Oda a John Lee Hooker – Johnny Rivers
La primera vez que entré en el histórico local ceutí Whisky a Go-Go, sonaba la versión más larga de "In-A-Gada-Da-Vida", el conocido tema de Iron Butterfly. Una canción que ponían en todas las salas por su enorme capacidad para lanzar gente a la pista de baile. Hoy día todavía se utiliza en muchos locales para ambientar y caldear el ambiente.
Días antes me habían traído de la península un disco que no paraba de escuchar y pedí a mi amigo que conocía a los empleados del local, que solicitase pusiesen aquella canción que tanto me atraía. Era Oda a John Lee Hooker de Johnny Rivers. La suerte quiso que tuviesen la versión en directo de 15 minutos grabada en un club llamado también Whisky a Go-Go.
Lo que me atraía y me sigue atrayendo de este estupendo tema es su ritmo machacón que hace que no puedas estarte quieto; tienes que seguir su atrayente y consistente cadencia. Para los aficionados de aquellos años, la canción se convirtió en una especie de salvoconducto de calidad. La música de Johnny Rivers era sinónimo de vanguardismo ¡cosas de juventud! El tiempo ha puesto las cosas en su sitio y ahora valoramos la música al margen de modas y alejados de entupidos perjuicios.
Oda a John Lee Hooker se ha convertido en un clásico de club. A uno de los más míticos de nuestra ciudad, el Whisky a Go-Go, va dedicado este maravilloso tema.

Sweet Jane - The Velvet Underground
Como otros muchos jóvenes aficionados al rock, hubo una etapa en mi vida en que creí aquello de ¡sexo, droga y rock and roll!
Muchos caminamos por la débil frontera que divide la realidad de la ficción y algunos amigos y muchos conocidos llevaron este lema hasta las últimas consecuencias; lamentablemente lo pagaron caro. Por suerte para mí, todo quedó en: sexo, el que he podido; la droga quedó reducida a una buena botella de vino compartida y el rock a una dosis diaria.
La música de Velvet Underground y después de Lou Reed me traslada a aquella época desmadrada. El grupo representaba el descontrol, desenfreno y aventuras sin límites. La colaboración con el excéntrico Andy Warhol daba al grupo una imagen vanguardista. Su diseño de la portada del disco “The Velvet Underground and Nico” está considerada como una de las mejores obras del movimiento pop art.
Son muchas las canciones míticas de Lou Reed, John Cale, Nico, Maureen Moe…talentos musicales que han pasado a la historia del rock. He elegido Sweet Jane, una de las más conocidas, por una razón sentimental. Era la canción preferida de uno de aquellos amigos que vivió el ¡sexo, droga y rock and roll! hasta el final: Eduardo Regué. Con él asistí a mi primer gran concierto de Lou Reed en su etapa de Glam rock.

Mi calle –Lone Star
La primera vez que fui a Barcelona era agosto. Los barrios de la ciudad condal celebraban sus fiestas y era la época de los entoldados. Cada barrio montaba su carpa para celebrar las verbenas. Allí actuaban los artistas y servía de pista de baile. El ambiente musical era tremendo.
En Ceuta había visto a varios grupos y solistas en las verbenas del Ceutí pero, al asistir por vez primera a una de aquellas fiestas de barrio en Barcelona y poder ver en directo a algunos de los mejores grupos de la época en la misma noche fue para un chico recién salido de su pequeña ciudad ¡el no va más!
Sirex, Salvajes, Gatos Negros, Cheyennes, Lone Star, etc. Todas las bandas catalanas solían actuar en aquellos entoldados convirtiendo las noches en maratones musicales. De todos aquellos grupos guardo algún momento especial; con algunos músicos compartí alguna velada y aún hoy día acudo a algunas de sus actuaciones.
De aquellos días tengo un recuerdo especial de Lone Star y su canción Mi calle. Un tema que describe perfectamente unos hechos reales que sucedían en el mismo barrio donde vivía. Una canción que marcó a toda una generación de barceloneses y se convirtió en un himno de barrio.

Mustafá- Bob Azzam
¡Aquellas tardes de fútbol en Alfonso Murube! Como otros muchos soy aficionado al fútbol y lo practiqué durante años ¡hasta los 40! En la década de los sesenta solía acudir al campo Alfonso Murube con mi padre, amigos y otras veces con Barrientos, mi entrenador en los infantiles del Imperio de Ceuta.
Chérie, te quiero,
Chérie, te adoro,
como la salsa de pomodoro…
Este conocido estribillo era un grito de guerra en el campo de fútbol. Antes de que la fiebre rockera entrara en mi vida y acaparara todo mi tiempo, los domingos, como otros chavales de mi generación, iba al estadio situado muy cerca de mi casa. Aquellos días eran de gran ebullición desde muy temprano. El ambiente futbolístico se vivía desde la mañana con las calles y bares del barrio llenas de aficionados que impacientemente esperaban la hora del encuentro.
Mi padre, gran aficionado al deporte rey, acostumbraba con otros compañeros suyos a contratar a una pequeña orquesta de músicos de origen marroquí para animar aquellos partidos de más trascendencia para el equipo de la ciudad. Mustafá de Bob Azzam es la canción del fútbol ceutí de aquellos años en segunda división. Una canción de agradables recuerdos y también de muchos enfados. En la península, cuando aficionados ceutíes la entonaban inmediatamente se oían gritos de: moros, moros…lo que provocaba el enfado de los caballas.

¡No ha cambiado mucho el asunto!

Canciones de nuestras vidas (V)

2009-11-27T01:17:00.000-08:00

Sloop John B - The Beach Boys
Uno de los discos más importante de la música rock es el álbum "Pet Sounds" de los californianos Beach Boys. Está considerada como una obra de arte. La producción, idea y concepto del LP, la introducción de sonidos inéditos en aquella época, la belleza y armonía de las voces y coros; el uso de una orquesta y el talento de Brian Wilson, dieron como resultado el mejor disco de Beach Boys.
El grupo se inspiró en el LP "Rubber Soul" (Beatles) e intentó (lo logró) realizar una obra estimulante, llena de grandes canciones y que a su vez fue el disco en el que The Beatles se inspiraron para hacer su legendario "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" según declaró el mismo Paul McCarney.
Publicado en 1966, el LP fue uno de los tres álbumes de aquel año más aclamado por los críticos por su extraordinaria calidad. Cuando se habla de The Beach Boys casi todos los aficionados recuerdan su maravillosa “Good Vibrations". Para mí la canción del descubrimiento de éste grupo fue Sloop John B. Es un tema que tiene absolutamente todo. Un maravilloso juego de voces, una magnifica instrumentación y un recuerdo imborrable de veranos en la playa con los amigos.

Mis manos en tu cintura - Adamo
Innumerables los éxitos de este italo-belga. Desde 1960 cuando participó en un concurso hasta hoy día –recientemente ha actuado en el Palau de la Música de Barcelona con lleno absoluto- Salvatore Adamo ha enamorado a muchas personas con sus canciones.
Los temas de Adamo están cargados de poesía romántica inspirados en su amor por la literatura. Sus canciones han sido traducidas a los idiomas más importantes y versionados por afamados cantantes.
En el barrio de Hadú estaba el Terramar Cinema. Un cine que daba vida al barrio y que guarda entre sus paredes sus historias. Cada día, justo antes de empezar las distintas sesiones diarias, mientras los asistentes se acomodaban en sus butacas, sonaba esta maravillosa canción de Adamo. En las sesiones de los domingos cuando el público era mayoritariamente adolescente, Mis manos en tu cintura era la canción que iniciaba una frenética carrera en busca del asiento más próximo a tu posible amor.
Es una de aquellas canciones que trae a la memoria los primeros amores; los primeros besos y el recuerdo de parte de nuestra adolescencia.

Whole Lotta Love- Led Zeppelin
Cuatro amigos dan la vuelta a la ciudad de Ceuta en el recién estrenado coche de uno de ellos. Después de subir la cuesta del Recinto y efectuar una parada, ponen la radio y sintonizan Radio Gibraltar. En la emisora suena una canción desconocida para ellos. Cuando acaba y empieza a sonar otra ¡de repente!, primero el silencio e inmediatamente las miradas se cruzan entre los cuatro amigos que se preguntan ¿qué es esto? Aquello que escuchaban por primera vez era: Whole Lotta Love de Led Zeppelín.
Desde aquel momento se produjo una acaparadora carrera –todo el día pensando en lo mismo- para saber y conseguir todo lo relacionado con Led Zeppelín. Un grupo desconocido para nosotros pero que al escucharlo por primera vez supimos que era algo nuevo y diferente.
Whole Lotta Love venía en el segundo LP del grupo "Led Zeppelin II" editado en 1969. El primer LP de la banda había salido al mercado ese mismo año. Led Zeppelín fue un grupo que abrió nuevas posibilidades al desarrollo posterior del rock. Estandarte y abanderados del Hard Rock, su fuerza sonora cautivó a aficionados y a los críticos más exigentes.
En un momento de cierta desorientación, a finales de la década de los sesenta, cuando la música buscaba nuevos caminos y las experimentaciones sonoras eran muy habituales, Led Zeppelín revolucionó el panorama del rock. Su Whole Lotta Love es un tema con más de cuarenta años pero que, demuestra que es muy difícil superarlos.

Get on Your Knees – Canarios
A principios de los años setenta tuve la suerte de poder asistir a los conciertos que durante varios días se celebraron en Barcelona en el histórico Salón Iris bajo el pomposo titulo de “Primer Festival Permanente de la Música Progresiva”. Un titulo que intentaba reunir a lo más vanguardista de la música en España.
Todos los grupos españoles importantes de la época y algunos extranjeros actuaron en aquella sala ofreciendo lo mejor de su repertorio y las novedades musicales. En este festival muchas bandas iniciaron un nuevo camino sonoro que distaba mucho de lo realizado anteriormente; fue el caso de Canarios. De todos los participantes fue el grupo que más me impresionó. Allí empezaron a investigar otras posibilidades musicales e iniciaron lo que tiempo después sería su nuevo estilo inspirado en la música clásica.
Get on Your knees fue la canción que encumbró definitivamente al grupo. Anteriormente habían tenido otros éxitos pero este tema les hizo muy populares por Europa y tuvo una magnifica acogida en Estados Unidos. La fuerza de Teddy, la instrumentación, basada en el soul y los magníficos músicos, capaces de sonar igual en directo que en el estudio, hicieron de esta canción un clásico de la historia del rock español. Canarios demostraron que en España también era posible hacer buen soul. Get on Your knees es la mejor demostración.

El preso nº 9 – Los Paquiros
Para la mayoría de los que nacimos en el populoso barrio de Hadú en las décadas de los cincuenta y sesenta del siglo pasado, la existencia del llamado “barrio de las putas” era algo normal y cotidiano; una parte más del barrio. Nos acostumbramos a ver a toda clase de personajes y a jugar por aquellas calles llenas de pequeños antros y bares con muchas historias humanas.
De aquellos locales dedicados al oficio más viejo del mundo, había varios con mucho nombre. “El Buen Gusto”, el cabaret “Constantinopla”, el bar de “La Paquita” y algún otro que el tiempo ha borrado de mi memoria. Había uno situado justo en la pequeña cuesta que empezaba en Vilches, que nos llamaba la atención pues allí trabajaba un amigo mayor que nosotros –Chicha- y al que continuamente asaltábamos con todo tipo de preguntas. Era el bar “Navalón”. En el bar sonaba constantemente la música, casi siempre flamenco o ritmos aflamencados y una canción llamaba poderosamente nuestra atención hasta el punto de que, con mucho disimulo, pues éramos menores de edad, nos situábamos en la puerta de entrada para escuchar aquel tema. Era El preso nº 9 en la versión de Los Paquiros.
De origen mexicano, ésta canción que muchos creen de Joan Báez, quien la popularizó a nivel mundial, salió en el primer disco del dúo Los Paquiros. A la pareja la acompañaba el guitarrista Manuel Molina, padre de otro Manuel que se hizo famoso formando dúo con Lole.
El preso nº 9 representaba la canción idónea para aquel sórdido ambiente supuestamente prohibido que tanto atraía a los chavales del barrio.

Canciones de nuestras vidas (IV)

2009-11-19T23:24:00.000-08:00

Blowin´ in the wind – Bob Dylan
La respuesta mi amigo, esta soplando en el viento.

La respuesta esta soplando en el viento.
Este estribillo de la popular canción de Bob Dylan es quizá uno de los más influyentes del mundo. Blowin' in the Wind venía incluida en el LP "The Freewheelin´Bob Dylan", editado el 27 de mayo de 1963. Fue su segundo disco y la explosión definitiva del cantante-poeta.
Con un maravilloso juego de palabras, Dylan consiguió convertir a ésta canción en un himno contra la guerra y a favor de la paz. Durante años ha sido utilizada como un icono pacifista en muchos países. El tema está construido con constantes interrogantes incómodos a los cuales Dylan responde: La respuesta, amigo mío, está en el viento.
Sólo con su guitarra, armónica y su voz, Dylan demostró el poder de la música. Convirtió a la denominada canción protesta en un arma poderosa que influyó en todos los ámbitos públicos, especialmente el político. Sus poesías antibélicas calaron en la sociedad de USA y fueron como una bomba que sacudió muchas conciencias. La música de Dylan traspasó rápidamente las fronteras y se convirtió en un referente mundial; una forma de expresar la rabia y disconformidad contra las injusticias.
Bob Dylan demostró y con él aprendimos que, el poder de la música es muy grande. A pesar de sus constantes cambios e incursiones religiosas, sigue siendo un referente y su Blowin´ in the wind, una maravilla.

Aquarius – Hair
La cultura hippie llevada al teatro y cine en su máxima expresión. Con más de cuarenta años de constantes representaciones, Hair se ha convertido en el máximo exponente de los musicales vigentes.
En 1967 Hair inauguró el Public Theater de Nueva York. Es una obra creada por James Rado y Gerome Ragni, dos actores que la escribieron basándose en sus experiencias personales. Desde su creación ha venido representándose en distintas capitales del mundo interrumpidamente. En 1979 se hizo la versión cinematográfica con gran éxito.
En Hair, un grupo de jóvenes expresa sin tapujos sus inquietudes contra la guerra de Vietnam, la revolución sexual y su lucha contra el conservadurismo de sus padres. En sus primeras funciones, la obra escandalizó a muchos por el uso de la bandera de Estados Unidos y especialmente por una escena de desnudo integral de los actores.
Vi la obra por primera vez en Barcelona y últimamente se ha vuelto a representar en la ciudad condal con gran participación. Los asistentes al teatro son invitados por los actores a unirse al desnudo integral, cosas que muchos hacen.
Muchas de las canciones de Hair se han convertido en himnos del movimiento pacifista. Aquarius es una de ellas, quizá la más representativa.

House of the ring sun – The Animals
Existen varias teorías sobre el origen de ésta canción. De Orleáns, de origen inglés, escrita por dos americanos de Kentucky, etc. Lo cierto es que la versión que fue un éxito mundial fue la de Animals. La grabación más antigua que se conoce es la de Clarence Ashley y Gwen Foster en 1934. Desde aquella lejana fecha, la canción ha sido grabada por numerosos cantantes, grupos y en muchos idiomas, convirtiéndose en uno de los clásicos más conocido e interpretado.
House of the ring sun era un tema obligado a la hora de bailar “agarrados” en todos los guateques. En España, el grupo barcelonés Lone Star realizó una magnifica versión en castellano que consiguió vender más copias que la de Animals,.
Grabada en 1964, la versión del grupo inglés es arrolladora por las innovaciones que el grupo introdujo a la hora de interpretarla; por la voz de su cantante, Eric Burdon - un blanco con voz de negro- y, por el inconfundible órgano de Alan Price.
House of the ring sun está considerada como el primer gran éxito del folk rock. Es una de aquellas canciones que uno nunca olvida.

No nos moverán – Joan Báez
En las décadas de los setenta y ochenta el movimiento vecinal en Barcelona tuvo una gran capacidad de movilización. Gracias a las asociaciones de vecinos, en la ciudad condal se construyeron muchos equipamientos básicos: escuelas, guarderías, semáforos, paralización de obras no adecuadas para existir en la ciudad, etc. La fuerte presión vecinal y el alto grado de implicación de muchos vecinos hicieron posible la consecución de estos equipamientos al margen de los partidos políticos incapaces de preocuparse más que de las elecciones.
La cantante de voz potente y con una utilización prodigiosa para dramatizar, convirtió a su No nos moverán en el himno de estas movilizaciones. Su famoso estribillo era la consigna para que nadie abandonara las manifestaciones ni diera un paso atrás. Convertida en un icono de todo tipo de protestas, la canción traspasó las fronteras y fue y es utilizada hoy en protestas estudiantiles y obreras.
Joan Báez es una de las figuras más importantes de la llamada canción comprometida y difusora del folclore tradicional. Toda su vida ha estado marcada por su implicación en defensa de los derechos más elementales. Libertades, emancipación de las mujeres, defensa de la naturaleza y animales etc.
No nos moverán es una de aquellas canciones que siempre nos acompañará como recordatorio de algo bello: la lucha por conseguir un mundo mejor.

Ob-La-Di, Ob-La-Da - The Beatles
Una de las canciones más comerciales de los cuatro de Liverpool. Perteneciente al LP "White Álbum", de triste recuerdo para los seguidores del grupo, la canción ha tenido múltiples versiones y con toda clase de ritmos hasta convertirse en un clásico de Beatles.
Para el siempre añorado barrio de Hadú, Ob-La-Di, Ob-La-Da tiene un significado especial. Allí existía una pequeña emisora que tenía instalado un altavoz justo en la esquina del bar California. Todas las tardes emitía anuncios y algunas canciones que sonaban en la calle Teniente Coronel Gautier y que han quedado grabadas en el recuerdo de cuantos allí vivíamos en aquellos años. Radio Faraday con el inolvidable Bayona al frente, nos entretenía y alegraba buenos momentos en aquellas tardes.
La emisora radiaba la canción de Beatles en la versión realizada por el grupo escocés The Marmalade. Fue una de las pocas veces que una canción de Beatles alcanzó lo más alto de las listas inglesas en una versión distinta a la original. El grupo escocés logró un gran éxito con ésta canción y se hicieron muy populares; más tarde tendrían otro gran hit con Reflections of my life.
Ob-La-Di, Ob-La-Da representa el recuerdo entrañable de una época juvenil de plena convivencia en un barrio con muchas historias.

Libertad sin ira- Jarcha
¡Símbolo musical de la democracia! Desde 1976 ésta canción ha vivido en la polémica. En octubre de aquel año la canción fue prohibida cuando el periódico Diario 16 la quiso utilizar como eslogan en su salida. En fecha aún cercana el PP la ha usado para cerrar una de sus manifestaciones contra el gobierno; Juan José Oña, uno de los fundadores del grupo lamentaba la utilización partidista y lo denunciaba así: es una canción que se hizo para la concordia, y no para arrojarnos unos contra otros.
Jarcha es un grupo onubense creado a principios de los setenta. Poemas musicados de Miguel Hernández, Blas de Otero, Rafael Alberti, Federico García Lorca y Eduardo A. Heyer entre otros, componen parte de su repertorio además de composiciones propias con contenido social. Dar a conocer canciones populares, especialmente de Andalucía, ha sido tradicionalmente otra de sus preocupaciones.
Libertad sin ira representa para muchos la Transición. Se convirtió en el himno no oficial de aquel momento histórico. Su letra refleja el sentir de muchos españoles ansiosos de libertades.
Si uno escucha o lee detenidamente la letra de Libertad sin ira puede comprobar como hoy día es válida.
A pesar de su utilización política, la canción es una joya de nuestra historia.

Canciones de nuestras vidas (III)

2009-11-10T00:28:00.000-08:00

I Can´t Get No-Satisfaction- Rolling Stones
Además de Beatles también existían (existen) The Rolling Stones. Ellos representaban el lado oscuro del rock: sexo, droga y rock and roll. Los intereses discográficos de la época los presentaban como enfrentados a los cuatro de Liverpool pero en realidad eran amigos de juergas. The Beatles participaron en grabaciones de The Rolling Stones y viceversa. Uno de los primeros éxitos del grupo londinense fue una canción cedida por Lennon&McCartney: “Iwann be your man”.
Aquella supuesta rivalidad también llegó a los fans. En Ceuta había dos grupos, uno de cada banda. Aquél enfrentamiento se traducía en hechos cotidianos: cómo vestirse, comportarse y en entupidas discusiones sobre quienes eran más buenos. El tiempo ha demostrado que ambos son perfectamente compatibles y necesarios.
I Can't Get No – Satisfaction fue editada en 1965 y significó el encumbramiento definitivo de Rolling Stones. El riff de esta canción es el más famoso e imitado de la historia del rock. La letra, con referencias a las relaciones sexuales, la frustración adolescente y al sistema, caló rápidamente entre los jóvenes que se sintieron plenamente identificados con ella.
La Biblioteca del Congreso de EE.UU. la incluyó en 2006 en el Registro Nacional de Grabaciones por su significado histórico y cultural. Otis Redding, Aretha Franklin, Devo, y en España, Los Salvajes, han realizado personalísimas versiones de éste universal tema.

María Cristina – The Brisks
En el verano de 1965, ésta canción grabada por el grupo ceutí The Brisks se convirtió en todo un éxito y en Ceuta fue la canción del año.
El grupo ceutí la adaptó a los ritmos modernos y consiguió hacerla popular en España. La canción sonaba en todas las fiestas y guateques de la ciudad. Su versión y el contenido de su letra invitan a la diversión más espontánea. María Cristina fue el tema más utilizado en aquél verano como símbolo de poder en las relaciones
juveniles. Su famoso estribillo: María Cristina me quiere gobernar…se cantaba para provocar al “otro”.
María Cristina es una guaracha cubana cuyo autor es Ñico Saquito. En Cuba es un clásico que ha sido cantada por grandes músicos como La Vieja Trova Santiaguera. Mario Moreno Cantinflas la incluyó en su película El Bombero Atómico.
En la década de los noventa, Los Brisks grabaron una nueva versión del tema con letra en contra del consumo de drogas.
En la actualidad, la canción, con otra letra, se ha convertido en una canción protesta adaptada por sectores disidentes cubanos.

Soy así –Los Salvajes
Toda una declaración de principios es el tema Soy así. Llamados los Rolling Stones españoles, Los Salvajes eran lo opuesto a Los Sirex y Mustang; dos de los grupos más representativos de Cataluña y España.
Fue un grupo que se especializó en hacer versiones de The Rolling Stones y otros grupos británicos como Animals, Spencer Davis Group y Who. En sus discos incluían canciones propias como: Es la edad, Las ovejitas y Soy así, una de sus canciones más emblemáticas y una expresión de rebeldía y afirmación.
La canción Soy así se convirtió en un himno juvenil que ha pasado a la historia de la música española como un desafío a las estrictas normas imperantes en aquellos años.
Para mí, este tema tiene un significado especial. Su letra es el fiel retrato de un amigo ya desaparecido: Bolorino. Amigo que me introdujo y acercó a todos estos músicos con los cuales compartimos momentos maravillosos.

Il est cinq heures Paris s´èveille – Jacques Dutronc
Este gran desconocido es uno de los grandes de la canción francesa. Adquirió fama internacional por la interpretación de la canción Il est cinq heures, París s'éveille (Son las cinco de la mañana, París despierta). Tema que se convirtió en el símbolo musical de mayo del 68.
El pasado año se cumplieron cuarenta años de aquél histórico mayo. La canción de Jacques Lanzmann, interpretada por Jacques Dutronc fue el himno de los estudiantes en las calles de Paris. Il est cinq heures, París s'éveille se ha convertido en un icono cultural de aquellos días que agitaron Francia.
Con una extensa carrera como cantante y actor, le llegó el reconocimiento de la crítica en 1968 con esta canción. Dos años antes, en 1966, grabó su primer disco, alternado actuaciones en teatros con sus intervenciones en el cine y su trabajo como director de una compañía discográfica. Una extensa carrera que sigue hoy día.
Con el paso de los años ésta canción representa lo que pudo ser y no fue. Una fecha histórica que se quedó en eso: historia.
Pata Pata – Miriam Makeba
La gran dama de la canción africana o la mamá de África como era conocida en el mundo. Pata Pata es todo un clásico de las discotecas desde 1967, año de su publicación.
Comprometida con la defensa de los derechos civiles y contra todo tipo de racismo; vivió exiliada la mayor parte de su vida. Vigente el apartheid en su país, Sudáfrica, se convirtió en un icono por su constante lucha en pro de la igualdad. Su compromiso político le obligó a dejar Estados Unidos por las presiones del FBI. Trasladó su residencia a Guinea Conakry desde donde viajó constantemente por todo el mundo llevando por los escenarios las tradiciones de su tierra. Su arrolladora voz cautivaba a cuantos la escuchaban.
Pata Pata es una danza popular que Miriam Makeba popularizó y convirtió en un éxito mundial. Fue el primer gran bombazo de música africana a nivel internacional. Y la canción que la hizo popular. Con una extensa carrera desde muy joven, Miriam volvió a su país en 1990 después de la salida de la cárcel de Nelson Mandela.
Escuchar de nuevo Pata Pata es un pequeño homenaje a una gran luchadora por los derechos más elementales. Miriam Makeba murió en Castel Volturno (Italia) tras participar en un concierto contra el racismo y la mafia.

Y sin embargo te quiero - Juanita Reina
El desaparecido Manolo Vázquez Montalbán, gran aficionado y autor de numerosos trabajos sobre la copla la definía así en su “Cancionero general del franquismo”: la caja negra de la emoción de España. En una conferencia sobre el tema, al preguntarle por el significado de la copla, M. Vázquez respondió: Ningún escritor ha sabido captar con tanta intensidad y emoción lo que supuso la copla para un pueblo como el español, sumido en la miseria, como las letras de estas populares canciones.
He elegido ésta versión de las muchas que existen por cuestiones emocionales. La canción de Antonio Quintero, Rafael de León y Manuel Quiroga, es una de las más importantes del cancionero español. Todas las grandes de la copla han hecho su particular versión de éste popular tema pero, para mí, ninguna iguala a la interpretación realizada por la dama de la canción: Juanita Reina, la Montserrat de la copla como se la conocía en determinados círculos.
Cuando a un sevillano aficionado a la copla se le decía que Concha Piquer cantaba mejor, solía responder: es verdad pero, nuestra Juanita canta con más sentimiento que es lo importante. Sentimiento era lo que expresaba Juanita Reina cuando interpretaba; sentimientos del pueblo; sentimientos de la vida cotidiana; sentimientos de alegrías y penurias.
Recuperada la democracia y liberada la copla de los estigmas del franquismo, el género se recuperó y adquirió la dimensión histórica que se merece. Ambas cosas, la copla y Juanita Reina forman parte de nosotros.

Canciones de nuestras vidas (II)

2009-11-01T09:56:00.000-08:00

What´d I Say – Ray Charles
Cuando Ray Charles compuso esta canción y empezó cantarla para alargar sus actuaciones allá por finales de los cincuenta, había serios reparos por parte de los productores discográficos para grabarla debido a su duración pero especialmente por ser considerada muy atrevida. La puritana sociedad americana de la época se escandalizaba de la mayoría de los cantantes de color por considerarlos provocativos en materia sexual.
Grabada en 1959, What¨d I Say es considerada como el inicio del Soul. La canción es una mezcla de R&B y Pop. Con un arrollador comienzo del piano eléctrico y con las coristas siguiendo el trepidante ritmo, la dura y estremecedora voz de Ray Charles se apodera del tiempo y contagia a todos. Para muchos la canción supone el descubrimiento de la música de color vetada en las grandes emisoras americanas de aquellos años.
Se han hecho muchas versiones de What¨d I Say pero ninguna ha conseguido superar a la original. Posiblemente es porque Ray Charles es insuperable e inigualable. Es una de aquellas canciones que conviene escuchar y comprobar como a pesar de los años no ha envejecido y mantiene todo su poderío.

Cuando calienta el sol -Hermanos Rigual

¿Quién no tiene entre sus recuerdos más apreciados un verano asociado a ésta melodía? No es, ni lo fue nunca, la típica canción del verano pero indudablemente va ligada al periodo estival.
Su autor fue el músico nicaragüense Rafael Gastón quién por necesidad la vendió por poco dinero. En 1961 los cubanos Hermanos Rigual la grabaron convirtiéndose con rapidez en todo un himno veraniego. Su letra, ritmo pausado y la estupenda interpretación del trío Rigual han convertido a la canción en intemporal. Considerada como el primer rock lento en español, Cuando calienta el sol es una de las canciones que más versiones tiene.
Cuando uno escucha la melodía se traslada a aquellos veranos de los primeros escarceos amorosos, viejos amigos y aventuras inocentes. Bailes en el Ceutí, ferias y guateques. Es una canción que te hace recuperar momentos no perdidos pero casi olvidados. Gracias a Cuando calienta el sol, podemos recuperarlos.
Para los amantes de la canción hay dos magnificas versiones que se salen de lo normal. El cantante de opera Helmut Lotti ha grabado una estupenda interpretación reforzada por su extraordinaria voz y una rara versión, sólo musical, de una violinista japonesa que le da una gran fuerza a la canción.

La Bamba – Ritchie Valens
Pocas personas habrán resistido alguna vez seguir el contagioso ritmo al escuchar La Bamba. Es una de aquellas canciones grabada en la memoria colectiva y que sirve para todo tipo de actos. Todo un clásico.
Ritchie Valens nació en la región de Los Angeles y creció escuchando música mexicana, nacionalidad de sus padres. Está considerado como uno de los pioneros del llamado rock chicano o latino que años después popularizó Carlos Santana. A pesar de su corta vida, murió en un accidente aéreo en 1959, tuvo varios éxitos y dejó para la historia de la música su adaptación al rock de una canción popular mexicana grabada en 1958: La Bamba.
Es una canción que nos traslada a toda clase de fiestas. Su enorme fuerza nos contagia alegría y ayuda a desinhibirnos. La Bamba ha tenido muchas versiones con distintas letras. José Feliciano, Raphael, Helmut Lotti, Trini López, Rory Gallagher, etc., han grabado el tema. De todas las versiones existentes hay dos que sobresalen: la original de Ritchie Valens y una del grupo de rock latino Los Lobos que consiguieron dar a la canción una nueva vida al introducir y grabarla con sonidos innovadores.

Capri c´est fini – Hervé Vilard
Es la típica canción romántica que todos recordamos. Imposible un guateque o baile sin ésta bella melodía. Es uno de aquellos temas asociado a las primeras atracciones físicas y al despertar sexual.
La vida de éste cantante francés no fue nada fácil. Criado en un orfanato, saltó a la fama apadrinado por la cantante Dalida. La canción está inspirada en un cartel publicitario de la ciudad de Capri. El tema convirtió a Hervé Vilard en el cantante de moda junto a Salvatore Adamo. Ambos representaron lo más romántico de la canción francesa de la década de los sesenta. Capri c´est fini traspasó rápidamente las fronteras y fue un hit internacional traduciéndose a varios idiomas. Artistas consagrados de fama internacional grabaron versiones de la canción. Gloria Lasso grabó una en castellano muy apreciada por coleccionistas. En Ceuta, un cantante llamado Larbi que solía actuar en el Centro Cultural Artístico Recreativo de Hadú, se hizo muy popular por su interpretación personalísima de la canción.
A pesar de tener más de cuarenta años, la canción sigue siendo fija en todo tipo de programas dedicados a la historia de la música.

I Should Have Knowm Better – The Beatles
¡Nos cambió la vida! Su música fue el nacimiento de algo grande dentro de nosotros. Poco a poco –aquél país no daba para más- la magia de Beatles nos atrapó y nos cambió la vida. La alegría, frescura y la rebeldía de sus cuatro componentes fueron algo tan grande que ya nunca fuimos los mismos.
No fue el primer éxito de los chicos de Liverpool pero si uno de los que más repercusión mediática tuvo al ir incluido en el álbum y película: “A hard day´s night” -¡Qué noche la de aquél día!- La película con la inclusión de la banda sonara del disco supuso todo un bombazo cinematográfico. En film representó la irrupción en el cine del rompimiento de las normas de la mano del rock and roll. Toda una generación se sintió definida por la película. Nació la beatlemanía.
La canción y todo el LP fueron el lanzamiento definitivo a nivel mundial de The Beatles. Publicado en 1964, era el tercer LP del grupo, el disco incluye sólo composiciones propias, algo que no ocurrió en los dos discos anteriores. Son treces canciones convertidas en clásicas del rock.
He elegido I Should Have Knowm Better por cuestiones personales. Un grupo de amigos, fanáticos de Beatles, compusimos una letra para la canción. Era una letra dedicada a un amigo del barrio de Hadú –Bernardino- quién dueño de un carrillo, nos permitía enchufar el tocadiscos y poder escuchar colectivamente los discos. Esos mismos locos por la música, nos tragábamos las cuatro sesiones cinematográficas, seguidas, de la película.
Para muchos de nosotros The Beatles significó el descubrimiento de que la música te podía cambiar la vida. Significó el descubrimiento de que el mundo podía mejorarse y cambiarse. Significó que los jóvenes de todo el mundo tuvieran algo común y compartido.
Desgraciadamente, el monstruo de la industria se ha tragado y domesticado el espíritu rebelde del rock and roll.

BANDA SONORA

2009-10-25T10:37:00.000-07:00

Canciones de nuestras vidas (I)

No voy a descubrir nada nuevo si digo que la mayoría de nuestros recuerdos más importantes casi siempre vienen asociados a la música. La banda sonara de nuestras vidas tiene nombres propios: canciones que por un motivo u otro nos hacen volver a sentir y vivir aquellos momentos que están grabados para siempre en nuestra memoria.
Un reciente estudio sobre el Alzheimer nos dice que la pérdida progresiva de memoria puede frenarse en parte gracias al poder evocador de recuerdos que tiene la música. Este estudio demuestra el poder de la música sobre nosotros. El hecho de escuchar una determinada canción puede cambiarnos el estado de ánimo y hacer que volvamos a recuperar determinados momentos supuestamente olvidados.
Decía Piotr Ilich Chaikovski:
“En verdad, si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco"
Quizá es un poco exagerado pero ¿qué sería de nosotros sin nuestra personal banda sonora? Amigos, amores, familiares, viajes, etc., todos nuestros más profundos recuerdos están asociados a una banda sonora que les da fuerza y los hace aflorar de una manera intensa. Todas las etapas de nuestras vidas, alegres o tristes, tienen nombres propios ligados a la música.
Desde estas páginas les voy a proponer un intenso y emocionante viaje musical a través del tiempo. La recuperación de una serie de canciones que forman nuestra banda sonora y digo nuestra porque creo que hay canciones que por su significado e importancia forman parte de nuestras vidas. Un viaje que no tiene edad ni género. Canciones de todo tipo. Canciones que por motivos dispares han quedado grabadas en la memoria colectiva de una gran mayoría. Canciones intemporales pero con la capacidad de sacar nuestros más apreciados recuerdos y hacer que volvamos a emocionarnos.
Las canciones aquí citadas son una parte importante del recuerdo colectivo de varias generaciones. No son ni las mejores ni las más bonitas ni seguirán ningún patrón cronológico ni ningún estilo en particular; las habrá de todos los géneros porque, sin duda alguna, son trozos de cada uno. Estas canciones que desde hoy traigo a las páginas del Faro espero, deseo y estoy seguro de que les traerán, amigos lectores, grandes recuerdos. Algunos buenos, otros malos pero todos, les harán rememorar momentos de sus vidas y espero que disfruten y vuelvan a escuchar estas canciones.

Quiéreme siempre – Los Cinco Latinos
Allá por la década de los cincuenta un grupo argentino se adueño de las ondas radiofónicas de habla hispana. Su fuerza vocal al estilo de The Platters convirtió a Los Cinco Latinos en el grupo más famoso de aquellos tiempos. Su extraordinaria calidad hizo que estos cinco músicos se pasearan por todo el mundo cantando en español. Formado por cuatro hombres y una magnifica voz femenina, Estela Raval, Los Cinco Latinos tuvieron muchos éxitos inolvidables. Su época dorada fue en los cincuenta y sesenta con varios cambios en su formación original hasta su separación a principios de los setenta. En 1982 volvieron a juntarse con motivo de la celebración del Mundial de Fútbol. De todas sus maravillosas canciones quiero recordar una que fue uno de sus mayores éxitos. Se han realizado muchas versiones de esta canción pero ninguna ha logrado igualar la maravillosa interpretación de Estela Raval: Quiéreme siempre. Incluida en su álbum Maravilloso, Maravilloso, este tema les dio fama internacional convirtiéndose en una de aquellas canciones recordada por varias generaciones. Quiéreme siempre nos transporta al ámbito familiar; es una canción de nuestros padres e incluso de nuestros hermanos-as mayores en sus primeros escarceos amorosos.

El emigrante -Juanito Valderrama
¿Qué decir del gran Juanito Valderrama? Una vez superados los perjuicios que el franquismo echó sobre la copla y reivindicado por personajes cómo Serrat o Vázquez Montalbán, hay que recordar a éste artista de la canción popular que con sus canciones hizo más llevadera la vida en aquella gris España de la posguerra.
De Juanito Valderrama es muy difícil elegir una sola canción. Son muchísimas las que pertenecen a la memoria colectiva y cada persona tiene la suya pues sus canciones son un excelente retrato de la vida cotidiana, pero sin duda alguna, por su tremendo impacto y significado, El emigrante es un valioso testimonio sonoro de inolvidables recuerdos para muchas personas.
Pensada originalmente como un homenaje a los miles de españoles que tuvieron que abandonar España después de la derrota republicana, –Juanito Valderrama fue soldado republicano- la canción, suavizada la letra por la censura, se convirtió en todo un himno para los españoles que marcharon lejos para buscar un medio de vida. ¿Quién no tenía un familiar lejos? Valderrama fue el rey de los programas de discos dedicados. En aquellos años en que la radio era una excelente compañía y uno de los escasos placeres cotidianos de las clases humildes, Juanito se convirtió en un ídolo. Con el paso de los años, Valderrama y la canción han adquirido la dimensión histórica que ambos merecen.

Venecia sin ti –Charles Aznavour
Durante su extensa vida artística Charles Aznavour nos ha deleitado con toda una colección de canciones maravillosas. Recordar aquí su extensa discográfica es misión imposible. Venecia es una ciudad con un gran poder de atracción para numerosas parejas por su magia de hacer realidad sus ilusiones. Es una ciudad que representa el amor, con todos los tópicos posibles pero, que hace feliz a la gente.
Venecia sin ti de Charles Aznavour es una canción que en sus escasos dos minutos y medio nos llena de emoción. Es un tema para cualquier época y que no tiene edad. Una canción que enamoró a muchas personas y que se ha convertido en un clásico.
Recuerdo al maestro Pedro Alemany (Orquesta Ceutí) sentado al piano en su casa tocando esta canción. Todos los adolescentes, amigos de la familia, nos quedábamos embobados al escucharlo interpretar su particular versión.

Tú serás mi baby – Les Surfs
Los grupos femeninos americanos alcanzaron gran popularidad por sus excelentes voces y magnificas canciones. Uno de aquellos grupos importantes de la denominada factoría Phil Spector fue The Ronettes. Tres chicas de color que tuvieron un enorme éxito mundial. Una de aquellas canciones fue Be my baby. Traducida al español como Tú serás mi baby se hizo muy popular en la versión de un grupo de origen malgache, Les Surfs.
Compuesto por cuatro hermanos y dos hermanas, Les Surfs conquistaron a los jóvenes de aquellos años y su magnifica versión de la canción de The Ronettes fue la estrella de las fiestas estudiantiles. Impensable una fiesta de Santo Tomás sin la pegadiza y arrebatadora canción.
Pueblos de todo el mundo han utilizado la música como terapia para curar, calmar y subir el ánimo de las personas. La música tiene el poder de hacernos sentir vivos, sólo queda que cada uno sepa apreciarla y disfrutarla en el momento justo.

LA GRAN MENTIRA

2007-04-16T05:42:00.000-07:00

La Gran Mentira

No es el titulo de ninguna película ni nada por el estilo, es otra más de las mentiras que acostumbra a realizar el gobierno del Sr. Vivas.
Pasada la Semana Santa y con la cabeza fría, relato el desengaño que muchos ceutíes, socios de distintas Casas de Ceuta ubicadas en la península, hemos padecido con nuestro viaje a Ceuta.
Durante la pasada feria de turismo internacional celebrada en Madrid, Fitur, la Viceconsejería de Turismo anunció a bombo y platillo el “convenio” firmado con la naviera Buquebús mediante el cual todos los ceutíes socios de Casas de Ceuta podían cruzar el estrecho en esta naviera a un módico precio, de manera colectiva o individual. TODO MENTIRA.
Uno llega al puerto de Algeciras todo ilusionado y contento pensando que por fin se ha logrado un acuerdo después de años de ruegos, peticiones, etc. Se acerca a la correspondiente ventanilla y después de darse a conocer y explicar el convenio citado, pide los correspondientes billetes. El señor de la ventanilla te mira y te contesta con amabilidad que no tiene ni idea de ese acuerdo. Con paciencia, le explicamos lo que nos han vendido: en plena era de la informática sólo hay que apretar una tecla para que aparezca en la pantalla nuestro DNI, el cual ha sido previamente enviado por la correspondiente Casa como prueba de que somos socios en activo. El señor de la ventanilla nos vuelve a repetir que no tiene ni idea de lo que solicitamos y uno tiene la sensación de estar haciendo el ridículo.
Si queremos viajar a Ceuta hemos de abonar el billete completo (no residente) o dar marcha atrás y con el enfado a cuestas y con una terrible sensación de haber sido engañados, dirigirnos hacia otros lugares.
Durante Fitur se vendió este convenio como un gran logro. Muchos ceutíes residentes en la península pensamos que si la política del Sr. Vivas está basada en mentiras, suerte tiene que no podemos votar en Ceuta. Puede estar seguro de que no le votaríamos. Mentiras como estas nos alejan de nuestra ciudad de origen y dirigentes como el Sr. alcalde, político con buena imagen pero pésima política social, nos hacen dudar de esa fama de buen gobernante.
Si el Viceconsejero o el propio Alcalde pueden demostrar que esto no es cierto, por favor, que lo desmientan y que demuestren que el convenio es VERDAD.

Publicado en el Faro de Ceuta el 17 -4- 2007

El mismo rasero

2006-10-04T23:48:00.000-07:00

Como consecuencia de las opiniones y comentarios relacionados con el asunto de la entrega de coches a Marruecos he oído muchas llamadas a la “patria” a la “bandera” y no se cuantas inflamas más. Esto me ha hecho reflexionar en como por coincidencias políticas con las derechas, muchos no tratan por el mismo rasero histórico a las izquierdas y a las derechas respecto a Ceuta.
Tengo que reconocer la enorme capacidad y habilidad que siempre han tenido y tienen las derechas para aparecer como las únicas abanderadas de la defensa de la españolidad de Ceuta y Melilla pero, los hechos y dichos están en los libros y en las hemerotecas y desmienten categóricamente todos los intentos de ser poseedores de nada. Los hechos demuestran como las derechas han sabido manipular los acontecimientos cuando han sido ellas, las únicas culpables de los hechos y dichos que a continuación cito.
-En América y Asia en 1898 por los acuerdos de Paris y después de la llamada guerra Hispano-estadounidense, EE.UU. se queda con las posesiones de: Cuba, Filipinas, Puerto Rico y Guam. Posesiones que bajo un falso patriotismo encubrían los intereses de la oligarquía española de la época y que, con la única intención de preservarlos, llevó a España a una guerra perdida de antemano. Estos señores no eran de izquierdas.
-En África voy a citar sólo el asunto del Sahara. En 1975 se firman los Acuerdos de Madrid por los cuales se realiza la vergonzosa entrega del Sahara a Marruecos. No está tan lejana la fecha para recordar a los protagonistas de los hechos. Todos franquistas y muy patrioteros. Estos señores no eran de izquierdas. ¿Alguien se acuerda de los intereses económicos de Solís y el rey de Marruecos?
-En 2002 se produce la crisis del Perejil. Los Sres. Aznar y Trillo se pusieron el uniforme militar, llamaron a filas y… llegó EE.UU. y se acabó toda parafernalia.

Muchos fueron los artículos escritos en aquellos días. En Ceuta se realzaron especialmente los que negaban la españolidad del islote; especialmente los escritos por periodistas, políticos o historiadores proclives a las izquierdas. Nadie recordó al militar ceutí Manuel Lería y Ortiz de Saracho. Este abogado y militar ceutí, nada sospechoso de ser militante de izquierda y que ha defendido a Ceuta en varios frentes, prensa y televisión, dice en la página nº 186 de su libro: Ceuta y Melilla en la polémica: La isla en cuestión no es española. Es marroquí. El Sr. Lería realiza a continuación una pequeña pero explicita y clara explicación de por que la isla no es española. No se recordó esta cita por ¿olvido u omisión deliberada?

Hubo otros destacados ceutíes que ya habían puesto el grito en el cielo y advertido de esta incongruencia durante la redacción del proyecto de estatuto de Ceuta. En un primer momento se intentó incluir a la isla como parte del territorio municipal. La cordura y la sensatez lo impidieron.

Es evidente que Ceuta y Melilla no son colonias sino ciudades españolas de pleno derecho eternamente reivindicadas por Marruecos. Eso no evita que muchos políticos, historiadores, etc., no las traten como tales. He aquí algunas perlas.

Durante la dictadura de Primo de Rivera, este militar no tuvo ningún reparo en intentar canjear a Ceuta por Gibraltar. Tampoco este señor era militante de la izquierda. Presumía de ser muy católico y muy español.

En 2003 salió publicado el libro del militante del PSOE Máximo Cajal. No creo necesario recordar la que se armó. Hasta el Sr. Vivas intentó retirarlo de las librerías. Este militante de izquierda decía en su libro exactamente lo mismo, con otras palabras, que ese icono del franquismo y de la derecha Fraga Iribarne escribió muchos años antes en el Libro Blanco por la Reforma Democrática: Cuando España recupere Gibraltar, tendremos que devolver a Marruecos las ciudades de Ceuta y Melilla. Cuando le advirtieron de la reacción en ambas ciudades trató se suavizarlo poniéndose unos tirantes con la bandera de España y ofreciendo la última gota de su sangre para defender a las dos ciudades. Patético y ridículo. El Ayuntamiento de Melilla le retiró la Medalla de Oro de la ciudad.

Podría citar más ejemplos de políticos de las derechas que han realizados declaraciones en contra de Ceuta (aquí en Catalunya hay un buen ramillete de ellos) pero, no trato de justificar a nada ni a nadie pero, los hechos demuestran que a las derechas sólo les preocupan sus intereses económicos hábilmente disfrazados de un falso patriotismo. Mi intención es recordar que los agravios vienen de todos sitios y de todos los signos políticos no sólo de las izquierdas como algunos tratan de hacer ver.

Ningún grupo político tiene en propiedad la españolidad de la ciudad. Nadie tiene el patrimonio de defender o atacar a Ceuta. Ningún partido político puede ni debe convertirse en abanderado exclusivo de estas causas. La historia se puede volver contra ellos.

Publicado en el Faro de Ceuta el 4 de octubre de 2006

La religión como barrera

2006-09-25T08:22:00.000-07:00

En septiembre de 2001, la asociación ceutí SEPTEM NOSTRA publicó en el Faro de Ceuta un excelente artículo titulado “Hacia la recomposición de la identidad colectiva”.
En el mencionado artículo y después de definir su opinión de pueblo, la asociación realizaba una reflexión del sentir ceutí de las distintas comunidades que viven en la ciudad.
El hecho de que no todas se identifiquen con la historia de la ciudad, no sientan su pertenencia a la tierra que los ha visto nacer y que no se sientan identificadas de igual manera con sus monumentos, costumbres, fiestas, etc., significa que algo importante falla. En ese algo que falla un papel muy importante es religioso.
Mi experiencia personal como responsable de distintos cargos en distintas juntas de la Casa de Ceuta en Barcelona me ha llevado a la conclusión de que la Casa de Ceuta en la ciudad condal - no la hago extensible a las demás Casas de Ceuta en la Península por desconocer sus listados de afiliados- tiene el mismo problema que la propia ciudad.
¿Saben cuántos asociados de confesión musulmana, hebrea o hindú hay? NINGUNO. ¿Es esto normal, presumiendo de cuatro culturas? Evidentemente no.
Aquellos que me conocen saben que siempre he intentado quitar el nombre de Virgen de África de la Casa de Ceuta en Barcelona. La razón es bien sencilla. La Casa de Ceuta no es un centro religioso.
La Casa de Ceuta debe de ser un centro abierto sin ninguna adscripción política ni religiosa. Un centro donde quepa todo pero no se imponga nada. Un centro donde las festividades religiosas se celebren (si así lo desean los socios) pero nunca de manera oficial. Un centro donde todos se sientan respetados y nadie se tenga que ausentar en determinadas fechas para no participar en determinados actos religiosos.
Se me ha argumentado muchas veces que determinadas celebraciones son parte de la historia de la ciudad. Totalmente de acuerdo pero, la Casa no está en Ceuta, está en Barcelona y no puede vivir eternamente de la nostalgia. Si quiere tener futuro y convertirse de verdad en algo representativo de la ciudad en Barcelona, no puede ser un centro con tan fuerte contenido religioso.
¿Por qué razón la mayoría de celebraciones tiene un componente religioso? ¿Por qué razón el Día de Ceuta en Barcelona se inicia con una misa rociera?
¿Se imaginan que se hagan socios personas de otras confesiones religiosas (las existentes en la ciudad) y pidan celebrar sus fiestas religiosas? ¿Cómo reaccionaría el resto de socios?
El hecho de quitar el nombre de Virgen de África no es una cuestión religiosa. Es una cuestión de respeto hacia los demás y nunca ha de ser un impedimento.
La propia Constitución Española lo dice: ESTADO ACONFESIONAL. Eso ha de ser la Casa de Ceuta: ACONFESIONAL. Un centro donde todas las creencias tengan su sitio pero ninguna sea oficial.
Queda otra salida que quizás tenga muchos adeptos: que la Casa de Ceuta se declare oficialmente cristiana.

Publicado en el Faro de Ceuta el 26 - 9 - 2006

PATRIMONIO CULTURAL Y ESCULTORES CEUTÍES

2006-09-04T06:55:00.000-07:00

Cuando estas letras vean la luz se habrá o estará próximo a hacerlo, inaugurado el Parque Temático escultural de Ceuta.
El ambicioso y presuntuoso proyecto de Ginés Serrán Pagán con el que el gobierno ceutí quiere dotar a la ciudad de un imaginario recorrido histórico no puede hacer olvidar ni dejar de lado otras prioridades como ha denunciado la asociación Septem Nostra.
Da la sensación de que el Sr. Ginés Serrán es el único artista ceutí con cierto prestigio internacional. No dudo de la capacidad ni calidad de sus obras pero, antes que él existieron otros que por motivos desconocidos están en un inmerecido olvido.
Es preciso rescatar del olvido a otros artistas ceutíes y de reconocerles sus trabajos. En esta ocasión quiero sacar a la luz a un artista ceutí injustamente olvidado –desconozco las razones- y con el que la ciudad tiene una deuda pendiente: el traslado y colocación en Ceuta de su obra: LA DAMA DE CEUTA.
En el año 1991 la Dirección Provincial del Ministerio de Cultura de Ceuta realizaba una estupenda labor cultural en diversos ámbitos. Bajo la dirección de José Abad y dentro de la colección “Cuadernos del Rebellín” se editó una biografía escrita por Germán Borrachero con el titulo: Ángel Ruiz Lillo, El Escultor Ceutí. De este Cuaderno están extraídos los siguientes datos:
Ángel Ruiz Lillo nació en Ceuta en 1930. Después de pasar varios años en Medina Sidonia por motivos labores de su padre, era maestro nacional en el pueblo, regresó a Ceuta huérfano de padre.
A los dieciocho años marchó a Sevilla a la Escuela de Artes y Oficios Artísticos. Más tarde realizó estudios de Bellas Artes en la Escuela Superior “Santa Isabel de Hungría”.
En 1952 se trasladó a Madrid para finalizar sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes “San Fernando”. Durante sus estudios fue discípulo y trabajó con escultores y arquitectos como: Enrique Pérez Comendador, Juan Vassallo Parodi y Martínez Jumilla.
En 1955 realiza el servicio militar en Ceuta. En esta época realiza trabajos de restauración en la Catedral ceutí. En 1957 expone su trabajo en la Sala Rembrandt de Tánger.
Ese mismo año el artista toma una decisión importante: marcharse a EE.UU. Ángel Ruiz Lillo se instaló en Minneápolis- Minnesota. En esta primera época el escultor se dedicó a la enseñanza como medio de subsistencia. Creo una compañía de su propiedad, la “Ángel Lillo Creations”. En 1960 obtuvo la Graduación en Bellas Artes por la Universidad de Minnesota. Con su compañía el artista consiguió una importante clientela de personajes importantes de la vida política, cultural y religiosa de Minnesota.
Ángel Lillo pasó treinta y dos años de vida artística en los Estados Unidos. Siempre presumió de ser ceutí, en 1952 en una entrevista en el periódico La Voz de Ceuta declaró:

“Yo no renuncio a mi naturaleza caballa y me siento orgulloso de ser ceutí. Esta tierra es magnífica y lo único que le censuro es su desidia o modorra para no volcarse en la exteriorización de tanta belleza como encierra”.

El artista durante su vida expuso en numerosas ciudades españolas y de otros países. En Ceuta lo hizo varias veces, la última fue en el año 1989. En aquella ocasión expuso dibujos y cerámicas.
Una parte importante de su obra está expuesta, con carácter permanente en el “Minneápolis Institute of Arts” y es patrimonio artístico del estado de Minnesota.
Ángel Lillo murió en 1989. Con la venta de sus propiedades y obras dispuso en su testamento la creación del Fondo Becario de la Amistad para facilitar los estudios de un joven estadounidense en España y de otro español en EE.UU.
El artista siempre expresó un deseo: que su obra “La Dama de Ceuta” fuese trasladada definitivamente a su ciudad natal. En 1977 expresó en el Faro de Ceuta:

“El caso es que algo de mi arte no sólo se vea en los Estados Unidos. Deseo ardientemente, como buen caballa, dejar huella de mi trabajo en esta tierra que me vio nacer y de la que me siento enormemente orgulloso".
“Nací en Ceuta, y aunque llevo veinte años en los Estados Unidos, soy por supuesto ceutí. He hecho ya muchas obras de temas ceutíes, entre ellas “La Dama de Ceuta” que está en Norteamérica, pero me gustaría, como caballa que soy, dejar algo de mi arte en mi pueblo, dejarla en Ceuta”.

El autor del Cuaderno del Rebellín dedicado a Ángel Lillo, Germán Borrachero escribió en 1991: Era una constante de su vida. Quizás todavía se pueda hacer algo.
A pesar de los años transcurridos, la ciudad tiene una deuda con el artista. Quizá se está a tiempo de trasladar a la ciudad su escultura dedicada a Ceuta.
Se puede argumentar que se ha agotado el dinero con el proyecto de Serrán Pagán. En ese caso y de momento, no estaría mal dedicarle una calle (de momento).

Publicado en el Faro de Ceuta el 3 – 9 - 2006

CEUTÍES EN CEUTA

2006-08-27T11:31:00.000-07:00

CEUTÍES EN CEUTA.

Soy uno de esos ceutíes a los que Joaquín Reque dio la bienvenida en este mismo periódico el 11 de agosto. Como otros tantos ceutíes vengo cada año para ver a la familia, amigos, lugares y a “coger aire”.

Es real que la ciudad cambia año tras año. Se moderniza, (la ciudad) hay evidentes mejoras en limpieza, seguridad ciudadana, etc., pero, no todo es positivo. También hay cosas negativas y recogiendo la petición del Sr. Reque –no todos tenemos la misma opinión del Sr. Vivas y de su equipo de gobierno- voy a referirme a algunos hechos que resultan negativos e incomprensibles y algunas veces sospechosos.

-El coste de la travesía del Estrecho. Admitiendo que la responsabilidad no es exclusiva del equipo de gobierno, lo cierto es que, tengo la convicción de que se puede hacer mucho más de lo que hasta ahora se ha hecho, o sea, nada. Este viejo asunto ya huele demasiado. Cuesta entender su elevado coste y los ceutíes que venimos de otras ciudades no entendemos como no se hace nada para buscar una solución positiva que beneficiaría a la ciudad.

Cuando comprobamos que Ceuta es una ciudad que subvenciona todo, es difícil de comprender que no se busque y logre una solución. Hace años tenía la sensación de que este asunto era cuestión de tiempo. Ahora esa sensación se ha convertido en certeza de que no se solucionará nunca. Y digo nunca porque cuando uno tiene la oportunidad de realizar la petición de abaratamiento del coste de la travesía a las autoridades locales, uno percibe rápidamente como esa petición les está entrando por un oído y en ese mismo momento les está saliendo por el otro y ¡hasta el próximo año!

-Monte Hacho. Durante mis días en Ceuta suelo dar a diario la vuelta al Hacho. Año tras año voy comprobando la progresiva degradación a que está siendo sometido este bello pulmón de la ciudad. Las construcciones avanzan por ambos lados y uno siente pena, rabia e impotencia de que las autoridades prioricen un crecimiento urbanístico que acabará destruyendo el Monte Hacho.

Creo que la conservación del Monte Hacho como parque natural debería ser prioridad del gobierno ceutí. No dudo de la legalidad de las nuevas construcciones pero Ceuta no se merece la desaparición de este pulmón natural en beneficio de la especulación ladrillera. Es responsabilidad del equipo de gobierno la paralización de las obras y la conservación de sus conjuntos históricos: la Fortaleza- Ciudadela y las Fortificaciones que rodean su perímetro.

-Parque Temático. El próximo año, al volver de nuevo a la ciudad, la encontraremos convertida en un parque temático con un supuesto recorrido histórico escultural. Me refiero a las esculturas de Ginés Serrán Pagán. ¿Se ha realizado un mínimo estudio del impacto en el paisaje urbano? Sería recomendable que los responsables del gobierno ceutí lean entre otras leyes la: Ley de Paisaje Urbano de la Ciudad de Barcelona, quizá aprendan algo (si, siempre los catalanes).

-Traje Regional. A quien corresponda, Asamblea, creadora, etc. Una petición: Elimínenlo. Hay varias razones para ello:

a/ la nula identificación del pueblo ceutí con el traje. Durante las Fiestas Patronales he contabilizado ¡catorce trajes! La mayoría de ellos llevados por personas mayores que hace años que los tienen. A medida que ha ido creciendo el fanatismo por copiar todo lo andaluz y vestirse con el llamado traje de gitana ha ido desapareciendo el traje de Ceuta.

b/ Ceuta debe de ser la única ciudad de España en la que sus reinas no lucen el traje típico ceutí. ¿Se imaginan en las Fallas, Pilar, San Isidro, Fiestas Mayores, etc., que sus respectivas Reinas, Majas, Chulapas, Pubillas, etc., no vistan sus trajes? Ceuta es diferente.

c/ Sin duda alguna, mucha culpa de esta nula identificación la tiene el gobierno ceutí. Su falta de apoyo, -está más interesado en que Ceuta parezca algo parecido a un cortijo andaluz- es total. En fiestas, congresos, ferias de turismo, etc., es escasa o nula la visión del traje regional ceutí.

Cuando uno asiste a la Ofrenda a la Patrona y se encuentra a la Consejera de Cultura y a la Hermana Mayor de la Hermandad Sª María de África vestidas de rocieras se pregunta: ¿me habré equivocado de ciudad? ¿Estaré en Ceuta o en Ayamonte? Hay otras muchas razones para valorar su justa desaparición: dificultades en su confección (debido a la escasez), da mucho calor (simples excusas para no llevarlo) etc.

Yo soy un admirador del traje pero pido su desaparición ante la falta de identificación. Los mismos que ahora tienen la obligación de potenciarlo serán los primeros en lamentarse después cuando Ceuta no aparezca en colecciones de sellos, pases regionales, etc. ¡Hipócritas!

Sr. Reque hay otras muchas cuestiones de las que quejarse, por ejemplo: la enorme capacidad de censor del Sr. Vivas a pesar de su buena imagen.

Acuérdese Sr. Reque. El próximo año nos volveremos a quejar del precio de la travesía, el Sr. Vivas ni se acordará, pero volveremos a nuestras raíces: CEUTA.

Publicado en el Faro de Ceuta el 16 - 8 -2006

¿Y si Quim Sarriá no se equivoca?

2006-07-12T23:26:00.000-07:00

El pasado día 7 de julio el Sr. Quim Sarriá publicó en el Faro de Ceuta un artículo titulado: Llamaradas.
El Sr. Sarriá con la fina ironía que le caracteriza, al final del artículo soltó una verdadera perla:
me ha extrañado bastante distinguir entre los miembros que componían el séquito a una persona que se parece extraordinariamente a un miembro de algún departamento del gobierno marroquí y al que creo reconocer de una visita que efectué, tiempo atrás, a Rabat acompañando a un grupo de empresarios.
Los que conocemos y tenemos la suerte de compartir con el Sr. Sarriá buenos momentos y tertulias somos conocedores de su buena vista y fina ironía por eso, creo que en esta ocasión le ha fallado la vista.
Creo que le ha fallado la vista por varias razones pero principalmente por una potente razón: no voy a descubrir aquí los pensamientos políticos del Sr.Llamazares respecto a Ceuta y Melilla, son conocidos, por eso ¿es tan torpe para descubrirse de esta manera?
Si al Sr. Quim Sarriá no le ha fallado la vista con lo del cargo marroquí ¿Qué significa? ¿Qué este Sr. está tutelando el proceso de la Coalición? ¿Qué este proceso está supervisado por Marruecos?
La presencia de este cargo marroquí (si no le ha fallado la vista) tiene un significado e importancia enorme para la Ciudad. Significa que todos los líderes de la Coalición y el mismo Llamazares apuestan descaradamente por Marruecos y no por España. ¿Por qué la presencia de este cargo marroquí?
Hay muchas más preguntas en el aire que requieren una pronta aclaración. Por eso pienso y quiero creer que al Sr. Quim Sarriá le falló la vista o ¿quién se equivoca soy yo?

Publicado en el Faro de Ceuta el 13 – Julio de 2006

Ceuta y Catalunya

2006-07-05T02:02:00.000-07:00

Durante la pasada campaña del referéndum de Catalunya un compañero de trabajo, militante de Esquerra Republicana, me comentaba que iba a votar favorablemente.
Agumentaba que estaba harto y cansado de que siempre que había dificultades afloraba en una gran parte de la sociedad catalana el “victimismo”. Decía que estaba harto de tener que admitir y de camuflar la incapacidad de los dirigentes para negociar, echándole siempre la culpa a los “otros”.
Yo con ánimo de tranquilizarlo le decía que eso es algo común en muchos pueblos. Le comentaba un artículo del Sr. Aróstegui, concretamente dos párrafos que dicen: Hechos y circunstancias que en cualquier comunidad hubieran desencadenado auténticas revueltas populares, en nuestra Ciudad son asumidos con una irritante naturalidad que provoca vergüenza ajena. Nula capacidad de reacción. Pensamientos expresados por el Sr. Aróstegui con los cuales estoy totalmente de acuerdo.
La conversación siguió su curso y aparecieron preguntas como: ¿en qué se parecen y en qué se diferencian ceutíes y catalanes?
Son dos pueblos alejados en muchas cosas. La forma de ser y de sentir su pertenencia a una tierra son bien distintas, ni mejor ni peor, distintas.
Su comportamiento, actitud y capacidad de respuesta ante las adversidades, los retos y los insultos, también son diferentes.
Así podría mencionar muchas otras cosas en las cuales se diferencian ceutíes y catalanes. Pero voy a referirme a una en la que los dos pueblos tienen una gran similitud.
El victimismo de ambos pueblos. Es común el hecho de sentirse victimas de la incomprensión, de echarle la culpa siempre a los “otros”. Son dos pueblos poco dados a la autocrítica y a desviar los asuntos más peliagudos, camuflándolos.
Catalunya es proclive a echar la culpa de muchas cosas a la incomprensión del gobierno central. Aún admitiendo que en muchos casos estas quejas sean razonables, éstas, no deben ocultar que en muchos casos esa incomprensión y desconocimiento de lo catalán es en parte debido a la incapacidad de sus máximos responsables.
Camuflar ciertas carencias echando la culpa a los “otros” es un hecho con fuertes asideros en gran parte de la sociedad catalana. Esta política -todos los gobernantes catalanes han hecho uso de ella- ha logrado que ese sentimiento de victimismo esté presente en la vida catalana.
En Ceuta pasa algo parecido. Los ceutíes, como los catalanes, siempre nos quejamos del desconocimiento que tienen los demás de nosotros y de nuestra tierra.
Es normal en Ceuta quejarse de libros que no nos tratan bien. De periódicos y revistas en los que no aparece Ceuta como nos gustaría. De salir en la prensa sólo con noticias de drogas, robos, tiros, etc.
Como en Catalunya, aún suponiendo que en muchos casos estas quejas sean razonables, éstas, no deben ocultar que en muchos casos esa incomprensión y desconocimiento de Ceuta es en parte debido a la incapacidad de sus máximos responsables.
Sin entrar en temas de más calado, los dejaré para otra ocasión, voy a mencionar dos hechos de los cuales a los ceutíes les gusta quejarse.
Cuando en algún mapa de España no aparece Ceuta se suele poner el grito en el cielo pero, ¿Se han fijado muchos ceutíes en algunos mapas que edita el Ayuntamiento ceutí?
En algunos, Ceuta termina en las Puertas del Campo y en otros en Hadú. No existen las barriadas exteriores ni el Príncipe.
No busquen excusas de tipo turístico, cultural y religioso. En esos lugares “desaparecidos” hay museo (Regulares), Murallas Merinidas, Fortines Neomedievales, etc.
Otro tema de queja suele ser el desconocimiento de nuestro modo de vida. El hecho de que se nos confunda con modos de vida africanos y no europeos, especialmente andaluces, enfurece a muchos. A esos les recomiendo que lean el titular de un folleto propagandístico que se suele dar en el helipuerto ceutí. Este es el titular:
CEUTA–YOUR EXOTIC SPANISH DESTINATION (TU DESTINO EXOTICO EN ESPAÑA)
¡Ceuta, la España exótica!
¿Qué tiene la ciudad de exótica? ¿Quizá un safari para ver los animales por las calles? ¿O ver a sus habitantes con taparrabos y demás? ¿Qué exotismo tiene Ceuta que no tiene Barcelona?
Si este titular aparece en la propaganda de cualquier agencia turística de la Península como reclamo, estamos seguros que hasta la propia Asamblea ceutí protesta, con Vivas en primera posición.
¿Y ese fundamentalismo ceutí que siempre está presto para quejarse de las injusticias?
El folleto en cuestión cuenta con el apoyo económico de la Viceconsejería de Turismo de la Asamblea de Ceuta.
Nos quejamos de no aparecer en mapas, de ser confundidos con aquello que no deseamos pero, ¿pedimos explicaciones a los responsables de estos errores realizados en la propia Ceuta con dinero público? ¿Qué fuerza moral podemos tener para protestar y pedir explicaciones a aquellos que no conociendo nuestra realidad cometen los mismos errores?
Este victimismo es algo común en los dos pueblos. La queja como justificación de nuestra incapacidad para resolver y aclarar algunos tópicos sobre nuestras ciudades.
Las diferencias son muchas. La capacidad de asociación y movilización como instrumento para lograr objetivos es quizá la que más diferencia a ambos pueblos pero, eso será para otra ocasión.

Publicado en El Faro de Ceuta - 5 de Julio -2006

Salud democrática

2006-07-02T02:38:00.000-07:00

A pesar de todos esos agoreros apocalípticos que intentan presentar a la sociedad catalana como algo cerrado, fanático, y un lugar donde todo gira en una sola dirección, les recomiendo, por salud democrática que, si tienen oportunidad, vean la programación televisiva del primer canal de TV-3.
En todas las cadenas televisivas, las de cobertura estatal y las autonómicas, existen programas de los llamados por los especialistas “tele basura”. Espacios donde lo importante es escarbar en las intimidades y explotar el morbo, cuanto más mejor. En TV-3, no existen.
Hay programas de información de actualidad pero sin entrar en morbosidades. Programa como “Tómbola”, emitido por casi todas las televisiones autonómicas, es impensable en la televisión catalana.
En contra de esa imagen catastrofista que algunos quieren e intentan difundir con sus constantes mentiras, existen en la programación de TV-3 espacios donde la actualidad política, social, cultural y cotidiana de Catalunya queda reflejada con humor critico sin que nadie se sienta ofendido.
En horario de máxima audiencia hay un programa llamado: “Un lloc estrany”, “Un lugar extraño”. El programa consiste en lo siguiente: la visión que tienen de Catalunya y de los catalanes – su forma de ser, modo de vida, costumbres, celebraciones, etc.- todos los que viniendo de otras partes del planeta se han quedado a vivir en Catalunya.
Por este espacio televisivo pasan personas de todos los continentes. Todo realizado con mucho humor y sin una sola crítica negativa posterior, a pesar de que en las quejas de los entrevistados (las hay) aparece a menudo uno de los símbolos de Catalunya: la Virgen de Montserrat. Te puede gustar o no pero, se asume y se disfruta viendo como te ven los demás.
Otro programa con audiencia mayoritaria es uno llamado: “Polonia”. Es conocido que a los catalanes, cuando se les intenta fastidiar se les suele llamar “polacos”. La televisión catalana se ha apropiado del insulto y da cabida a un espacio humorístico con este titulo para parodiar a nombres públicos.
El periodista, Toni Soler y sus colaboradores, con mucho sentido del humor, realizan un programa llamado “Polonia” para reírse de la vida catalana.Por este espacio desfilan todos los políticos catalanes y nacionales.
Impagable el momento en que los dirigentes de Esquerra Republicana deciden el voto negativo al Estatut: Carod Rovira y Puigcercós, aparecen borrachos, para no pensar en votar lo mismo que el PP. Aquella teoría que nos enseñaron de que los polos opuestos se atraen, hecha realidad.
Los dirigentes del desaparecido tripartito son mostrados como un trío donde las puñaladas son constantes y Maragall mostrado como un hábil manipulador de Zapatero.
Otro momento memorable muestra a, Acebes pensando como liquidar a Piqué, mientras se toma un cubalibre con Carod Rovira. ¿Será verdad para cabreo de los fanáticos?
El programa son treinta minutos de severas críticas a las falsedades de los políticos. Es el mundo de ellos (los políticos) pero a nivel de calle. Mostrando lo que de verdad piensa el pueblo llano de ellos.
¿Se imaginan ustedes en la televisión de Ceuta un espacio similar? El Confidencial e Historia de Pepe Caballa y la Pavana en la tele con nombres e imágenes. Todos los nombres públicos ceutíes, con Vivas a la cabeza, parodiados para deleite de todos los ceutíes.
¡Qué saludable sería para la democracia!
Publicado en el Faro de Ceuta el 27 de Junio- 2o06